Tag

Энди Уорхол Archivi - Linda Bajàre

ИСКУССТВО ВНЕ МУЗЕЕВ

Часть I

 

Вам не обязательно ходить в музеи, чтобы испытать эмоции, передаваемые искусством, потому что они включаются в нашу повседневную жизнь.

Искусство постоянно с нами, она в повседневной одежде, ​​в предметах дизайна, украшающих наши дома, и в футуристической архитектуре городов.

Границы между различными сферами разрушились, постоянно развиваются взаимные влияния: искусство предлагает уникальный вклад практически во все дисциплины, вдохновляя различных личностей, таких как архитекторов, дизайнеров, стилистов, графических дизайнеров и рекламодателей.

Использование прошлого или современного искусства способствует рождению уникальных и оригинальных творений, просто подумайте о целях, достигнутых дизайном: баланс между функциональностью и красотой приближает и все чаще приравнивает его к современному искусству.

Даже прежде, чем удовлетворить функциональные потребности, современные здания представляют очень точный образ, в диалоге между двумя дисциплинами все более используя особый язык искусства, который становится все более взаимодополняющим в общем взаимопроникновении.

В музеях нового поколения пространство, отделяющее архитектуру от произведения искусства (форму от содержимого), теперь отменено, и Guggenheim Bilbao, созданный Фрэнком Гери, воплощает эти радикальные изменения, являясь самым настоящим произведением искусства и туристической достопримечательностю, которое стало символом города.

Мягкие формы музея являются прекрасным примером деконструктивизма, архитектурного направления, вдохновенного работами русских конструктивистов 1920-х годов, которые впервые нарушили баланс классической композиции создавая новые геометрические характеристики.

Музей Гуггенхайма, Бильбао, Испания

 

Искусство выходит за рамки традиций, поддерживая новые способы обучения через Интернет, и сегодня возможно бесплатно и не выходя из дома посещать музеи, памятники и места археологических раскопок по всему миру.

Необходимость получить культурный опыт на 360° также приводит к созданию виртуальных туров по многим городам искусства, последний из которых стал доступным в Милане по случаю 500-летия со дня смерти Леонардо да Винчи.

Профиля и формы, характерные для искусства, не только проникли в архитектуру и дизайн, но, как мы уже говорили, также и в моду, создавая уникальные и оригинальные творческие пути и обмен идеями.

Достаточно взглянуть на подиумы последних лет, полные даней и ссылок на искусство не только в одежде, но и в сценографии, которое часто более близкое к художественному исполнению, чем к представлению сезонных коллекций.

Эффект «музея» часто сопровождает показы мод голландских стилистов Виктора и Рольфа, от дани почтения Ван Гогу в 2014 году до одежды, которая напоминала живопись действия в следующем году, но самой удивительной была коллекция, посвящённая Пикассо в 2016 году, когда они буквально превратили модели в живые скульптуры асимметричного монохромного вида, типичного для кубистских работ.

Виктор и Рольф, Oт-кутюр, весна-лето 2015

 

Виктор и Рольф, Oт-кутюр, осень-зима 2015-2016

 

Виктор и Рольф, Oт-кутюр, весна-лето 2016

 

Сам Пикассо внёс свой вклад в мир моды, создав пуговицу для Коко Шанель и разработав театральную одежду для представлений русского балета Дягилева – события, в котором он встретил свою будущую жену и музу Ольгу Хохлову.

Пабло Пикассо, пуговица, созданная для Коко Шанель, 1920 керамика и эмаль

 

Пабло Пикассо, Занавес для балета Массина «Парад», 1917

Холст, темпера, 1050 х 1640 см

Центр Помпиду, Париж, Франция

 

Пабло Пикассо, костюм китайского фокусника для балета Массина «Парад», 1917

Музей Виктории и Альберта, Департамент театра и перформанса, Лондон, Великобритания

 

Однако, Moschino решил дать жизнь самым известным работам испанского художника – от розового до голубого периода до кубистских абстракций – на показе мод весна-лето 2020, по меньшей мере, удивительно.

Модели Джереми Скотта – между гигантскими ремешками, позолоченными рамами и разложенными женскими профилями – были идеальными живыми произведениями искусства, олицетворением картин великого мастера.

Москино, весна-лето 2020

 

Выбор отдать дань уважения и быть вдохновлённым искусством касается не только текущих событий: в прошлом великие стилисты также брали известных художников и работ, как, например, в случае с Ивом Сен-Лораном в коллекции «Mondrian Look» 66-го года, которая включала геометрические узоры голландского художника, создавшего историю.

Ив Сен-Лоран, «Взгляд Мондриана», 1966

 

Около тридцати лет спустя Джанни Версаче почтил дань уважения Энди Уорхолу по случаю коллекции S/S 1991 года, предлагая знаменитые сериграфы Мэрилин Монро и других поп-икон, напечатанные на полихромных шёлковых платьях.

Джанни Версаче, весна-лето 1991

 

Wharol – с 62-го по 66-й – в свою очередь создал серию одежды, вдохновлённый своими собственными работами: «Хрупкий, обращайся осторожно» и «Суповая банка Кэмпбелла», чтобы выразить характерную для работ художника жёсткую критику в адрес общества. Ему также удаётся превратить женскую одежду в икону потребителя. В своём стиле искусство становится товаром, а одежда – искусством.

Энди Уорхол, «Суперплатье», «Брильо» и «Хрупкое, обращаться с осторожностью», 1962-66

Костюмы из бумаги, целлюлозы и хлопка

 

Связь между искусством и модой становится все более консолидированной, что выражается в частых партнёрствах и сотрудничестве между модными домами и современными художниками, занимающимися созданием отдельных изделий или капсульных коллекций: сегодня произведения искусства можно увидеть на обложках Vogue, в видеороликах рэперов, таких как Jay Z, на кроссовках Nike или сумках Louis Vuitton.

Так только дом моды группы LVMH Бернара Арно, который, как мы увидим, твёрдо привержен продвижению и поддержке искусства – благодаря креативному директору Марку Джейкобсу начал серию сотрудничества с различными художниками в конце 90-х, включая Синди Шерман, Яёи Кусама, Такаши Мураками и Ричарда Принса.

Сумки Monogram стали одними из самых знаковых и самых продаваемых модных аксессуаров десятилетия, настоящими произведениями искусства, которых можно носить, так, что на «Выставке художественного сотрудничества» только что завершегося в Беверли-Хиллзе отмечались 180 самых очаровательных моделей всех времён данной фирмы.

В свою очередь, коллекционер Марк Джейкобс недавно решил продать часть своей коллекции на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке в ноябре 2019 года: более 150 произведений, собранных за 20 лет, от мастеров импрессионизма до Энди Уорхола, включая Эда Руша, изюминки коллекции.

Яёи Кусама, монограмма сумочки для Луиса Виттона, «Бесконечная коллекция», 2012

 

Ричард Принс, сумка «Монограммные шутки» для Луиса Виттона, коллекция весна-лето 2008

 

Алекс Исраэль, сумка «ArtyCapucines» для Луиса Виттона, 2019

 

Там же во Франции, дом Celine часто отличался коллекциями, заимствованными из мира искусства, такими как линия S/S 2017, вдохновлённой знаменитыми антропометрическими представлениями Ива Кляйна.

Силуэты тел моделей запечатлены на белых платьях как на полотнах, в оттенке International Klein Blue, запатентованном французским художником.

В дополнение к этой прославленной дани, дом моды часто сотрудничает с современными художниками, и последним по порядку времени является Кристиан Марклей для коллекции S/S 2019, художник, который был вдохновлён миром музыки и комиксов для коллекции, которая подмигивает року.

Слева: Ив Кляйн во время перформанса; справа: Селин, весна-лето 2017

 

Кристиан Марклай для Селин, весна-лето 2019

 

Dior, в свою очередь, очень активно работающий в области искусства, недавно объявила о сотрудничестве с 11 женщинами-художниками для 3-го издания Dior Lady Art, коллекции, которая оставляет карт-бланш для реинтерпретации культовой сумки.

В этом году также выработана капсула Dior Men от Kaws, которая изменила дизайн исторического логотипа в форме пчелы, превратив его в остроумный мультфильм в стиле персонажей, населяющих его работы.

Не являясь новичком в экспериментах даже за пределами строго художественной сферы, Каус уже сотрудничал с Найком, когда Кени Вест разработал обложку альбома «808s & Heartbreak» и даже графику парфюма «Любовь к прекрасному полу» (Love for fairer sex) фирмы Comme Des Garçon в сотрудничество с музыкантом Фарреллом Уильямсом.

Это демонстрация того, что взаимное влияние между различными областями становятся все более глубоким и сложным.

Кит Харинг, кроссовки для Адидас

 

Альбом «Бархатный Метрополитен и Нико», 1967

 

Для Марни диалог между искусством и модой также является источником вдохновения. Салли Смарт, Рут Ван Бик и Дэвид Салл, Стефано Фаваро и Кристоф Жубер – некоторые из имён, связанных с итальянским домом, который недавно обратил внимание на тему устойчивости и окружающей среды, ключ понятия отчётливо виден в сценографии последнего шоу и в творчестве художников Шалва Никвашвили и Казума Нагаи в показе мод весна-лето 2020.

Иногда сотрудничество также возникает благодаря личной дружбе, как, например, в случае с Риккардо Тиши и Мариной Абрамович, которая 11 сентября 2015 года создала сценографию парада, чтобы отпраздновать 10-летие работы креативным директором Givenchy. Суровая обстановка между небоскрёбами Нью-Йорка, созданная из переработанных материалов, была метафорой восстановления на обломках в честь этой символической даты.

Марина Абрамович, подиум, созданный для Живанши, весна-лето 2016, Нью-Йорк, 2015

 

Когда искусство и жизнь переплетаются с уникальным опытом, предназначенным для создания истории, сегодня, как вчера: в 1930-х годах Эльза Скиапарелли перенесла сюрреалистическую поэтику на одежду и аксессуары благодаря своей личной дружбе с такими артистами, как Сальвадор Дали, Ман Рэй и Жан Кокто.

Из этих коллабораций родились такие знаковые вещи, как пальто с карманами в форме ящика, разработанное Дали, вдохновлённое работой «Венера Милосская с ящиками» 1936 года, знаменитым принтом лобстера, вышитом на одежде, или шляпой в форме перевёрнутой туфли (1933).

Сальвадор Дали, платье «Скелет», 1938

 

Другие творения Сальвадора Дали для Эльзы Скиапарелли

 

Другим актуальным примером сегодня является связь между венецианским художником Нико Вашеллари – партнёром Дельфины Фенди – и сотрудничеством с итальянским домом моды, для которого в этом году он играл с дуализмом добра-зла / света-темноты, создавая дорожку, превращённую в своего рода пещеру.

В 2018 году Фенди выступила спонсором инсталляции Вашеллари «Месть» в Maxxi в Риме, укрепив тем самым связь со столицей и миром искусства, который в 2015 году увеличился благодаря реставрации фонтана Треви и открытию в 2018 году Rhinoceros, последнего местонахождения Фонда Альда Фенди в историческом здании, отреставрированном Жаном Нувелем.

Великий дворец искусств сочетает в себе консервацию и инновацию, предлагая авангардную культурную лабораторию в районе, который до сегодняшнего дня не полностью использовал свой потенциал.

Как мы увидим позже, одно из многих преимуществ, принесённых фондами, заключается в том, что они начали процессы переустройства городов: в то время как в Милане Prada реабилитировала целый район – вслед за этим открылись ICA и многочисленные коммерческие мероприятия – в Риме Фонд Альда Фенди обратил внимание на одно из многих мест, забытых учреждениями.

 

Оттенки радуги искусства бесконечны: выберите свой любимый !

У тебя есть чувство юмора?

У тебя есть чувство юмора?

Часть I

Чувство юмора является признаком интеллекта. Это искусство тех, кто моделирует то, что они видят, с элегантной сатирой, чтобы заставить нас задуматься о глубоких концепциях и экзистенциальных темах, предлагая оригинальную и менее жёсткую реальность.
Использование чувства юмора утончённым и креативным способом, безусловно, является искусством, а сочетание искусства и юмора делает нашу жизнь более весёлой и приятной.
Все началось с Марселя Дюшана и Пьеро Мандзони, выдающихся предшественников иронической мысли и революционных идей, которые вдохновляли последующие поколения современных художников.
Инициатор дадаизма, ведущая фигура сюрреализма и предшественник концептуального искусства, Марсель Дюшан (Франция, 1887 — 1968) бросил вызов социальным соглашениям и изменил концепцию искусства, повысил предметы общего пользования в реальные произведения. Его непочтительные провокации оказали влияние на авангардное искусство и предвосхитили многие художественные движения второго послевоенного периода.
«Колесо велосипеда», первое готовое изделие, использованное в искусстве, восходит к 1913 году, которому было суждено навсегда изменить ход истории искусства. Деконтекстуализация рядовых элементов вызывает отчуждающий эффект и концептуальное искажение: велосипедное колесо утратило свою функцию, а стул, на котором он установлен, непригоден для использования.
Самым известным вмешательством останется «Фонтан» (1917), мужской писсуар с подписью художника, скандальная работа, которая в то время вызвала ажиотаж и придала названию всю иронию гения прошлого века.

 

 

Marcel Duchamp, “Fountain”, 1917 Orinatoio maschile

Марсель Дюшан, «Фонтан», 1917
Мужской писсуар

 

Что касается провокаций, то после знаменитого писсуара есть “Дерьмо́ художника” (итал. Merda d’artista”) (1961) Пьеро Мандзони (Сончино 1933 — Милан 1963), который является самым классическим примером художественного скандала, работа, которая даже вызвала парламентский вопрос.
Помимо чисто «тематического» совпадения, две упомянутые работы являются криком протеста, признаком сильной реакции против правил и господствующей системы времени.
Искусство, которое до этого было носителем смыслов, но главным образом декоративным и с сильной эстетической функцией, теперь больше не заботится об удовлетворении взгляда, но передаёт концепции и идеи, даже оспаривания.
Мандзони переопределяет сами границы произведения искусства с абсолютно инновационной творческой свободой для времени, утверждая, что является одним из главных героев международного авангарда и одним из предшественников концептуального искусства. Он является частью неформального ядерного движения с 1957 по 1959 год и основал журнал Азимут с Энрико Кастеллани (1959-60), с которым он также открыл галерею Азимут в Милане.
В «Merda d’artista», в дополнение к иронии надписи, которая представляет формулировку любого консервированного продукта, концептуальная провокация продолжается в цене, назначаемой за произведение, эквивалентной цене золота за грамм: таким образом Мандзони связывает два материала, которые полностью противоположны друг другу, но оба полны смыслов.
Противоречие также относится к арт-рынку и произвольной эстетической ценности, придаваемой тому, что считается произведением искусства, а также затрагивает вопрос между содержанием и формой.
Также как эта, и другие его работы предполагают сокрытие произведения искусства, как в случае с работой “Линии” (итал. «Linee»), выполненной между 1959 и 1961 годами, которая состоят из линии, нарисованной на листе бумаги, и их существование и длина удостоверяется только внешней этикеткой цилиндра, которая их содержит.
Его постановка всегда характеризовалась сильной иронией и позицией, и его творчество охватило несколько формы искусства: он столкнулся с хэппенингом и перформансом, когда заклеймил варёные яйца, чтобы предложить зрителям свои отпечатки пальцев в хэппенинге «Употребление динамического искусства обществом пожирающем искусство» (итал. «Consumazione dell’arte dinamica del pubblico divorare l’arte»).
Он подписал тела моделей — «Живые скульптуры» (итал. “Sculture viventi”) (1961) — с обычным сертификатом и накладной, предвидя боди-арт, а также создал самую большую скульптуру в мире — непревзойденное первенство — размещая своего рода постамент с обратной надписью: «Socle du monde» (Постамент мира) (1961).
В настоящее время серия «Ахром», начатая в 1957 году, на самом деле является его наиболее цитируемым произведением. С его монохромами Мандзони превосходит живопись и ограничивает своё личное вмешательство: пропитанную каолином ткань оставлена сохнуть, позволяя материалу изменяться со временем.
Сегодня легко догадаться о революционном значении гения, который рано ушёл из жизни, но в 1950-х и 1960-х годах было, возможно, слишком рано, чтобы получить должное ему признание.
Галерея Hauser & Wirth посвятила ретроспективу его работе «Пьеро Мандзони: Линии», которая продлится до 26 июля в нью-йоркском офисе, где выставлены 70 работ «Achrome» и 12 «Linee».

 

Piero Manzoni, “Merda d’artista”, 1961 Scatoletta di lattina, carta stampata, feci umane o gesso?

Пьеро Мандзони, «Merda d’artista», 1961
Консервная банка, отпечатанная бумага, человеческие фекалии или мел?

 

Не менее провокационным и одарённым чувством юмора является Сальвадор Дали (Испания 1904 — 1989), величайший образец сюрреализма, известный также эксцентричной и причудливой личностью, которая вылилась в сказочные произведения, населённые деформированными и беспокоящими животными и предметами, плодом подсознания художника.
Его ранние работы находятся под влиянием работ кубизма, футуризма и де Кирико, к которым он добавит сильные ссылки на фрейдистский психоанализ. Эклектичный и гениальный, Дали проявил себя в различных областях, включая кино, фотографию и скульптуру.
«Постоянство памяти» (1931) — сюрреалистическая работа, которая в присутствии знаменитых мягких часов исследует и ставит под сомнение утверждение об измерении времени объективным и абсолютным способом.
Вместе с режиссёром Луисом Бунюэлем он создаёт зарубежные и авангардные короткометражные фильмы, такие как «Андалузская собака» (1927), перед серией отличных кинематографических и театральных работ: он будет сотрудничать с Альфредом Хитчкоком, Лучино Висконти и Уолтом Диснеем.
Его нетрадиционный стиль, страсть к роскоши и крайностям сделали его всемирной знаменитостью, между незабываемыми вечеринками и дикими кошками, которых он держал в качестве домашних животных.
Его экстравагантность часто увековечивалась Мэн Рэем, но лёгкость и ирония испанского гения суммированы на фотографии, сделанной Филиппом Хальсманом в 1948 году: «Dalì Atomicus» — название, относящееся к ядерному взрыву в Хиросиме и Нагасаки из 1945 год — это настоящий взрыв, который увековечивает летающих кошек, ведра воды и художника, подвешенного в воздухе, намеревающегося рисовать.
На Форуме Гримальди в Монте-Карло проходит выставка, которую можно посетить до 8 сентября, которая объединяет около 100 работ, охватывающих всю его творческую деятельность с 1910 по 1983 год.

 

Philippe Halsman, “Dalì Atomicus”

Филипп Хальсман, «Дали Атомикус», 1948
Серебряный желатиновый принт

 

Реальная тенденция юмора в мире искусства развивается позже с движением поп-арта, родившимся в Англии и США между концом 1950-х и началом 1960-х годов. Сама концепция искусства обновляется, сделать его более лёгким и ироничным благодаря появлению плоских и ярких цветов, упоминанию об иконах кино и комиксов. Поп-арт — проницательный и непосредственный — лучше всего выражает коллективное воображение и американское общество того времени, заимствуя язык средств массовой информации и рекламы.
Таким образом, реплика исходит из повседневной жизни, и, следовательно, даже продукты массового производства становятся настоящими иконами.
Невозможно не думать о банках супа Кэмпбелла или бутылках Кока-Колы, воспроизведенных в сериграфах Энди Уорхола (США 1928 — 1987), согласно которому искусство также потребляется, как и любой другой продукт.
Таким образом, воспроизводимость и навязчивое повторение характеризуют его работы, которые, подобно массовым продуктам, связанным с потреблением, отражают американское общество. Ведущий образец поп-арта и эксцентричная личность, Уорхол также прославил своё имя нетрадиционным образом жизни.

 

Andy Warhol

Энди Уорхол, «Суп Кэмпбелла II», 1969
Шелкография на бумаге

 

Тема воспроизводимости произведения искусства была также в центре исследований Роя Лихтенштейна (США, 1923 — 1997), другого великого представителя движения: источник вдохновения — комиксы — также вызывает интерес к механическим процессам. Лихтенштейн реализует обратный процесс в своих работах, который начинается с оригинальной копии (печатной страницы), создаёт оригинал, революционизирующий выразительный язык эпохи. За свою карьеру Лихтенштейн исследовал различные темы, некоторые из которых типично американские: от Дальнего Запада до художественного выражения индейцев, от экономического бума до восточных пейзажей.

 

Roy Lichtenstein

Рой Лихтенштейн, «В машине», 1963
Холст, масло

 

Другой великий исполнитель поп-арта — Том Вессельманн (США, 1931 — 2004), известный своими «Великими американскими ню» («Great American Nudes«). Его стилизованные и соблазнительные женские фигуры привносят эротизм в движение в то время, когда обнажённая женщина начинает превращаться в рекламный продукт, который больше не производит сенсацию.
В 1970 году Вессельманн выставил «Шкатулку для спальни», коробку, в которой были собраны расписные деревянные предметы. Что поразительно, так это наличие груди между пепельницей и флаконом духов: начиная с этого натюрморта художник начнёт изображать детали женских тел.
В интервью он сказал: «Живопись, секс и юмор — самые важные вещи в моей жизни».

 

Tom Wesselmann

Том Вессельманн, «Курильщица № 3 (Рот № 17)», 1968
Холст, масло

 

Джефф Кунс — эксцентричная личность и «ужасное детище» современного искусства — о нем часто говорили из-за его неоднозначных предпочтений.
Его самые ранние работы датируются концом 1970-х годов, но в 1980 году Джефф Кунс дебютировал в мире искусства: он выставил в Новом музее инсталляцию «Новое», в которой он поставил несколько пылесосов, продуктов потребительских товаров, в которых влияние Энди Уорхола очень заметно.
Тема потребительства и выполнения чувств включает сексуальную сферу, и его порнографические скульптуры, безусловно, требуют открытого ума и сильное чувства юмора, даже чтобы только понять идею.
Некоторые из них в настоящее время экспонируются в Музее Jumex в Мехико до 29 сентября на выставке под кураторством Массимилиано Джиони «Aparencia Desnuda», вместе с работами Дюшана образуя уникальное событие подчёркивающее концептуальную близость между двумя художественными гигантами. Они подвергли сомнению функцию объектов, и в обоих из них часто присутствует сильный эротизм, также обнаруживаемый в предметах обихода: очевидная тема в вуайеристской работе «Невеста, раздетая своими холостяками, одна в двух лицах, Большой бокал» (1915) — 23) Дюшана, который считал желание источником творчества, о чём свидетельствует также его альтер эго Роза Селави. Эротичность повторяется также в работах Кунса, который вызвал скандал со серией работ «Сделано на небесах» в 1991 году, произведённой со своей женой и порнозвездой Илоной Сталлер.
Это первая крупная антологическая выставка, представленная в Южной Америке для обоих художников, и 80 экспонатов демонстрируют точки соприкосновения как в вызове всему конвенциональному, так и в искажении функций общих объектов.
Джефф Кунс — выдающийся художник, который принял и превратил увлечение и детское желание игр в фетиш для взрослых, который отражает крайнюю индивидуальность современного общества, скрытую за тривиальной игрушкой.
Вероятно, он все ещё празднует новейший рекорд на аукционе в том, что он — снова — коронован самым высокооплачиваемым живым художником в мире. «Кролик», скульптура из нержавеющей стали 1986 года, была продана в мае прошлого года за 91,1 миллион долларов на аукционе Christie’s в Нью-Йорке.

 

Jeff Koons

Джефф Кунс, «Баллон Дог (оранжевый)», 1994-2000
Зеркальная полированная нержавеющая сталь с прозрачным цветным покрытием

 

Дэмиен Херст (Бристоль, 1965), один из основателей галереи Frieze, является ещё одним «ужасным детищем» современного искусства: одна из его целей — удивлять и шокировать зрителей и публику.
Херст больше не ищет ручного мастерства автора произведения искусства, но пытается передать идеи и создать почти бренд, как это делал Энди Уорхол до него. Он использует готовые предметы повседневного обихода, и как Дюшан – готовые изделия, но моделирует и трансформирует их, преобразуя их в живые существа.
Лидер молодых британских художников всегда фокусировался на размышлениях вокруг темы смерти и был особенно замечен работами, в которых видны животные в формальдегиде, и стал знаменитым покрытым алмазами черепом «Во имя любви к Богу». Идеальное сочетание иронии и жуткости, объекта желания и отталкивания.
Экзорцизм смерти через медицину сформировался в работах, воспроизводящими зеркала медицины с таблетками, как будто они были драгоценными камнями, что означает почти священное восхищение средствами против смерти, а также размышления о сегодняшних пристрастиях.
Среди них курение занимает видное место, в том числе из-за его тесной связи со смертью, и неслучайно Херст посвятил ему более одной работы: среди них «Party time» («Время веселиться») (1995) — гигантская пепельница, заполненная окурками и пустые пакеты, почти бассейн, в котором броситься.

 

Damien Hirst

Дэмиен Херст, «Колыбельная Лето», деталь, 2002
Стекло, нержавеющая сталь, алюминий, никель, висмут и литая смола, цветная штукатурка и окрашенные таблетки с сухим переносом

 

Яёи Кусама (Япония, 1929) всегда двигалась в тесном симбиозе между искусством и жизнью, добровольно проживая в психиатрической больнице в Токио около 40 лет.
Её работы находятся между безумием, весельем и гением благодаря их огромной силе взаимодействия со зрителем.
С юных лет она страдала от галлюцинаций, видений, которые она переносила в свои произведения, давая зрителям своё видение мира, полное предложений. Не только одержимо повторяющиеся тыквы и горошек, но и захватывающие инсталляции, такие как «Зеркала Бесконечности» — комнаты, покрытые зеркалами, которые играют с тысячами перекрёстных ссылок между тыквами, горошками и отражённым изображением зрителей.
Одержимо повторяющийся, горошек покрывает обстановку целых комнат или украшает щупальца, прорастающие от пола и потолка в установках, которые всем нравятся.

 

Yayoi Kusama

Яёи Кусама, «Зеркальная комната бесконечности — вся моя вечная любовь к тыквам», 2016
Дерево, зеркала, пластик, акрил и светодиоды

 

Другой художник, который увлекает нас, играя с чувством ориентации, — Карстен Хеллер (Брюссель, 1961), художник, который часто создаёт игривые работы, цель которых состоит в том, чтобы активировать все 5 чувств в зрителях, вызывая адреналин и эмоции, связанные с играми детства, как в случае с горками.
Художник играет с дезориентацией и исследует противоречия внутри нас, как в случае с работой «Вверх ногами гриб» в Fondazione Prada в Милане, которая воплощает противоположность реальности.

 

Carsten Höller, «Upside Down Mushroom Room», 2000
Fondazione Prada, Milan, Italy

Даже Пол Маккарти (США, 1945) играет с чувствами и подсознанием зрителя с провокационными, тревожными, политически преданными произведениями, которые направлены на критику потребительства и обнажают наши страхи и неврозы, разоблачая обманы, которые скрываются за обещанием американской мечты.
Известный своим обширным и разнообразным производством, которое включает перформанс, фотографию, скульптуру, кино, мультимедийные инсталляции, рисунок и живопись; в начале своей художественной карьеры он пытается выйти за пределы живописи, используя необычные «материалы», такие как биологические жидкости и еда.
Маккарти присваивает иконы популярной и детской культуры, такие как гномы, Хайди, Санта-Клаус, Барби, переформулируя их в насильственной версии и играя с подсознанием зрителя.
Жестокие, явные и часто повторяющиеся образы вызывают сенсорную перегрузку, вызывая чувство дискомфорта и отвращения: художник преодолевает любые табу и нарушает все социальные правила.
С начала 1980-х Маккарти разработал серию совместных работ с Майком Келли, другим художником, связанным с контркультурой: синергия между ними, приводит к созданию «Хайди», видео 1992 года, которое отображает возмущающие намёки известной детской истории.

 

Paul McCarthy

Пол Маккарти, «Белый снежный гном, застенчивый», 2016
Силикон, стеклопластик, сталь

 

Как и Маккарти, Майк Келли (Детройт 1954 — Лос-Анджелес 2012) всегда интересовался американской массовой культурой, тщательно исследуя её, чтобы выявить скрытые противоречия.
Он исследовал различные темы, такие как отношения между различными социальными классами, сексуальность, религию, репрессированные воспоминания и политику, делая резкую критику и большой самоуничижительный юмор по этим темам.
Особенно известный своей работой с предметами, которые вызывают воспоминания, связанные с детством и юностью, такими как мягкие игрушки, куклы и школьные фотографии, на протяжении всей своей карьеры он изучал любые виды средств: рисунок, скульптура, музыка, видео, шоу, фотография и живопись.
В проекте «Образовательный комплекс» (1995) художник анализирует травмы подростков и критикует жёсткие правила общества и образовательные навязывания, которым мы вынуждены подчиняться.
Среди его самых известных работ «Дезодорированная центральная месса со спутниками» (1991-99), очень красочные мягкие игрушки, сшитые вместе, чтобы сформировать радужные скульптуры, которые на первый взгляд вызывают волшебство детства.

 

Mike Kelley

Майк Келли, «Дезодорированная центральная масса со спутниками», 1991-1999
Монтаж смешанной среды: упаковочный материал из пенопласта, стекловолокно, автомобильный лак, металлическая фурнитура, нейлоновый канат, шкивы

Клас Олденбург (Стокгольм 1929) сосредоточился на теме потребления и сегодняшних предпочтений в еде и известен во всём мире монументальными и забавными работами, которые отражают типично американские образы: от волана для бадминтона до кегельбанов, от гигантского гамбургера к огромному мороженому, упавшему на небоскрёб в Кельне.
Его работы часто тесно связаны с территорией, на которой они размещены, о чём свидетельствует «Ago, filo e nodo» (2000), созданный в сотрудничестве с Куше ван Брюггеном на Пьяццале Кадорна в Милане, дань миру моды и чёткая ссылка на линии андеграунда в цветах, используемых для нити.

 

Claes Oldenburg,

Клас Олденбург, «Уроненный конус», Neumarkt Galerie Кельн, Германия, 2001
Нержавеющая и оцинкованная сталь, пластик, бальза, окрашенная полиэфирно-гелевым покрытием

 

Оттенки радуги искусства бесконечны: выберите свой любимый

 

Поделиться:

[social_buttons nectar_love=»true» facebook=»true» twitter=»true» linkedin=»true»]