Tag

Джефф Кунс Archivi - Linda Bajàre

У тебя есть чувство юмора?

У тебя есть чувство юмора?

Часть I

Чувство юмора является признаком интеллекта. Это искусство тех, кто моделирует то, что они видят, с элегантной сатирой, чтобы заставить нас задуматься о глубоких концепциях и экзистенциальных темах, предлагая оригинальную и менее жёсткую реальность.
Использование чувства юмора утончённым и креативным способом, безусловно, является искусством, а сочетание искусства и юмора делает нашу жизнь более весёлой и приятной.
Все началось с Марселя Дюшана и Пьеро Мандзони, выдающихся предшественников иронической мысли и революционных идей, которые вдохновляли последующие поколения современных художников.
Инициатор дадаизма, ведущая фигура сюрреализма и предшественник концептуального искусства, Марсель Дюшан (Франция, 1887 — 1968) бросил вызов социальным соглашениям и изменил концепцию искусства, повысил предметы общего пользования в реальные произведения. Его непочтительные провокации оказали влияние на авангардное искусство и предвосхитили многие художественные движения второго послевоенного периода.
«Колесо велосипеда», первое готовое изделие, использованное в искусстве, восходит к 1913 году, которому было суждено навсегда изменить ход истории искусства. Деконтекстуализация рядовых элементов вызывает отчуждающий эффект и концептуальное искажение: велосипедное колесо утратило свою функцию, а стул, на котором он установлен, непригоден для использования.
Самым известным вмешательством останется «Фонтан» (1917), мужской писсуар с подписью художника, скандальная работа, которая в то время вызвала ажиотаж и придала названию всю иронию гения прошлого века.

 

 

Marcel Duchamp, “Fountain”, 1917 Orinatoio maschile

Марсель Дюшан, «Фонтан», 1917
Мужской писсуар

 

Что касается провокаций, то после знаменитого писсуара есть “Дерьмо́ художника” (итал. Merda d’artista”) (1961) Пьеро Мандзони (Сончино 1933 — Милан 1963), который является самым классическим примером художественного скандала, работа, которая даже вызвала парламентский вопрос.
Помимо чисто «тематического» совпадения, две упомянутые работы являются криком протеста, признаком сильной реакции против правил и господствующей системы времени.
Искусство, которое до этого было носителем смыслов, но главным образом декоративным и с сильной эстетической функцией, теперь больше не заботится об удовлетворении взгляда, но передаёт концепции и идеи, даже оспаривания.
Мандзони переопределяет сами границы произведения искусства с абсолютно инновационной творческой свободой для времени, утверждая, что является одним из главных героев международного авангарда и одним из предшественников концептуального искусства. Он является частью неформального ядерного движения с 1957 по 1959 год и основал журнал Азимут с Энрико Кастеллани (1959-60), с которым он также открыл галерею Азимут в Милане.
В «Merda d’artista», в дополнение к иронии надписи, которая представляет формулировку любого консервированного продукта, концептуальная провокация продолжается в цене, назначаемой за произведение, эквивалентной цене золота за грамм: таким образом Мандзони связывает два материала, которые полностью противоположны друг другу, но оба полны смыслов.
Противоречие также относится к арт-рынку и произвольной эстетической ценности, придаваемой тому, что считается произведением искусства, а также затрагивает вопрос между содержанием и формой.
Также как эта, и другие его работы предполагают сокрытие произведения искусства, как в случае с работой “Линии” (итал. «Linee»), выполненной между 1959 и 1961 годами, которая состоят из линии, нарисованной на листе бумаги, и их существование и длина удостоверяется только внешней этикеткой цилиндра, которая их содержит.
Его постановка всегда характеризовалась сильной иронией и позицией, и его творчество охватило несколько формы искусства: он столкнулся с хэппенингом и перформансом, когда заклеймил варёные яйца, чтобы предложить зрителям свои отпечатки пальцев в хэппенинге «Употребление динамического искусства обществом пожирающем искусство» (итал. «Consumazione dell’arte dinamica del pubblico divorare l’arte»).
Он подписал тела моделей — «Живые скульптуры» (итал. “Sculture viventi”) (1961) — с обычным сертификатом и накладной, предвидя боди-арт, а также создал самую большую скульптуру в мире — непревзойденное первенство — размещая своего рода постамент с обратной надписью: «Socle du monde» (Постамент мира) (1961).
В настоящее время серия «Ахром», начатая в 1957 году, на самом деле является его наиболее цитируемым произведением. С его монохромами Мандзони превосходит живопись и ограничивает своё личное вмешательство: пропитанную каолином ткань оставлена сохнуть, позволяя материалу изменяться со временем.
Сегодня легко догадаться о революционном значении гения, который рано ушёл из жизни, но в 1950-х и 1960-х годах было, возможно, слишком рано, чтобы получить должное ему признание.
Галерея Hauser & Wirth посвятила ретроспективу его работе «Пьеро Мандзони: Линии», которая продлится до 26 июля в нью-йоркском офисе, где выставлены 70 работ «Achrome» и 12 «Linee».

 

Piero Manzoni, “Merda d’artista”, 1961 Scatoletta di lattina, carta stampata, feci umane o gesso?

Пьеро Мандзони, «Merda d’artista», 1961
Консервная банка, отпечатанная бумага, человеческие фекалии или мел?

 

Не менее провокационным и одарённым чувством юмора является Сальвадор Дали (Испания 1904 — 1989), величайший образец сюрреализма, известный также эксцентричной и причудливой личностью, которая вылилась в сказочные произведения, населённые деформированными и беспокоящими животными и предметами, плодом подсознания художника.
Его ранние работы находятся под влиянием работ кубизма, футуризма и де Кирико, к которым он добавит сильные ссылки на фрейдистский психоанализ. Эклектичный и гениальный, Дали проявил себя в различных областях, включая кино, фотографию и скульптуру.
«Постоянство памяти» (1931) — сюрреалистическая работа, которая в присутствии знаменитых мягких часов исследует и ставит под сомнение утверждение об измерении времени объективным и абсолютным способом.
Вместе с режиссёром Луисом Бунюэлем он создаёт зарубежные и авангардные короткометражные фильмы, такие как «Андалузская собака» (1927), перед серией отличных кинематографических и театральных работ: он будет сотрудничать с Альфредом Хитчкоком, Лучино Висконти и Уолтом Диснеем.
Его нетрадиционный стиль, страсть к роскоши и крайностям сделали его всемирной знаменитостью, между незабываемыми вечеринками и дикими кошками, которых он держал в качестве домашних животных.
Его экстравагантность часто увековечивалась Мэн Рэем, но лёгкость и ирония испанского гения суммированы на фотографии, сделанной Филиппом Хальсманом в 1948 году: «Dalì Atomicus» — название, относящееся к ядерному взрыву в Хиросиме и Нагасаки из 1945 год — это настоящий взрыв, который увековечивает летающих кошек, ведра воды и художника, подвешенного в воздухе, намеревающегося рисовать.
На Форуме Гримальди в Монте-Карло проходит выставка, которую можно посетить до 8 сентября, которая объединяет около 100 работ, охватывающих всю его творческую деятельность с 1910 по 1983 год.

 

Philippe Halsman, “Dalì Atomicus”

Филипп Хальсман, «Дали Атомикус», 1948
Серебряный желатиновый принт

 

Реальная тенденция юмора в мире искусства развивается позже с движением поп-арта, родившимся в Англии и США между концом 1950-х и началом 1960-х годов. Сама концепция искусства обновляется, сделать его более лёгким и ироничным благодаря появлению плоских и ярких цветов, упоминанию об иконах кино и комиксов. Поп-арт — проницательный и непосредственный — лучше всего выражает коллективное воображение и американское общество того времени, заимствуя язык средств массовой информации и рекламы.
Таким образом, реплика исходит из повседневной жизни, и, следовательно, даже продукты массового производства становятся настоящими иконами.
Невозможно не думать о банках супа Кэмпбелла или бутылках Кока-Колы, воспроизведенных в сериграфах Энди Уорхола (США 1928 — 1987), согласно которому искусство также потребляется, как и любой другой продукт.
Таким образом, воспроизводимость и навязчивое повторение характеризуют его работы, которые, подобно массовым продуктам, связанным с потреблением, отражают американское общество. Ведущий образец поп-арта и эксцентричная личность, Уорхол также прославил своё имя нетрадиционным образом жизни.

 

Andy Warhol

Энди Уорхол, «Суп Кэмпбелла II», 1969
Шелкография на бумаге

 

Тема воспроизводимости произведения искусства была также в центре исследований Роя Лихтенштейна (США, 1923 — 1997), другого великого представителя движения: источник вдохновения — комиксы — также вызывает интерес к механическим процессам. Лихтенштейн реализует обратный процесс в своих работах, который начинается с оригинальной копии (печатной страницы), создаёт оригинал, революционизирующий выразительный язык эпохи. За свою карьеру Лихтенштейн исследовал различные темы, некоторые из которых типично американские: от Дальнего Запада до художественного выражения индейцев, от экономического бума до восточных пейзажей.

 

Roy Lichtenstein

Рой Лихтенштейн, «В машине», 1963
Холст, масло

 

Другой великий исполнитель поп-арта — Том Вессельманн (США, 1931 — 2004), известный своими «Великими американскими ню» («Great American Nudes«). Его стилизованные и соблазнительные женские фигуры привносят эротизм в движение в то время, когда обнажённая женщина начинает превращаться в рекламный продукт, который больше не производит сенсацию.
В 1970 году Вессельманн выставил «Шкатулку для спальни», коробку, в которой были собраны расписные деревянные предметы. Что поразительно, так это наличие груди между пепельницей и флаконом духов: начиная с этого натюрморта художник начнёт изображать детали женских тел.
В интервью он сказал: «Живопись, секс и юмор — самые важные вещи в моей жизни».

 

Tom Wesselmann

Том Вессельманн, «Курильщица № 3 (Рот № 17)», 1968
Холст, масло

 

Джефф Кунс — эксцентричная личность и «ужасное детище» современного искусства — о нем часто говорили из-за его неоднозначных предпочтений.
Его самые ранние работы датируются концом 1970-х годов, но в 1980 году Джефф Кунс дебютировал в мире искусства: он выставил в Новом музее инсталляцию «Новое», в которой он поставил несколько пылесосов, продуктов потребительских товаров, в которых влияние Энди Уорхола очень заметно.
Тема потребительства и выполнения чувств включает сексуальную сферу, и его порнографические скульптуры, безусловно, требуют открытого ума и сильное чувства юмора, даже чтобы только понять идею.
Некоторые из них в настоящее время экспонируются в Музее Jumex в Мехико до 29 сентября на выставке под кураторством Массимилиано Джиони «Aparencia Desnuda», вместе с работами Дюшана образуя уникальное событие подчёркивающее концептуальную близость между двумя художественными гигантами. Они подвергли сомнению функцию объектов, и в обоих из них часто присутствует сильный эротизм, также обнаруживаемый в предметах обихода: очевидная тема в вуайеристской работе «Невеста, раздетая своими холостяками, одна в двух лицах, Большой бокал» (1915) — 23) Дюшана, который считал желание источником творчества, о чём свидетельствует также его альтер эго Роза Селави. Эротичность повторяется также в работах Кунса, который вызвал скандал со серией работ «Сделано на небесах» в 1991 году, произведённой со своей женой и порнозвездой Илоной Сталлер.
Это первая крупная антологическая выставка, представленная в Южной Америке для обоих художников, и 80 экспонатов демонстрируют точки соприкосновения как в вызове всему конвенциональному, так и в искажении функций общих объектов.
Джефф Кунс — выдающийся художник, который принял и превратил увлечение и детское желание игр в фетиш для взрослых, который отражает крайнюю индивидуальность современного общества, скрытую за тривиальной игрушкой.
Вероятно, он все ещё празднует новейший рекорд на аукционе в том, что он — снова — коронован самым высокооплачиваемым живым художником в мире. «Кролик», скульптура из нержавеющей стали 1986 года, была продана в мае прошлого года за 91,1 миллион долларов на аукционе Christie’s в Нью-Йорке.

 

Jeff Koons

Джефф Кунс, «Баллон Дог (оранжевый)», 1994-2000
Зеркальная полированная нержавеющая сталь с прозрачным цветным покрытием

 

Дэмиен Херст (Бристоль, 1965), один из основателей галереи Frieze, является ещё одним «ужасным детищем» современного искусства: одна из его целей — удивлять и шокировать зрителей и публику.
Херст больше не ищет ручного мастерства автора произведения искусства, но пытается передать идеи и создать почти бренд, как это делал Энди Уорхол до него. Он использует готовые предметы повседневного обихода, и как Дюшан – готовые изделия, но моделирует и трансформирует их, преобразуя их в живые существа.
Лидер молодых британских художников всегда фокусировался на размышлениях вокруг темы смерти и был особенно замечен работами, в которых видны животные в формальдегиде, и стал знаменитым покрытым алмазами черепом «Во имя любви к Богу». Идеальное сочетание иронии и жуткости, объекта желания и отталкивания.
Экзорцизм смерти через медицину сформировался в работах, воспроизводящими зеркала медицины с таблетками, как будто они были драгоценными камнями, что означает почти священное восхищение средствами против смерти, а также размышления о сегодняшних пристрастиях.
Среди них курение занимает видное место, в том числе из-за его тесной связи со смертью, и неслучайно Херст посвятил ему более одной работы: среди них «Party time» («Время веселиться») (1995) — гигантская пепельница, заполненная окурками и пустые пакеты, почти бассейн, в котором броситься.

 

Damien Hirst

Дэмиен Херст, «Колыбельная Лето», деталь, 2002
Стекло, нержавеющая сталь, алюминий, никель, висмут и литая смола, цветная штукатурка и окрашенные таблетки с сухим переносом

 

Яёи Кусама (Япония, 1929) всегда двигалась в тесном симбиозе между искусством и жизнью, добровольно проживая в психиатрической больнице в Токио около 40 лет.
Её работы находятся между безумием, весельем и гением благодаря их огромной силе взаимодействия со зрителем.
С юных лет она страдала от галлюцинаций, видений, которые она переносила в свои произведения, давая зрителям своё видение мира, полное предложений. Не только одержимо повторяющиеся тыквы и горошек, но и захватывающие инсталляции, такие как «Зеркала Бесконечности» — комнаты, покрытые зеркалами, которые играют с тысячами перекрёстных ссылок между тыквами, горошками и отражённым изображением зрителей.
Одержимо повторяющийся, горошек покрывает обстановку целых комнат или украшает щупальца, прорастающие от пола и потолка в установках, которые всем нравятся.

 

Yayoi Kusama

Яёи Кусама, «Зеркальная комната бесконечности — вся моя вечная любовь к тыквам», 2016
Дерево, зеркала, пластик, акрил и светодиоды

 

Другой художник, который увлекает нас, играя с чувством ориентации, — Карстен Хеллер (Брюссель, 1961), художник, который часто создаёт игривые работы, цель которых состоит в том, чтобы активировать все 5 чувств в зрителях, вызывая адреналин и эмоции, связанные с играми детства, как в случае с горками.
Художник играет с дезориентацией и исследует противоречия внутри нас, как в случае с работой «Вверх ногами гриб» в Fondazione Prada в Милане, которая воплощает противоположность реальности.

 

Carsten Höller, «Upside Down Mushroom Room», 2000
Fondazione Prada, Milan, Italy

Даже Пол Маккарти (США, 1945) играет с чувствами и подсознанием зрителя с провокационными, тревожными, политически преданными произведениями, которые направлены на критику потребительства и обнажают наши страхи и неврозы, разоблачая обманы, которые скрываются за обещанием американской мечты.
Известный своим обширным и разнообразным производством, которое включает перформанс, фотографию, скульптуру, кино, мультимедийные инсталляции, рисунок и живопись; в начале своей художественной карьеры он пытается выйти за пределы живописи, используя необычные «материалы», такие как биологические жидкости и еда.
Маккарти присваивает иконы популярной и детской культуры, такие как гномы, Хайди, Санта-Клаус, Барби, переформулируя их в насильственной версии и играя с подсознанием зрителя.
Жестокие, явные и часто повторяющиеся образы вызывают сенсорную перегрузку, вызывая чувство дискомфорта и отвращения: художник преодолевает любые табу и нарушает все социальные правила.
С начала 1980-х Маккарти разработал серию совместных работ с Майком Келли, другим художником, связанным с контркультурой: синергия между ними, приводит к созданию «Хайди», видео 1992 года, которое отображает возмущающие намёки известной детской истории.

 

Paul McCarthy

Пол Маккарти, «Белый снежный гном, застенчивый», 2016
Силикон, стеклопластик, сталь

 

Как и Маккарти, Майк Келли (Детройт 1954 — Лос-Анджелес 2012) всегда интересовался американской массовой культурой, тщательно исследуя её, чтобы выявить скрытые противоречия.
Он исследовал различные темы, такие как отношения между различными социальными классами, сексуальность, религию, репрессированные воспоминания и политику, делая резкую критику и большой самоуничижительный юмор по этим темам.
Особенно известный своей работой с предметами, которые вызывают воспоминания, связанные с детством и юностью, такими как мягкие игрушки, куклы и школьные фотографии, на протяжении всей своей карьеры он изучал любые виды средств: рисунок, скульптура, музыка, видео, шоу, фотография и живопись.
В проекте «Образовательный комплекс» (1995) художник анализирует травмы подростков и критикует жёсткие правила общества и образовательные навязывания, которым мы вынуждены подчиняться.
Среди его самых известных работ «Дезодорированная центральная месса со спутниками» (1991-99), очень красочные мягкие игрушки, сшитые вместе, чтобы сформировать радужные скульптуры, которые на первый взгляд вызывают волшебство детства.

 

Mike Kelley

Майк Келли, «Дезодорированная центральная масса со спутниками», 1991-1999
Монтаж смешанной среды: упаковочный материал из пенопласта, стекловолокно, автомобильный лак, металлическая фурнитура, нейлоновый канат, шкивы

Клас Олденбург (Стокгольм 1929) сосредоточился на теме потребления и сегодняшних предпочтений в еде и известен во всём мире монументальными и забавными работами, которые отражают типично американские образы: от волана для бадминтона до кегельбанов, от гигантского гамбургера к огромному мороженому, упавшему на небоскрёб в Кельне.
Его работы часто тесно связаны с территорией, на которой они размещены, о чём свидетельствует «Ago, filo e nodo» (2000), созданный в сотрудничестве с Куше ван Брюггеном на Пьяццале Кадорна в Милане, дань миру моды и чёткая ссылка на линии андеграунда в цветах, используемых для нити.

 

Claes Oldenburg,

Клас Олденбург, «Уроненный конус», Neumarkt Galerie Кельн, Германия, 2001
Нержавеющая и оцинкованная сталь, пластик, бальза, окрашенная полиэфирно-гелевым покрытием

 

Оттенки радуги искусства бесконечны: выберите свой любимый

 

Поделиться:

[social_buttons nectar_love=»true» facebook=»true» twitter=»true» linkedin=»true»]

Диалог между искусством и дизайном

Истоки дизайна можно найти в промышленной революции и рождении механизированного производства, которое происходило с середины 18-го века до середины 19-го века.

Качественное и эстетическое различие между предметами, созданными промышленностью, и предметами ремесла почти сразу поставило проблему квалификации новых продуктов, основанных на новой эстетике, оставляя позади традиционные каноны.

Художником-архитектором был Антони Гауди, который смог уловить влияние искусства и воплотить его в архитектуру в очень личном стиле, включая стиль модерн в дизайн зданий.

После Первой мировой войны именно Баухауз положил начало более систематической теории дизайна и связал его с другими дисциплинами, такими как искусство, архитектура и технология производства, чтобы объединить художественные, эстетические, практичные и коммерческие интересы.

Инновационная школа, основанная в Германии в 1919 году Вальтером Гропиусом – 100-летний юбилей которого отмечался в апреле этого года, – представляла собой идеальное сочетание всех искусств, творческую кузницу, ставшую ориентиром для так называемого современного движения. Учителя, в том числе некоторые из величайших художников того времени, такие как Пол Клее, Василий Кандинский, Йозеф Альберс, Ласло Мохоли-Надь, приехали со всей Европы. Сильное влияние русского конструктивизма – родившегося в 1913 году и развившегося в последующие годы – на художественный опыт Веймарской республики и на Баухаус очевидно.

После роспуска школы и преследований нацистского режима в 1933 году многие деятели искусства привезли идеи, разработанные движением Баухауз, в Соединенные Штаты.

Стилистическое влияние школы продолжает оказывать влияние и на современное искусство, настолько, что в 2007 году китайский художник Ай Вейвей воздал должное конструктивизму, предложив переосмысление проекта «Башня Татлин» 1920-х годов, вдохновлённого Вавилонской башней: Скульптура Ай Вейвэя «Фонтан света» теперь хранится в новом Лувре в Абу-Даби.

В 1932 году в нью-йоркском MoMA открывается первый отдел музея архитектуры и дизайна.

Через несколько лет, в 1977 году, в Париже создаётся Центр Помпиду – многопрофильный культурный центр, который собирает произведения современного искусства, дизайна, архитектуры, фотографии, музыкальной деятельности, кинематографии и мультимедиа.

Всего неделю назад в Милане, в Триеннале открылся Музей дизайна, специализирующийся на итальянском дизайне с более чем 1600 экземплярами.

Как мы уже видели, хотя некоторые дизайнерские иконы проникли в дома тысяч людей, этого нельзя сказать об эксклюзивных и знаменитых монохромных столах, разработанных французским художником Ивом Кляйном в 1961 году, прозрачных плексигласовых структурах, содержащих любимое художником трио цветов – пурпурный розовый, золотой и синий, который носит его имя.

Пикассо распространил свою обширную художественную практику на керамику, которая, благодаря ему, стала в те годы признаваться настоящим искусством, а не просто ремеслом.

Другим примером художника, посвятившего себя этому материалу, является Лусио Фонтана, который сделал свои первые шаги в мастерской своего отца-декоратора-керамиста, посвятив себя разработке и изготовлению определённых компонентов мебели: его изумительные керамические камины до сих пор достигают очень высоких котировок на аукционе, даже если они относятся к периоду намного раньше, чем его исследования пространства.

Смесь различных дисциплин привлекала многих художников с разными методами и техниками: на пример, Ле Корбюзье, архитектора, художника, скульптора и дизайнера, которому в 2015 году была посвящена главная ретроспектива в Центре Помпиду по случаю 50-летия его кончины. Выставка также ознаменовала приверженность швейцарского архитектора к области классического искусства, и в музейных пространствах была подчёркнута полнота и обширность его художественного выражения известной мебелью, картинами, фотографиями, рисунками и архитектурными проектами.

Пит Мондриан, с другой стороны, черпал вдохновение из нью-йоркской архитектуры для создания своих знаменитых линейных композиций, которые для непосвящённых представляют собой настоящие карты Нью-Йорка и его небоскрёбов.

Взаимопроникновение функциональности и красоты, дизайна и вдохновения подпитывают и влияют друг на друга также в случае Memphis Group, итальянского коллектива дизайна и архитектуры, родившегося в Милане и действующего в период с 1981 по 1987 год, основанного Этторе Соттсасс.

Использованием ярких цветов и геометрических форм в гармонии с поп-культурой того времени создаются предметы, которые прославляют массовую культуру. Яркие цвета и вкус типографской техники рекламы и комиксов с восстановлением типичного пунтинато – основа их легко узнаваемого стилистического знака в паре с поп-артом.

В последние годы появилось много дизайнеров, которые сделали границу между современным искусством, дизайном и архитектурой ещё более хрупкой: один из них Рон Арад. Более 25 лет он перемещался между различными дисциплинами, создавая объекты на грани между дизайном и скульптурой. Его литейные работы, выпущенные ограниченным тиражом, такие как кресло Big Easy или кресло-качалка Voido, стали манифестом его поэтики, направленной на преодоление простой функциональности.

Другим примером дизайна, который становится искусством, является студия Les Lalanne,  основанная французской парой Клодом Лаланном (которого не стало в эти дни) и Франсуа-Ксавье Лаланн, которые часто черпают из цветочных форм ар-нуво и сказочного аспекта сюрреализма для своих творений.

Они показали нам волшебную сторону природы и животного мира поэтическим и ироничным языком, способным общаться со всеми, преодолевая иерархию между искусством, скульптурой и функциональностью.

Среди их коллекционеров выделяются Ив Сен-Лоран, Карл Лагерфельд, Марк Джейкобс и Том Форд; Лаланны были предметом многих ретроспектив, и их работы можно найти в музейных коллекциях по всему миру.

Часто случалось обратное, а именно художники, которые сотрудничали с коммерческими компаниями, создавали ограниченные издания от коллекционеров. Одним из них является Джефф Кунс, который создал ограниченный тираж – всего 650 экземпляров – для знаменитой марки шампанского Dom Pérignon, которая повторяет работу Balloon Venus.

Даже «нормальный» ресторан может стать художественным опытом, в данном случае лондонский ресторан разработан Дэмиеном Херстом и называется «Аптека», как и собрание некоторых его работ.

Однако в отеле Palms Casino Resort в Лас-Вегасе поклонники молодых британских художников могут отдохнуть среди самых известных работ Херста в номере «Empathy Suite» отеля.

Что касается более экономичного решения для желающих приобрести работу великого имени в современном искусстве, могут обратиться к домашней линии, разработанной Маурицио Каттеланом для туалетной бумаги в сотрудничестве с Seletti.

Тем не менее, Миланская неделя дизайна с её тысячами инсталляций и предложений способствует переосмыслению отношений между искусством и дизайном, которые больше не рассматриваются как отдельные категории, а как объект непрерывной эволюции.

Лондонские аукционы, октябрь 2018 года

ЛОНДОНСКИE ОКТЯБРЬСКИE АУКЦИОНЫ

Закончилась лондонская осенняя неделя искусства, включая Фриз, сопутствующие ярмарки,
множество встреч и аукционов современного искусства.

БОРЬБА ЗА МЕСТО КРИСТИС И СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА
4-5 октября 2018
ВЕЧЕРНЫЙ АУКЦИОН 4 ОКТЯБРЯ Общий объем продаж: £ 84 610 000, включая премию.
ДНЕВНОЙ АУКЦИОН 5 ОКТЯБРЯ Общий объем продаж: £ 20 844 000, включая премию.

На данной сессии аукцион Кристис выставил несколько лотов самого высокого качества. Самое
высокое ожидание было связано с полотном Фрэнсиса Бэкона «Фигура в движении»,
датированное 1972 годом, на обложке каталога, которое, по оценкам составляя £15 000 000
–20 000 000, было продано за £19 921 250, включая премию. Работа, поступившая из частной
коллекции Магнуса Конова, изображает Джорджа Дайера, музу и любовника Бэкона, который
умер от передозировки вскоре после создания этого полотна, которое всегда оставалось в
коллекции Конова.

Фрэнсис Бэкон, Фигура в движении, 1972
Масло и сухая переводная надпись на холсте
198 х 148 см

 

Также хорошо выступил Жан Дубаффет с работой «Дама в саду», масло и коллаж на холсте,
1956 г., которая, по оценкам £ 2,500,000–3,500,000, была продана за £ 4,508,000, включая
проценты.

Жан Дюбуффет, Дама в саду, 1956
Холст, масло, коллаж
148 х 120 см

 

Также успешно аукцион развернулся для замечательной работы Кейта Харинга «Без названия»,
1984 г., которая, получившая оценку £ 3 000 000-5 000 000, достигла £ 3 946 250, включая
проценты.

Кейт Харинг, Без названия, 1984
Холст, акрил, работа в 4-х частях
Общие размеры: 304,8 х 304,8 см

Рекорд для Альберта Элена (Oehlen) "Бык с дырой", масло и смола на холсте, 1986 г., оцениваясь в
£ 800 000-1 200 000, достигла сумму £ 3 608 750, что превышает рекорд 2,9 миллиона, достигнутый
в 2017 году.

Альберт Олен, Бык с дырой, 1986
Холст, масло и смола, Диптих
Размер одного холста: 187,6 х 188,3 см
Общие размеры: 187,6 х 376,6 см

Хурвин Андерсон с работой 2003 года "Загородный клуб" достиг £ 2 048 750, включая проценты, от
первоначальной оценки £ 1 000 000–1 500 000.

Хурвин Андерсон, Загородный клуб, 2003
Холст, масло
162 х 265 см

 

На лоте 49 мы находим ещё одну работу Фрэнсиса Бэкона «Раскрашенная экран», три панели,
соединённые железными петлями 1929 года, оценённые в £ 700 000–1 000 000, удвоили и
превысили самую высокую оценку, достигая £ 2 408 000, включая проценты.

Фрэнсис Бэкон, Окрашенный экран, около 1929
Масло на фанере с металлическими петлями
Каждая панель: 183 х 61 х 2,8 см
Общие размеры: 183 х 183 х 2,8 см

 

Очень хорошим результат оказался для туринского художника Альдо Мондино, по случаю 70-
летия со дня рождения которого отмечался новый рекорд во время Первой мировой войны и
аукциона современного искусства с "Tappeti Stesi" (Ковры), работа 1989 года была продана за
£ 68 750, включая проценты. Начальная оценка составляла £ 30 000-50 000 (лот 343).
Tappeti Stesi — это настенные композиции, которые вошли в Eraclite между 80-ми и 90-ми годами и
включают в себя один из самых известных циклов среди тех, что были созданы художником,
очарованным ближневосточной культурой.

Альдо Мондино, Таппети Стеси, 1989
Акрил на ДСП, Диптих
Габаритные размеры: 250 х 200 см

 

Однако, разочарованием стала работа Герхарда Рихтера "Череп", холст, масло, 1983 год,
опубликованная на второй обложке каталога. Картина осталась непроданной за 11,5 миллиона
фунтов (оценка по запросу).
Та же участь и для «Дробившего яйцо (синего)» Джеффа Кунса, проданного 8,5 миллиона фунтов:
начальная оценка была в £ 10 000 000–15 000 000.

Герхард Рихтер, Череп, 1983
Холст, масло
80,4 х 65 см

 

Джефф Кунс, Треснувшее яйцо (синий), 1994-2006
Одно из уникальных произведений серии из 5
Зеркально полированная сталь с прозрачным покрытием
165,1 х 159,1 х 159,1 см
100 х 159,1 х 159,1 см

Даже «Натюрморт с комнатной липой», необычный предмет Люсьена Фрейда, остался
непроданным за £ 750 000, что превысило максимальный рейтинг £ 600 000.

 

Люсьен Фрейд, Натюрморт с комнатной липой, около 1950
Холст, масло
25 х 21,5 см

 

С аукциона было снято 11 работ, масло на холсте, Георгия Базелица, оценённых от 6 до 10
миллионов фунтов

КРИСТИС ДУМАЙ ПО-ИТАЛЬЯНСКИ
4 октября 2018 года
Общий объем продаж: £ 40 408 000, включая премию.

Думая об итальянском Кристис, первое издание представляет эволюцию итальянских продаж,
формат, который впервые за 20 лет не был обновлён Sotheby's, который решил включить
искусство в искусство. 5 и 6 октября.
Вечер на аукционе Кристис, также заполненный итальянскими коллекционерами и операторами,
продолжился каталогом самого высокого уровня, состоящим из 37 важных работ, начиная от
футуризма до Arte Povera: множество и предсказуемых повторов во время аукциона.

Узнайте больше о цене, достигнутой за редкую работу «Пространственная концепция, конец Бога»
1963 года, которая, начиная с £ 12,5 млн., была продана анонимному коллекционеру по телефону
за £ 17 108 750, включая проценты. Оценка была по требованию, около £ 17 миллионов. С этим
выпуском «Пространственная концепция, Конец Бога» стало второй бестселлерной работой Лучио
Фонтаны на аукционе.
Работа уже выставлялась на аукцион в 2013 году от Кристис's в Нью-Йорке и на тот момент
достигла £ 13 миллионов.

Лучио Фонтана, Пространственная концепция, Конец Бога, 1963
Холст, масло и блески,
178 x 123 см

 

«Пространственная концепция» 1953 года, деликатная и красивая композиция, выполненная
маслом и стеклом на холсте на обложке каталога, достигла £ 1 832 750, включая начальную
сметную сумму в £ 1 600 000–2 500 000.

Лучио Фонтана, Пространственная концепция, 1953
Холст, масло и стекло
60 х 73 см

 

Вторая по цене работа – «Achrome» Мандзони с 1957 по 1958 год, которая была включена в
раздел «Современное искусство» и затем была перемещена в «Thinking Italian» (лот 119A). Холст
достиг £ 3 608 750, от сметы £ 3 000 000-5 000 000.

Пьеро Мандзони, Ахром, 1957-58
Каолин на холсте
61 х 81 см

 

Другой «Ахром» Мандзони, датированный 1958–1959 гг. (Лот 118), достиг £ 1 928 750, включая
проценты от £ 1 000 000–1 500 000.

Пьеро Мандзони, Ахром, 1958-59
Каолин на холсте
60 х 80 см

 

Другими героями этой части вечера были итальянские художники, которые привлекли внимание,
установив некоторые рекорды.
Работа Сальваторе Скарпитты от 1960 года из галереи Лео Кастелли «Альта Споса» была
реализована за £ 1 808 750, включая проценты, начальная оценка £ 1 000 000 — 1 500 000.

Сальваторе Скарпитта, Высокая невеста, 1960

Бинты на смешанных подставках на холсте
152,5 х 102 см

 

Работа Марии Лай 1989 года «Lenzuolo» (Простынь), с оценкой в ​​£ 20–30 000, взлетела до
£ 150 000, включая проценты, что намного превышает предыдущий рекорд в € 32 000 в 2015 году.

Мария Лай, Лензуоло, 1989
Нитки и ткань, вышитые на ткани
141,7 х 230 см

 

Альберто Савинио также высоко взлетел с работой «Croix marine», масло на холсте, 1929 года,
оцененная в £ 600–800 тысячи, была продана за 692 тысячи фунтов, включая премию.

Альберто Савинио, Croix Marine, 1929
Холст, масло
73 х 92 см

 

«Великое увечье», скульптура Леочилло высотой более двух метров, датированная 1962 годом,
достигла £ 728 750, включая проценты (оценивалась в £ 350 000 – 500 000), и, таким образом,
превысила рекорд € 283 000 на аукционе Кристис в Милане в апреле 2018 года.

Леончилло, Великое увечье, 1962
Керамогранит и глазурь
218 х 39 х 39 см

 

Альберто Бурри с "Sacco Nero Rosso" 1957 года достиг £ 980 750 включая проценты, от сметы
£ 450 000-600 000.

Альберто Бурри, Сакко Неро Россо, 1957
Вретище, акрил, пластиковое прожигание и винавил на ткани
38 х 46 см

 

Другим приятным сюрпризом была Кэрол Рама, которой с работой «Без названия», 1977 г.,
удалось удвоить оценку £ 60–80 000, достигнув £ 175 000, включая проценты.

Кэрол Рама, Без названия, 1977
Бумага тишью, шина, пастель, темпера, хлопковая нить и металлический крючок на мягком верхе
холста
130,5 х 75 см

 

Джино Северини с «Portrait de l'auteur» 1916 года достиг £ 908 000, включая проценты, от оценки
£ 700 000–1 000 000.

Джино Северини, Портрет автора, 1916
Холст, масло
100,3 х 74,3 см

 

Среди непроданных были сюрпризы, в том числе две работы Фонтаны: красная
«Пространственная концепция, ожидание» (лот 125) и белая «Пространственная концепция,
ожидание» (лот 129).

ВЕЧЕРНЫЙ АУКЦИОН СОТБИС
Коллекция Дэвида Тейгера и современного искусства составила общий доход в £ 69 787 000,
включая премии, к высокой оценке в£ 73,5 миллиона.

ИСТОРИЯ СЕЙЧАС НА СОТБИС: КОЛЛЕКЦИЯ ДЭВИДА ТЕЙГЕРА
5 октября 2018 года
Общий объем продаж: £ 35 921 100, включая премии.

СОТБИС открыл аукционную сессию с 25 работами, в основном современными художниками из
коллекции Дэвида Тейгера, почти все получая цену несколько ниже, чем ожидалось.
Вечер был открыт рекордом артиста, достигнутом "Хочет увидеть это всё ", работой Кая Альтхоффа
от 2002 года, которая оценивалась в £ 80 000 – 120 000, а после долгого сражения между
коллекционерами по телефону получила £ 574 000, включая проценты.

Кай Алтхофф, Хочет увидеть это всё, 2002
Краска, темпера и бумага на холсте, окантованные железом
50,2 х 60 см

 

Никаких изгибов и поворотов не было до лота 6, когда работа Дженни Савилль «Propped», холст,
масло, 1992 г., , выбранная для обложки каталога и оцениваемая в £ 3 000 000–4 000 000, достигла

£ 9 537 250, включая премию, после долгой битвы по телефону между коллекционерами, отмечая
рекорд для женщины – живущей художницы. Данный результат отражает конкуренцию и
конкуренцию в роли женщины в искусстве.
Это большое полотно, которое сделало Савилль знаменитой благодаря выставке «Sensation»,
проходившей в 1997 году в Королевской академии художеств, и принадлежало магнату Чарльзу
Саатчи, оно революционизирует традиционное представление о женском теле.

 

Дженни Савилл, Propped, 1992
Холст, масло
213,4 х 182,9 см

 

«Станция Буффало I», холст, масло, датированное 1997–1998 годами, которое достигло
£ 7 561 500, включая премию, по оценкам £ 6 000 000 – 8 000 000.
При той же оценки в соответствии с характеристиками первой работы с точки зрения предмета,
данных, размера и техники, результат был иным для «Станции Буффало II», которая была продана
по цене £ 4 513 000. Вероятно, эта вторая работа Дойга досталась стороннему гаранту, который
застраховал картину.

Питер Доиг, Станция Буффало I, 1997-98
Холст, масло
175,3 х 269,9 см

Питер Доиг, Станция Буффало II, 1997-98
Холст, масло
175,3 х 269,9 см

Однако не очень хорошим был результат для «Минервы», холста, написанного маслом Джоном
Керрином, который сначала остался непроданным, а затем снова выставлялся на аукционе по
цене всего лишь £ 370 000, включая проценты, первоначальный прогноз был в размере
£ 800 000 – 1 200 000.

Джон Керрин, Минерва, 2000
Холст, масло
71,1 х 55,9 см

 

СОТБИС ВЕЧЕРНИЙ АУКЦИОН СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА И ДНЕВНОЙ АУКЦИОН
5-6 октября 2018
ВЕЧЕРНЫЙ АУКЦИОН 5 ОКТЯБРЯ: Общий объем продаж: 33 865 900 £, включая премии.
ДНЕВНОЙ АУКЦИОНА 6 ОКТЯБРЯ: Общий объем продаж: 14 008 500 £, включая премии.

После коллекции Тейгера вечер продолжался на Сотбис с 40 лотами современного искусства.
Бесспорной звездой всей международной прессы являлась работа Бэнкси, которая
соморазрушилась после того, как была продана за £ 1 042 000, включая проценты. Картина
«Девочка с баллоном», 2006 г., стала последним лотом аукциона и оценивалась в 200–300 тысяч
фунтов. Вскоре после этого активировался механизм, скрытый внутри рамы, и работа художника
из Бристоля была нарезана в мелкие полоски. Ошеломляющий и удивительный показ
немедленно сделал Бэнкси востребованным в социальных сетях. Ценность работы была
превышена за счёт маркетинга и резонанса

Бэнкси, Девочка с балоном, 2006
Аэрозольная краска и акрил на холсте, монтаж художником на раме
101 х 78 х 18 см

Также как перформанс Бэнкси, неожиданностью было несколько резких поворотов в этой
аукционной сессии – две работы Георга Базелица, которые намного превзошли ожидания: «Ohne
Titel» от 1966 года при оценке от £ 450 000–650 000 достигла £ 1 150 000, включая проценты; в то
время как за "Kopfkissen", холст, масло, 1987 г., ставки дошли до£ 1 450 000, начальная оценка
составляла £ 40 000-600 000.

Георг Базелиц, Без названия (Новый Typ), 1966

Темпера, чернила и пастель на бумаге
39,1 х 26 см

 

Георг Базелиц, Копфкиссен, 1987
Холст, масло
250,8 х 200,7 см

 

Отличный результат дала картина «Призрак» Адриана Гени, датированная 2010 годом, которая, по
оценкам, составляла от £ 2 000 000 до 3 000 000, но достигла £ 4 851 900, включая премию.

Адриан Гени, Призрак, 2010
Холст, масло
200 х 335 см

 

Среди непроданных работ, некоторые также представляют отличные имена, такие как
«Пространственная концепция, ожидания» Лучио Фонтана, «Тройка» Кастеллани и два Kaпура
«Параболическое зеркало, Асаги» и «Без названия».
«Снова и снова», акрил Kaвса на холсте с изображением персонажа из мультфильма Губки Боба,
установил рекорд, и после долгой телефонной битвы выиграл тайваньский дилер: от оценки в
£ 250–350 000 до £ 1 030 000, включая проценты.

Kaws, Снова и снова, 2008
Акрил на холсте
172,8 х 172,8 см

 

ФИЛЛИПС «ФОРМА И ПРОСТРАНСТВО»: НОВОЕ ПРИСУТСТВИЕ КЕРАМИКИ
5 октября
Общий объем продаж: £ 2 493 250, включая премии.

Аукционный дом Филлипс, помимо того, что все более внимателен к фотографии (аукцион
4 октября), посвящает целую сессию керамике, призванной укрепить диалог между искусством,
дизайном и ремесленничеством.
Керамика – техника, традиционно относящаяся к декоративно-прикладному искусству, теперь
вновь вызывает интерес и у так называемых «новых» коллекционеров. На закрытом аукционе
Филлипс привлёк внимание публики, представив материал в совершенно ином свете.

Новый интерес к художникам по керамике уже проявился в Нью-Йорке в декабре прошлого года
во время вечернего аукциона дизайнеров, когда работа Питера Вулкоса «Рондена», скульптура

мощных размеров, установила рекорд для американского художника-керамиста в размере
915 000 долларов, включая премию, 400 000 долларов выше его высокого рейтинга.
Как мы увидели на аукционе Кристис «Думай по-итальянски» 4 октября, отличным результатом,
достигнутым Леончилло, является рыночная тенденция: скульптура из керамогранита «Великое
увечье» была продана за £ 728 750 напротив высокой оценки в £ 500 000.

По случаю осеннего аукциона Филлипс, куратор Франческо Бонами предложил 32 модернистских
и современных произведений Фонтаны, Ай Вейвеи, Фаусто Мелотти, Пикассо и Роя Лихтенштейна,
а также других менее известных мастеров, которые работали с этим материалом.

ВЕЧЕРНИЙ АУКЦИОН ДИЗАЙН НА ПРОДАЖУ, НЬЮ-ЙОРК, 12 ДЕКАБРЯ 2017 ГОДА
Общий объем продаж: $ 6 198 625 долларов США, включая премии

Питер Вулкос, Рондена, 1958

Керамогранит, матовый кобальт, железо, эпоксидная смола
157,5 х 95,9 х 82,6 см
Оценка: $ 300 000-500 000
Продано за $ 915,000, включая премию

 

Лучио Фонтана, Кавалло, 1935-36
59,5 х 79,5 х 46 см
Оценка: £ 400 000 — £ 600 000
Продано за £ 549 000, включая премию

 

Рой Лихтенштейн, Керамическая скульптура № 10, 1965
21,6 х 22,5 х 21,6 см
Оценка: £ 250 000-350 000
Продано за £ 309 000, включая премию

 

Ай Вэйвэй, Хе Се, 2010
Переменные размеры
Оценка: £ 400 000 — £ 600 000
Продано за £ 609 000, включая премию.

 

Пабло Пикассо, Хибу (Сова), 1975
34 х 20 х 4 см
Оценка: £ 50 000–70 000
Продано за £ 93 750, включая премию

 

Фаусто Мелотти, Женская фигура, около 1950
Высота 21,7 см
Оценка: £ 40 000–60 000
Продано за £ 56 250, включая премию

 

Оттенки радуги искусства бесконечны: выбери свою любимую!