Tag

Бэнкси Archivi - Linda Bajàre

2019 — ВОТ ЭТО БЫЛ ГОД !?

Без сомнения, 2019 год запомнится как год перехода.

Год, полный политических и финансовых неопределённостей, которые, следовательно, отразились и на арт-рынке.

Хотя мир искусства был стабильным, не ожидая серьёзных изменений в так называемом «большом яблоке» Европы – Лондоне, – из-за Брексита некоторые галереи закрылись, но перевели свои штаб-квартиры из Лондона в Париж, некоторые из них: — White Cube, Дэвид Цвирнер, Pace Gallery.

Год был обогащён 58-й Венецианской биеннале, куратором которой выступил Ральф Ругофф «Что бы вы жили в интересные времена», которая, как следует из названия, оказалась истинным отражением климата великих перемен, которые мы переживаем, с работами, сфокусированными на текущих темах в отношении международной политики, чрезвычайных экологических ситуаций и социальных проблем, таких как проблема мигрантов, феминистское движение, расовое и гендерное равенство.

По случаю биеннале фонды и музеи города подготовили исключительные выставки, такие как ретроспектива о Яннисе Кунеллисе в фонде Prada, Аршил Горки в Ca ‘Pesaro, монография о Георге Базелице в галереях Академии, Люк Туйманс в Palazzo Grassi, Пино Паскали в Palazzo Cavanis и Alberto Burri в Фонде Cini.

Со своим остроумным появлением также был отмечен уличный художник Бэнкси, официально не приглашённый на выставку, но также и неизбежная фигура, который в этом году заставлял много говорить о себе.

В дополнение к этому представлению, за которым последовала фреска в районе Дорсодуро, Бэнкси смог предвидеть и прокатиться на волне Brexit с работой «Переданный парламент», стратегически выставленной на продажу Sotheby’s по случаю последних лондонских аукционов перед выходом Великобритании из ЕС, отмечая рекорд для художника с 11,1 миллиона евро.

Всегда вовремя, на этот раз в преддверии Рождества, художник предлагает свою версию Санта-Клауса на стене в Бирмингеме, превращая трагическую красоту праздников в плоть и кровь.

Однако Маурицио Каттелан по случаю Art Basel Miami – после 15 лет отсутствия – представил свою новую скульптуру «Комедиант».

Съедобный банан, прикреплённый к стене клейкой лентой и оценённый в 120 000–150 000 $, был выигрышным стратегическим ходом, чтобы о нём говорил весь мир, и ясно, что старая концепция ценности, которую мы придаём вещам, ещё раз подтверждается как всё ещё очень популярная.

Каттелан попал в заголовки газет уже в сентябре, когда его работа «Америка», массивный золотой унитаз, была украдена во время его недавнего сольного шоу в Blenheim Palace, в Охфорде.

2019 год был отмечен очень важными ретроспективами, посвящёнными великим художникам, таким как Олафур Элиассон в Tate Modern в Лондоне, Энтони Гормли в Королевской академии, Марио Мерц и Керит Вин Эванс в ангаре Бикокка в Милане, вышеупомянутый Маурицио Каттелан в Бленхеймском дворце в Оксфорде, Лучио Фонтана в Метрополитен-музее в Нью-Йорке и многие другие.

В результате четырёхлетней работы, на выставке было представлено около 80 работ, я бы сказала, что выставкой года является «Периоды молодого Пикассо – синий и розовый» в Фонде Байелера в Базеле, где также престижная монография о Рудольфа Стингеля имела огромную реакцию публики

На международных аукционах атмосфера неопределённости была зафиксирована появлением меньшего количества произведений стоимостью более 20 миллионов долларов, что, возможно, является признаком периода меньшей уверенности.

Несмотря на это, общие результаты в этом году снова были довольно позитивными, настолько, что мы стали свидетелями отличных рекордов, включая Джеффа Кунса, который подтвердил себя самым высокооплачиваемым живым художником в мире со скульптурой «Кролик» 1986 года, проданного в мае на аукционе Christie’s New York за 91,1 миллиона долларов.

Это был год великих перемен для исторического аукционного дома Sotheby’s, основанного в 1744 году, который перешёл в частные руки после продажи в июне прошлого года: предприниматель и коллекционер Патрик Драхи купил гиганта этого сектора за 3,7 миллиардов долларов.

На главных международных выставках были отмечены отличные продажи, и недавно завершившаяся Art Basel Miami подтверждает позитивную атмосферу арт-рынка.

Frieze London также получила отличную обратную связь от публики и покупателей, настолько, что в обстановке неопределённости многие назвали это пузырём счастья.

Большой успех также для Fiac Парижа, как в сфере продаж, так и по отзыву публики, это положительный результат, достигнутый также благодаря смене интересов.

Премия Тернера, родившаяся в 1984 году, впервые была присуждена всем четырём финалистам: Лоуренсу Абу Хамдаму, Хелен Каммок, Оскару Мурильо и Тай Шани. Новаторское предложение поступило именно от художников в письме к жюри, в котором объяснялось, что в столь трудное время их выбор представлять себя как коллектив является символическим жестом во имя обмена мнениями и солидарности как в искусстве, так и в обществе.

Технологии, включая новые стартапы, искусство, созданное искусственным интеллектом, или Cryptoart – рынок, который включает в себя только цифровые произведения искусства, которые можно купить за виртуальную валюту, также играют все более важную роль в мире искусства.

Мы живём в эпоху интерактивных изображений, и многие музеи переходят на новые способы использования и обучения. В Италии, например, M9 в Местре и MAV в Эрколано — это музеи нового поколения, в которых используются передовые технологии и иммерсивные инсталляции.

Желание испытать культурный опыт на 360° все чаще приводит к созданию виртуальных туров по многим городам искусства, последние из которых рекламируются в Милане по случаю 500-летия со дня смерти Леонардо да Винчи.

В последние годы онлайн-продажи искусства показали значительный рост (в двойных цифрах) и принесли доход около 6 млрд. долларов, что является признаком того, что рынок искусства – очень традиционный по структуре и динамике – находится в процессе становления, открывая всё больше и больше новых языков.

Я представляю, что будущее искусства принесёт нам много прекрасных сюрпризов, и в 2020 году мы увидим много интересного!

 

Оттенки радуги искусства бесконечны: выберите свой любимый !

У тебя есть чувство юмора?

Maurizio Cattelan image

 

Часть II

Если Вы читаете эту статью, это означает, что вы любите ироническое искусство и Вам понравилось читать первую часть, посвящённую этому конкретному аспекту искусства.

Как мы уже видели, начиная с поп-арта юмор и сатира начинают играть всё большую роль в мире современного искусства. Ирония, всё более и более острая, не щадит никого и ничего и становится эффективным инструментом, способным донести послание автора более проницательным образом.

 

Бэнкси (Бристоль, 1974), художник и писатель, который является одним из величайших представителей уличного искусства, прекрасно это знает, он сделал иронию и тайность своими отличительными чертами. Тайная идентичность – это моральный и эстетический выбор, который подчёркивает его непричастность к системе и проницательный способ борьбы с ней: использование трафаретов, предварительно подготовленных в студии, позволяет быстро выполнить работу, что хорошо подходит для его внезапных вторжений в ночную жизнь в общественных местах, никогда не будучи обнаруженным, трюк, который является частью его «шутки».

 

Прямое общение и использование простого и острого языка достигают и взаимодействуют с очень большим количеством людей разных классов и возрастов.

Это искусство — это протест против текущих политических, культурных, этических и социальных проблем, которое выражается в острой сатире: часто на грани приличия его работы имеют дело с «неудобными» и часто невысказанными темами, как в случае с граффити «Нюхающий коп», который появился на лондонской стене в 2006 году, изображая полицейского в форме, который нюхает кокаин, стоя на четвереньках.

 

В других случаях Бэнкси является представителем контркультуры и восстаёт против крупных транснациональных корпораций, которые управляют большей частью планеты с единственной целью обогащения в ущерб самым слабым.

Бристольский художник переделал рекламные изображения и иконы нашего времени как акт социального разоблачения, часто опираясь на английскую панк-эстетику 70-х, как в случае с работами, которые ироничным и оскверняющим образом воспроизводят портреты королевы Елизаветы и Уинстона Черчилля.

Его политическое убеждение, всегда очень сильное, побудило его занять позицию по палестинскому вопросу, и в 2005 году он сделал несколько трафаретов на разделительной стене на Западном берегу. Его присутствие в таком угнетённом и оспоренном районе завершилось открытием в 2017 году отеля Walled Off в Палестине, который предлагает вид прямо на Стену.

 

Его интервенции не пощадили даже произведений великих мастеров прошлого, а осуждение потребительства проявляется в «Японском мосту» (1899), одном из самых известных произведений Клода Моне: очарование сада Живерни разрушается брошенными магазинными тележками и светоотражающими знаками («Покажи мне Моне», 2005).

 

Не только персонажи и знаменитые произведения нашли место в его работах, но и животные — часто весьма символичные — как обезьяны и крысы: последние являются его любимыми предметами, поскольку это животные живущие тени, отвергнутые обществом и поэтому являются совершенной метафорой, которая представляет «исключенных».

Бэнкси смог взять и переработать наследие, оставленное Китом Хэрингом, на которого он делает чёткие и прямые ссылки, особенно в работе «Выбери своё оружие» (2005), которая ссылается на «Лающих собак» американского художника.

 

Мы не должны забывать о большом повороте на лондонском аукционе Sotheby’s в октябре 2018 года, когда работа «Девочка с воздушным шаром» (2006) разрушилась на глазах ошеломлённых присутствующих, став первым арт экшеном, проведённом во время аукциона. Если вы думаете, что те, кто купили его за 1 042 000 фунтов стерлингов (включая проценты), оказались ни с чем в их руках, вы ошибаетесь, потому что, когда она вернётся на рынок, работа несомненно приобрэёт новый шарм и необычайную ценность.

 

Последнее выступление Бэнкси, вызвавшее много разговоров, было его появление в Венеции во время открытия биеннале в образе уличного торговца, в сильной полемике по вопросу о громоздком и раздражающем присутствии круизных судов, привидение, выходящее из фресок в районе Дорсодуро.

Кстати, в Венеции в этом году «Серениссима» рискует не попасть в список наследия ЮНЕСКО из-за неконтролируемого туризма и проблемы больших судов, которые продолжают бороздить воды лагуны; кроме всего прочего, 2 июня прошлого года круизное судно столкнулось с туристическим катером, вновь вызвав споры.

Юмор Бэнкси сосредоточил внимание на проблеме, предвкушая эпизод почти как пророк.

 

Banksy, “Snorting Copper”
Бэнкси, «Snorting Copper», Лондон 2006
Граффити
Banksy Barcode
Бэнкси, «Штрих-код», 2004
Сериграфия
Banksy, Happy Choppers
Бэнкси, «Счастливые чопперы», 2003
Сериграфия

Ранее названный, другой представитель уличного искусства — Кит Хэринг (США, 1958 — 1990), один из величайших пропагандистов концепции искусства в пределах досягаемости каждого в шипучем Нью-Йорке 80-х, который превратил весь город в огромный холст для рисования.

Выбор создания произведений в городском контексте — это не только желание выразить себя за пределами традиционных художественных русел, но и использование символического значения демократического искусства, а международный успех его произведений способствовал распространению форм искусства в общественных местах.

Красочные, простые и непосредственные, его работы могут быть прочитаны как на более поверхностном уровне в виде игривых и детских изображений, так и на более глубоком уровне, который использует кусающий юмор и сверхделикатным образом направлен на повышение осведомлённости общественности о некоторых социальных проблемах.

Помимо того, что он был высоко оценённым художником, Харинг также был предпринимателем самого себя с созданием бренда спортивных свитеров, футболок и гаджетов, предлагаемых в его Pop Shop в Нью-Йорке, что ещё больше продвинуло его к глобальной известности.

 

Keith Haring
Кит Харинг, “Невежество = Страх”, 1989
Литография
Keith Haring Andy Mouse
Кит Харинг, “Энди Маус”, 1986
Сериграфия

Провокационный и обольстительный, Кристофер Вул (Chicago, 1955) всегда фокусировался на непосредственности и иронии двойных значений, уделяя особое внимание визуальному представлению языка с использованием разных стилей и различных средств, таких как трафаретная печать, трафарет, аэрозольная краска и краска.

Его работы, составленные из больших черных букв на белом фоне, призваны отразить напряжённость в современном обществе и стать средством критики эстетики традиционного художественного изображения: острые словесные игры, иронические фразы и двойные значения — пародия архетипов академической живописи.

Вул начал работать над холстами, представляющими слова и фразы, в 1980-х годах, в период, когда концептуальное движение бойкотировало живопись, и новое поколение художников, включая Жана-Михаила Баския и Ричарда Принса, появилось на международной арене.

Художник также испытал сильное влияние боевой живописи Джексона Поллока относительно процедурной практики создания произведений, но в течение 90-х годов он выбирает сериграфию в качестве предпочтительного метода, которого он использует до сих пор. Непринуждённый и интуитивно понятный стиль отражается на холсте в виде пятен, надпечаток и «несовершенств», которые объединяют его работы в уникальность.

В одной из его самых знаменитых серий «Картины чёрной книги» (1989–1990) слова разделены по вертикали на три уровня, и концепция, оставаясь понятной во всей её полноте, обогащена вторыми значениями.

 

Christopher Wool Assassin
Кристофер Вул, «Ассасин», 1989
Сериграфия
Christopher Wool If You
Кристофер Вул, «Если ты», 1992
Эмаль по алюминию
Christopher Wool
Кристофер Вул, «Без названия», 2005
Эмаль по алюминию

Ричард Принс (Панама, 1949), художник и фотограф, размышлял над языком и концепциями. С 1977 года он зарекомендовал себя как один из пионеров присвоения в современном искусстве, а его самая известная переделка — знаменитая серия «Ковбои» (1980-1992), в котором он перефотографировал рекламную кампанию известного сигаретного бренда. Спорная, очень ироничная, концептуальная операция — это критика американского образа жизни и силы, которую рекламные изображения оказывают на человеческий разум. Кроме медсестёр из серии «Медсестра» (2003), взятых с обложек экономических романов серии С, в них есть что-то соблазнительное, но также очень тревожное.

Поэтому Ричард Принс всегда вызывал споры по поводу вопросов, связанных с интеллектуальной собственностью, а также недавнего сериала «Новые портреты» (2015), в котором каждая часть представляет собой изображение в Instagram, исследуя сегодняшние проблемы, связанные с конфиденциальностью и контролем, которого мы имеем над собой и информацией, которую мы сознательно размещаем в сети.

Эти кадры, заимствованные у некоторых из его фолловеров, увеличенные и перепроданные примерно за 100 000 долларов, вызвали недовольство, вызвав судебные иски, и самое смешное, что художник не первый раз попадает в неприятности из-за нарушение авторского права, как, например, уже в 2013 году использование готовых продуктов привела его в суд против фотографа Патрика Кариу, дело, которое позднее Принс выиграл.

Но на этом все не заканчивается: ещё недавно у него были проблемы с двумя профессиональными фотографами, Деннисом Моррисом и Дональдом Грэмом, а также с его бывшей галереей Гагосяна, но в этом случае причины разногласия неизвестны.

Самыми забавными и беззаботными произведениями остаются его шутки, которые с середины 80-х бросили вызов традиционным канонам эпохи, играя на идее создания произведения искусства, которое на самом деле является представлением шутки. Однако его линии, транспонированные на полотнах ярких и жизнерадостных цветов, представляют собой нечто большее, чем просто беззаботные предложения, поскольку они показывают напряжённость, часто скрывающуюся под поверхностью социальных взаимодействий.

Эти предложения с их почти рекламным и дидактическим рендерингом являются частью более широкого исследования художника, целью которого является переосмысление понятий отцовства и ауры произведения искусства посредством процесса присвоения изображений, взятых из средств массовой информации, из рекламы и развлечений, характерных для 70-х годов.

Принц использует различные средства, такие как рисунки, инсталляции, картины и фотографии, которые подчёркивают, как современные иконы и в целом американская идентичность были специально разработаны для поощрения потребительства.

 

Richard Prince
Ричард Принс, «Без названия», 1995
Акриловая и трафаретная печать на холсте
Richard Prince
Ричард Принс, «Без названия» (Шутка пожарного)», 1987
Акрил на холсте

Напротив, Джордж Кондо (США, 1957) использует образный язык, который отдаёт дань уважения традиционной портретной живописи великих европейских мастеров прошлого, переработанной и смешанной с иконами современной американской культуры в качестве персонажей из комиксов и мультфильмов: слияние двух эстетических канонов создаёт зеркало современных социальных обычаев.

Именно с 1980-х годов Кондо начал включать в свои работы смесь юмора, иронии и почитания по отношению к таким художникам, как Рембрандт, Гойя, Караваджо, Миро, Пикассо — охватывая весь спектр европейского и американского искусства.

Эклектичный стиль художника характеризуется динамичными фигурами, яркими цветами, включающими сюрреалистические и экспрессионистские элементы, от поп-арта до персонажей Диснея: так рождаются гротескные картины, населённые причудливыми персонажами, характеризующимися выпученными глазами, абстрактными телами, выступающими щеками и ртами, которые отражают истерию и паранойю современного общества.

Художник придумал термин «искусственный реализм», чтобы описать свою работу, которая создаёт декомпозицию реальности, а затем реконструируется в соответствии с личным заказом автора, своего рода психологический кубизм, целью которого является описание различных настроений его персонажей. Ссылка на Пикассо не случайна: в возрасте 13 лет Джордж Кондо видит работу испанского художника, опубликованную в газете, и с этого момента она станет одним из его величайших источников вдохновения.

В последние годы рынок высоко ценит американского художника, который развлекает больших ценителей искусства, став одним из самых востребованных художников в плане инвестиций.

 

George Condo
Джордж Кондо, «Маленький Рикки», 2004
Холст, масло
George Condo
Джордж Кондо, изображение из Art Basel 2019

Ещё один художник, который посещает иконы искусства, — Франческо Веццоли (Брешиа, 1971), один из самых успешных итальянских современных художников, исследующий силу популярной культуры, используя различные способы выражения, включая вышивку, скульптуру, видеоарт и перформанс.

Изучение языка СМИ и телевидения приводит его к анализу стереотипов современной культуры и влияния рекламы на человеческий разум, к исследованиям, которые переводятся в произведения, которые перемещаются между историческими цитатами и современной образной культурой. Будучи перформером, он сам становится предметом своих работ, овладевая уже известными изображениями.

Подражая типичным образцам кино и рекламы, Веццоли решает проблему неоднозначности, которая мешает нам отличать реальность от вымысла в анализе мифов и икон массовой культуры.

Эти темы рассматриваются как в короткометражных фильмах, в которых изображены призрачные телевизионные постановки, так и в портретах известных людей — часто в черно-белых тонах — которые плачут золотом вышитыми слезами: соблазнительный язык рекламы порождает глубокое созерцание чувства и навязчивые идеи, которые влияют на человеческую душу.

Веццоли также пересмотрел работу Боччони «Уникальные формы в непрерывности пространства», добавив 12 сантиметровые каблуки к знаменитой футуристической скульптуре, символу прогресса и движения. Бронзовая скульптура «Уникальные формы непрерывности на высоких каблуках (по Умберто Боччони)» 2012 года направлена ​​на то, чтобы высмеять фашизм с помощью острой сатиры и в то же время добавляет нотку гламура футуризму.

 

Francesco Vezzoli
Francesco Vezzoli,
Франческо Веццоли, «Уникальные формы непрерывности на высоких каблуках (по Умберто Боччони)», 2012
Бронза
Francesco Vezzoli
Франческо Веццоли, «Кассандра плачет», 2016
Печать на холсте с металлической вышивкой

Маурицио Каттелан (Падуя, 1960), который часто вызывал и умышленно искал споры и противоречия, сделал свой стиль непочтительным и ироничным.

Его работы включают скульптуры, спектакли и провокационные действия, так как в 1997 году, когда его пригласили на 47-ю Венецианскую биеннале, он представил работу «Туристы», 200 плюшевых голубей, размещённых на балках итальянского павильона. Посещая пространство перед событием, Каттелан заметил заброшенность и яростную деградацию вместе с присутствием множества голубей: он решил «оставить все как есть».

Возможно, одна из его самых ироничных работ — это его автопортрет, появившийся на полу (впервые представленный в 2001 году в музее Бойманс-ван-Бёнинген в Роттердаме), поражённый тем, что он оказался в выставочном зале.

Инсталляция много обсуждалась во время аукциона Sotheby’s в мае 2010 года, и награда в 7,92 миллиона долларов (без учёта прав) оставленному в тени покупателю принесла ему звание самого дорогого из ныне живущих итальянских художников.

Конечно, скандалы и провокации оказали сильное влияние на творческую карьеру Маурицио Каттелана, поскольку, когда в 2004 году он выставил трёх детей-манекенов, повешенных на дубе на Пьяцца XXIV Маджо в Милане — инсталляция, направленная на повышение осведомлённости общественности о проблеме насилия в семье — считается оскорбительным для общественной чувствительности и приличия. Это, безусловно, очень мощная форма общения, требующая нетривиальных навыков интерпретации.

Он заставил много говорить о себе в 2010 году с провокационной работой “L.O.V.E.” — песней-темой для Свободы, Ненависти, Вендетты, Вечности — 11-метровой скульптурой из каррарского мрамора, которая стоит на Piazza Affari в Милане напротив штаб-квартиры фондовой биржи, построения времени фашизма. Работа изображает вытянутую руку на фашистском приветствии, но со всеми отрезанными пальцами, кроме среднего пальца, вульгарным жестом неуважения к фашизму и миру финансов.

В дополнение к упомянутым, Каттелан создал замечательную серию работ, направленных на отражение общественного мнения по вопросам, которые беспокоят нас всех.  

Совсем недавно вы слышали о другой из его работ — о 18-каратном золотом унитазе под названием «Америка», украденном через несколько дней после открытия его новой ретроспективы в Бленхеймском дворце, английском доме, где родился Уинстон Черчилль.

Конечно, кража увеличилась, и не только уже особая аура, которая окружала эту интерактивную работу — сатира на чрезмерное богатство, выставленное Соединёнными Штатами, — созданная в 2016 году и установленная в Гуггенхайме в Нью-Йорке почти год, в течении которого ею могли восхищаться и пользоваться около 100 тысяч человек.

О скульптуре уже говорили, когда Нэнси Спектор, куратор выставки, предложила её Белому дому вместо Ван Гога, запрошенного в аренду, но посчитанного слишком деликатным для перевозки.

Золотой унитаз, оценённый в около миллиона фунтов, уже был иронично связан с Трампом, который, помимо прочего, обожает драгоценный материал, хотя итальянский художник всегда отрицал упоминание президента.

В мотивировках конкретного выбора Спектор объяснил, как «произведение прекрасно передаёт историю художественного авангарда 20-го века», но сарказм был слишком очевиден.

Работа была вдохновлена ​​неравенством в доходах, и цикл начался с фонтана Дюшана (1917) и продолжился с «Merda d’artista» Пьеро Мандзони в 1961 году.

«Америка» выступает как высший жест презрения к деньгам и своим названием добавляет дополнительные вопросы к иронии Дюшана, также в связи с датой её рождения, которая почти совпадает с установлением Трампа в Белом доме.

Интеллектуально, работа Каттелана подразумевает различные значения, почти объединяя понятия и ценности двух упомянутых работ, в то время как «Фонтан» считался без экономической ценности, поэтому друг Дюшана Альфред Штиглиц выбросил его, а «Дерьмо художника» имело ценность веса золота.

Поэтому естественно удивляться, почему работа была украдена: концептуальное чудо или 103 кг золота?

 


Маурицио Каттелан, «Без названия», 2001
Смешанная техника

Маурицио Каттелан,»Америка», 2016
Чистое золото
Maurizio Cattelan
Маурицио Каттелан, “L.O.V.E.”, 2010
Каррарский мрамор

 

Как вы уже видели, в мире современного искусства вполне достаточно иронии и лёгкости, иногда только очевидного, и в современном мире художники все чаще выбирают перформанс и инсталляцию в качестве идеальных художественных средств, поскольку они идеально подходят для творения всех видов.

Чувство юмора не всегда является синонимом лёгкости, часто смысл многих работ можно найти за пределами поверхности.

Есть ещё много художников, о которых стоит поговорить, о них Вы скоро узнаете в следующей статье!

До скорой встречи!

 

 
Оттенки радуги искусства бесконечны: выберите свой любимый !

[social_buttons nectar_love=»true» facebook=»true» twitter=»true» linkedin=»true»]

 

Лондонские аукционы, октябрь 2018 года

ЛОНДОНСКИE ОКТЯБРЬСКИE АУКЦИОНЫ

Закончилась лондонская осенняя неделя искусства, включая Фриз, сопутствующие ярмарки,
множество встреч и аукционов современного искусства.

БОРЬБА ЗА МЕСТО КРИСТИС И СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА
4-5 октября 2018
ВЕЧЕРНЫЙ АУКЦИОН 4 ОКТЯБРЯ Общий объем продаж: £ 84 610 000, включая премию.
ДНЕВНОЙ АУКЦИОН 5 ОКТЯБРЯ Общий объем продаж: £ 20 844 000, включая премию.

На данной сессии аукцион Кристис выставил несколько лотов самого высокого качества. Самое
высокое ожидание было связано с полотном Фрэнсиса Бэкона «Фигура в движении»,
датированное 1972 годом, на обложке каталога, которое, по оценкам составляя £15 000 000
–20 000 000, было продано за £19 921 250, включая премию. Работа, поступившая из частной
коллекции Магнуса Конова, изображает Джорджа Дайера, музу и любовника Бэкона, который
умер от передозировки вскоре после создания этого полотна, которое всегда оставалось в
коллекции Конова.

Фрэнсис Бэкон, Фигура в движении, 1972
Масло и сухая переводная надпись на холсте
198 х 148 см

 

Также хорошо выступил Жан Дубаффет с работой «Дама в саду», масло и коллаж на холсте,
1956 г., которая, по оценкам £ 2,500,000–3,500,000, была продана за £ 4,508,000, включая
проценты.

Жан Дюбуффет, Дама в саду, 1956
Холст, масло, коллаж
148 х 120 см

 

Также успешно аукцион развернулся для замечательной работы Кейта Харинга «Без названия»,
1984 г., которая, получившая оценку £ 3 000 000-5 000 000, достигла £ 3 946 250, включая
проценты.

Кейт Харинг, Без названия, 1984
Холст, акрил, работа в 4-х частях
Общие размеры: 304,8 х 304,8 см

Рекорд для Альберта Элена (Oehlen) "Бык с дырой", масло и смола на холсте, 1986 г., оцениваясь в
£ 800 000-1 200 000, достигла сумму £ 3 608 750, что превышает рекорд 2,9 миллиона, достигнутый
в 2017 году.

Альберт Олен, Бык с дырой, 1986
Холст, масло и смола, Диптих
Размер одного холста: 187,6 х 188,3 см
Общие размеры: 187,6 х 376,6 см

Хурвин Андерсон с работой 2003 года "Загородный клуб" достиг £ 2 048 750, включая проценты, от
первоначальной оценки £ 1 000 000–1 500 000.

Хурвин Андерсон, Загородный клуб, 2003
Холст, масло
162 х 265 см

 

На лоте 49 мы находим ещё одну работу Фрэнсиса Бэкона «Раскрашенная экран», три панели,
соединённые железными петлями 1929 года, оценённые в £ 700 000–1 000 000, удвоили и
превысили самую высокую оценку, достигая £ 2 408 000, включая проценты.

Фрэнсис Бэкон, Окрашенный экран, около 1929
Масло на фанере с металлическими петлями
Каждая панель: 183 х 61 х 2,8 см
Общие размеры: 183 х 183 х 2,8 см

 

Очень хорошим результат оказался для туринского художника Альдо Мондино, по случаю 70-
летия со дня рождения которого отмечался новый рекорд во время Первой мировой войны и
аукциона современного искусства с "Tappeti Stesi" (Ковры), работа 1989 года была продана за
£ 68 750, включая проценты. Начальная оценка составляла £ 30 000-50 000 (лот 343).
Tappeti Stesi — это настенные композиции, которые вошли в Eraclite между 80-ми и 90-ми годами и
включают в себя один из самых известных циклов среди тех, что были созданы художником,
очарованным ближневосточной культурой.

Альдо Мондино, Таппети Стеси, 1989
Акрил на ДСП, Диптих
Габаритные размеры: 250 х 200 см

 

Однако, разочарованием стала работа Герхарда Рихтера "Череп", холст, масло, 1983 год,
опубликованная на второй обложке каталога. Картина осталась непроданной за 11,5 миллиона
фунтов (оценка по запросу).
Та же участь и для «Дробившего яйцо (синего)» Джеффа Кунса, проданного 8,5 миллиона фунтов:
начальная оценка была в £ 10 000 000–15 000 000.

Герхард Рихтер, Череп, 1983
Холст, масло
80,4 х 65 см

 

Джефф Кунс, Треснувшее яйцо (синий), 1994-2006
Одно из уникальных произведений серии из 5
Зеркально полированная сталь с прозрачным покрытием
165,1 х 159,1 х 159,1 см
100 х 159,1 х 159,1 см

Даже «Натюрморт с комнатной липой», необычный предмет Люсьена Фрейда, остался
непроданным за £ 750 000, что превысило максимальный рейтинг £ 600 000.

 

Люсьен Фрейд, Натюрморт с комнатной липой, около 1950
Холст, масло
25 х 21,5 см

 

С аукциона было снято 11 работ, масло на холсте, Георгия Базелица, оценённых от 6 до 10
миллионов фунтов

КРИСТИС ДУМАЙ ПО-ИТАЛЬЯНСКИ
4 октября 2018 года
Общий объем продаж: £ 40 408 000, включая премию.

Думая об итальянском Кристис, первое издание представляет эволюцию итальянских продаж,
формат, который впервые за 20 лет не был обновлён Sotheby's, который решил включить
искусство в искусство. 5 и 6 октября.
Вечер на аукционе Кристис, также заполненный итальянскими коллекционерами и операторами,
продолжился каталогом самого высокого уровня, состоящим из 37 важных работ, начиная от
футуризма до Arte Povera: множество и предсказуемых повторов во время аукциона.

Узнайте больше о цене, достигнутой за редкую работу «Пространственная концепция, конец Бога»
1963 года, которая, начиная с £ 12,5 млн., была продана анонимному коллекционеру по телефону
за £ 17 108 750, включая проценты. Оценка была по требованию, около £ 17 миллионов. С этим
выпуском «Пространственная концепция, Конец Бога» стало второй бестселлерной работой Лучио
Фонтаны на аукционе.
Работа уже выставлялась на аукцион в 2013 году от Кристис's в Нью-Йорке и на тот момент
достигла £ 13 миллионов.

Лучио Фонтана, Пространственная концепция, Конец Бога, 1963
Холст, масло и блески,
178 x 123 см

 

«Пространственная концепция» 1953 года, деликатная и красивая композиция, выполненная
маслом и стеклом на холсте на обложке каталога, достигла £ 1 832 750, включая начальную
сметную сумму в £ 1 600 000–2 500 000.

Лучио Фонтана, Пространственная концепция, 1953
Холст, масло и стекло
60 х 73 см

 

Вторая по цене работа – «Achrome» Мандзони с 1957 по 1958 год, которая была включена в
раздел «Современное искусство» и затем была перемещена в «Thinking Italian» (лот 119A). Холст
достиг £ 3 608 750, от сметы £ 3 000 000-5 000 000.

Пьеро Мандзони, Ахром, 1957-58
Каолин на холсте
61 х 81 см

 

Другой «Ахром» Мандзони, датированный 1958–1959 гг. (Лот 118), достиг £ 1 928 750, включая
проценты от £ 1 000 000–1 500 000.

Пьеро Мандзони, Ахром, 1958-59
Каолин на холсте
60 х 80 см

 

Другими героями этой части вечера были итальянские художники, которые привлекли внимание,
установив некоторые рекорды.
Работа Сальваторе Скарпитты от 1960 года из галереи Лео Кастелли «Альта Споса» была
реализована за £ 1 808 750, включая проценты, начальная оценка £ 1 000 000 — 1 500 000.

Сальваторе Скарпитта, Высокая невеста, 1960

Бинты на смешанных подставках на холсте
152,5 х 102 см

 

Работа Марии Лай 1989 года «Lenzuolo» (Простынь), с оценкой в ​​£ 20–30 000, взлетела до
£ 150 000, включая проценты, что намного превышает предыдущий рекорд в € 32 000 в 2015 году.

Мария Лай, Лензуоло, 1989
Нитки и ткань, вышитые на ткани
141,7 х 230 см

 

Альберто Савинио также высоко взлетел с работой «Croix marine», масло на холсте, 1929 года,
оцененная в £ 600–800 тысячи, была продана за 692 тысячи фунтов, включая премию.

Альберто Савинио, Croix Marine, 1929
Холст, масло
73 х 92 см

 

«Великое увечье», скульптура Леочилло высотой более двух метров, датированная 1962 годом,
достигла £ 728 750, включая проценты (оценивалась в £ 350 000 – 500 000), и, таким образом,
превысила рекорд € 283 000 на аукционе Кристис в Милане в апреле 2018 года.

Леончилло, Великое увечье, 1962
Керамогранит и глазурь
218 х 39 х 39 см

 

Альберто Бурри с "Sacco Nero Rosso" 1957 года достиг £ 980 750 включая проценты, от сметы
£ 450 000-600 000.

Альберто Бурри, Сакко Неро Россо, 1957
Вретище, акрил, пластиковое прожигание и винавил на ткани
38 х 46 см

 

Другим приятным сюрпризом была Кэрол Рама, которой с работой «Без названия», 1977 г.,
удалось удвоить оценку £ 60–80 000, достигнув £ 175 000, включая проценты.

Кэрол Рама, Без названия, 1977
Бумага тишью, шина, пастель, темпера, хлопковая нить и металлический крючок на мягком верхе
холста
130,5 х 75 см

 

Джино Северини с «Portrait de l'auteur» 1916 года достиг £ 908 000, включая проценты, от оценки
£ 700 000–1 000 000.

Джино Северини, Портрет автора, 1916
Холст, масло
100,3 х 74,3 см

 

Среди непроданных были сюрпризы, в том числе две работы Фонтаны: красная
«Пространственная концепция, ожидание» (лот 125) и белая «Пространственная концепция,
ожидание» (лот 129).

ВЕЧЕРНЫЙ АУКЦИОН СОТБИС
Коллекция Дэвида Тейгера и современного искусства составила общий доход в £ 69 787 000,
включая премии, к высокой оценке в£ 73,5 миллиона.

ИСТОРИЯ СЕЙЧАС НА СОТБИС: КОЛЛЕКЦИЯ ДЭВИДА ТЕЙГЕРА
5 октября 2018 года
Общий объем продаж: £ 35 921 100, включая премии.

СОТБИС открыл аукционную сессию с 25 работами, в основном современными художниками из
коллекции Дэвида Тейгера, почти все получая цену несколько ниже, чем ожидалось.
Вечер был открыт рекордом артиста, достигнутом "Хочет увидеть это всё ", работой Кая Альтхоффа
от 2002 года, которая оценивалась в £ 80 000 – 120 000, а после долгого сражения между
коллекционерами по телефону получила £ 574 000, включая проценты.

Кай Алтхофф, Хочет увидеть это всё, 2002
Краска, темпера и бумага на холсте, окантованные железом
50,2 х 60 см

 

Никаких изгибов и поворотов не было до лота 6, когда работа Дженни Савилль «Propped», холст,
масло, 1992 г., , выбранная для обложки каталога и оцениваемая в £ 3 000 000–4 000 000, достигла

£ 9 537 250, включая премию, после долгой битвы по телефону между коллекционерами, отмечая
рекорд для женщины – живущей художницы. Данный результат отражает конкуренцию и
конкуренцию в роли женщины в искусстве.
Это большое полотно, которое сделало Савилль знаменитой благодаря выставке «Sensation»,
проходившей в 1997 году в Королевской академии художеств, и принадлежало магнату Чарльзу
Саатчи, оно революционизирует традиционное представление о женском теле.

 

Дженни Савилл, Propped, 1992
Холст, масло
213,4 х 182,9 см

 

«Станция Буффало I», холст, масло, датированное 1997–1998 годами, которое достигло
£ 7 561 500, включая премию, по оценкам £ 6 000 000 – 8 000 000.
При той же оценки в соответствии с характеристиками первой работы с точки зрения предмета,
данных, размера и техники, результат был иным для «Станции Буффало II», которая была продана
по цене £ 4 513 000. Вероятно, эта вторая работа Дойга досталась стороннему гаранту, который
застраховал картину.

Питер Доиг, Станция Буффало I, 1997-98
Холст, масло
175,3 х 269,9 см

Питер Доиг, Станция Буффало II, 1997-98
Холст, масло
175,3 х 269,9 см

Однако не очень хорошим был результат для «Минервы», холста, написанного маслом Джоном
Керрином, который сначала остался непроданным, а затем снова выставлялся на аукционе по
цене всего лишь £ 370 000, включая проценты, первоначальный прогноз был в размере
£ 800 000 – 1 200 000.

Джон Керрин, Минерва, 2000
Холст, масло
71,1 х 55,9 см

 

СОТБИС ВЕЧЕРНИЙ АУКЦИОН СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА И ДНЕВНОЙ АУКЦИОН
5-6 октября 2018
ВЕЧЕРНЫЙ АУКЦИОН 5 ОКТЯБРЯ: Общий объем продаж: 33 865 900 £, включая премии.
ДНЕВНОЙ АУКЦИОНА 6 ОКТЯБРЯ: Общий объем продаж: 14 008 500 £, включая премии.

После коллекции Тейгера вечер продолжался на Сотбис с 40 лотами современного искусства.
Бесспорной звездой всей международной прессы являлась работа Бэнкси, которая
соморазрушилась после того, как была продана за £ 1 042 000, включая проценты. Картина
«Девочка с баллоном», 2006 г., стала последним лотом аукциона и оценивалась в 200–300 тысяч
фунтов. Вскоре после этого активировался механизм, скрытый внутри рамы, и работа художника
из Бристоля была нарезана в мелкие полоски. Ошеломляющий и удивительный показ
немедленно сделал Бэнкси востребованным в социальных сетях. Ценность работы была
превышена за счёт маркетинга и резонанса

Бэнкси, Девочка с балоном, 2006
Аэрозольная краска и акрил на холсте, монтаж художником на раме
101 х 78 х 18 см

Также как перформанс Бэнкси, неожиданностью было несколько резких поворотов в этой
аукционной сессии – две работы Георга Базелица, которые намного превзошли ожидания: «Ohne
Titel» от 1966 года при оценке от £ 450 000–650 000 достигла £ 1 150 000, включая проценты; в то
время как за "Kopfkissen", холст, масло, 1987 г., ставки дошли до£ 1 450 000, начальная оценка
составляла £ 40 000-600 000.

Георг Базелиц, Без названия (Новый Typ), 1966

Темпера, чернила и пастель на бумаге
39,1 х 26 см

 

Георг Базелиц, Копфкиссен, 1987
Холст, масло
250,8 х 200,7 см

 

Отличный результат дала картина «Призрак» Адриана Гени, датированная 2010 годом, которая, по
оценкам, составляла от £ 2 000 000 до 3 000 000, но достигла £ 4 851 900, включая премию.

Адриан Гени, Призрак, 2010
Холст, масло
200 х 335 см

 

Среди непроданных работ, некоторые также представляют отличные имена, такие как
«Пространственная концепция, ожидания» Лучио Фонтана, «Тройка» Кастеллани и два Kaпура
«Параболическое зеркало, Асаги» и «Без названия».
«Снова и снова», акрил Kaвса на холсте с изображением персонажа из мультфильма Губки Боба,
установил рекорд, и после долгой телефонной битвы выиграл тайваньский дилер: от оценки в
£ 250–350 000 до £ 1 030 000, включая проценты.

Kaws, Снова и снова, 2008
Акрил на холсте
172,8 х 172,8 см

 

ФИЛЛИПС «ФОРМА И ПРОСТРАНСТВО»: НОВОЕ ПРИСУТСТВИЕ КЕРАМИКИ
5 октября
Общий объем продаж: £ 2 493 250, включая премии.

Аукционный дом Филлипс, помимо того, что все более внимателен к фотографии (аукцион
4 октября), посвящает целую сессию керамике, призванной укрепить диалог между искусством,
дизайном и ремесленничеством.
Керамика – техника, традиционно относящаяся к декоративно-прикладному искусству, теперь
вновь вызывает интерес и у так называемых «новых» коллекционеров. На закрытом аукционе
Филлипс привлёк внимание публики, представив материал в совершенно ином свете.

Новый интерес к художникам по керамике уже проявился в Нью-Йорке в декабре прошлого года
во время вечернего аукциона дизайнеров, когда работа Питера Вулкоса «Рондена», скульптура

мощных размеров, установила рекорд для американского художника-керамиста в размере
915 000 долларов, включая премию, 400 000 долларов выше его высокого рейтинга.
Как мы увидели на аукционе Кристис «Думай по-итальянски» 4 октября, отличным результатом,
достигнутым Леончилло, является рыночная тенденция: скульптура из керамогранита «Великое
увечье» была продана за £ 728 750 напротив высокой оценки в £ 500 000.

По случаю осеннего аукциона Филлипс, куратор Франческо Бонами предложил 32 модернистских
и современных произведений Фонтаны, Ай Вейвеи, Фаусто Мелотти, Пикассо и Роя Лихтенштейна,
а также других менее известных мастеров, которые работали с этим материалом.

ВЕЧЕРНИЙ АУКЦИОН ДИЗАЙН НА ПРОДАЖУ, НЬЮ-ЙОРК, 12 ДЕКАБРЯ 2017 ГОДА
Общий объем продаж: $ 6 198 625 долларов США, включая премии

Питер Вулкос, Рондена, 1958

Керамогранит, матовый кобальт, железо, эпоксидная смола
157,5 х 95,9 х 82,6 см
Оценка: $ 300 000-500 000
Продано за $ 915,000, включая премию

 

Лучио Фонтана, Кавалло, 1935-36
59,5 х 79,5 х 46 см
Оценка: £ 400 000 — £ 600 000
Продано за £ 549 000, включая премию

 

Рой Лихтенштейн, Керамическая скульптура № 10, 1965
21,6 х 22,5 х 21,6 см
Оценка: £ 250 000-350 000
Продано за £ 309 000, включая премию

 

Ай Вэйвэй, Хе Се, 2010
Переменные размеры
Оценка: £ 400 000 — £ 600 000
Продано за £ 609 000, включая премию.

 

Пабло Пикассо, Хибу (Сова), 1975
34 х 20 х 4 см
Оценка: £ 50 000–70 000
Продано за £ 93 750, включая премию

 

Фаусто Мелотти, Женская фигура, около 1950
Высота 21,7 см
Оценка: £ 40 000–60 000
Продано за £ 56 250, включая премию

 

Оттенки радуги искусства бесконечны: выбери свою любимую!