Category

Arte Divertente

У тебя есть чувство юмора?

Maurizio Cattelan image

 

Часть II

Если Вы читаете эту статью, это означает, что вы любите ироническое искусство и Вам понравилось читать первую часть, посвящённую этому конкретному аспекту искусства.

Как мы уже видели, начиная с поп-арта юмор и сатира начинают играть всё большую роль в мире современного искусства. Ирония, всё более и более острая, не щадит никого и ничего и становится эффективным инструментом, способным донести послание автора более проницательным образом.

 

Бэнкси (Бристоль, 1974), художник и писатель, который является одним из величайших представителей уличного искусства, прекрасно это знает, он сделал иронию и тайность своими отличительными чертами. Тайная идентичность – это моральный и эстетический выбор, который подчёркивает его непричастность к системе и проницательный способ борьбы с ней: использование трафаретов, предварительно подготовленных в студии, позволяет быстро выполнить работу, что хорошо подходит для его внезапных вторжений в ночную жизнь в общественных местах, никогда не будучи обнаруженным, трюк, который является частью его «шутки».

 

Прямое общение и использование простого и острого языка достигают и взаимодействуют с очень большим количеством людей разных классов и возрастов.

Это искусство — это протест против текущих политических, культурных, этических и социальных проблем, которое выражается в острой сатире: часто на грани приличия его работы имеют дело с «неудобными» и часто невысказанными темами, как в случае с граффити «Нюхающий коп», который появился на лондонской стене в 2006 году, изображая полицейского в форме, который нюхает кокаин, стоя на четвереньках.

 

В других случаях Бэнкси является представителем контркультуры и восстаёт против крупных транснациональных корпораций, которые управляют большей частью планеты с единственной целью обогащения в ущерб самым слабым.

Бристольский художник переделал рекламные изображения и иконы нашего времени как акт социального разоблачения, часто опираясь на английскую панк-эстетику 70-х, как в случае с работами, которые ироничным и оскверняющим образом воспроизводят портреты королевы Елизаветы и Уинстона Черчилля.

Его политическое убеждение, всегда очень сильное, побудило его занять позицию по палестинскому вопросу, и в 2005 году он сделал несколько трафаретов на разделительной стене на Западном берегу. Его присутствие в таком угнетённом и оспоренном районе завершилось открытием в 2017 году отеля Walled Off в Палестине, который предлагает вид прямо на Стену.

 

Его интервенции не пощадили даже произведений великих мастеров прошлого, а осуждение потребительства проявляется в «Японском мосту» (1899), одном из самых известных произведений Клода Моне: очарование сада Живерни разрушается брошенными магазинными тележками и светоотражающими знаками («Покажи мне Моне», 2005).

 

Не только персонажи и знаменитые произведения нашли место в его работах, но и животные — часто весьма символичные — как обезьяны и крысы: последние являются его любимыми предметами, поскольку это животные живущие тени, отвергнутые обществом и поэтому являются совершенной метафорой, которая представляет «исключенных».

Бэнкси смог взять и переработать наследие, оставленное Китом Хэрингом, на которого он делает чёткие и прямые ссылки, особенно в работе «Выбери своё оружие» (2005), которая ссылается на «Лающих собак» американского художника.

 

Мы не должны забывать о большом повороте на лондонском аукционе Sotheby’s в октябре 2018 года, когда работа «Девочка с воздушным шаром» (2006) разрушилась на глазах ошеломлённых присутствующих, став первым арт экшеном, проведённом во время аукциона. Если вы думаете, что те, кто купили его за 1 042 000 фунтов стерлингов (включая проценты), оказались ни с чем в их руках, вы ошибаетесь, потому что, когда она вернётся на рынок, работа несомненно приобрэёт новый шарм и необычайную ценность.

 

Последнее выступление Бэнкси, вызвавшее много разговоров, было его появление в Венеции во время открытия биеннале в образе уличного торговца, в сильной полемике по вопросу о громоздком и раздражающем присутствии круизных судов, привидение, выходящее из фресок в районе Дорсодуро.

Кстати, в Венеции в этом году «Серениссима» рискует не попасть в список наследия ЮНЕСКО из-за неконтролируемого туризма и проблемы больших судов, которые продолжают бороздить воды лагуны; кроме всего прочего, 2 июня прошлого года круизное судно столкнулось с туристическим катером, вновь вызвав споры.

Юмор Бэнкси сосредоточил внимание на проблеме, предвкушая эпизод почти как пророк.

 

Banksy, “Snorting Copper”
Бэнкси, «Snorting Copper», Лондон 2006
Граффити
Banksy Barcode
Бэнкси, «Штрих-код», 2004
Сериграфия
Banksy, Happy Choppers
Бэнкси, «Счастливые чопперы», 2003
Сериграфия

Ранее названный, другой представитель уличного искусства — Кит Хэринг (США, 1958 — 1990), один из величайших пропагандистов концепции искусства в пределах досягаемости каждого в шипучем Нью-Йорке 80-х, который превратил весь город в огромный холст для рисования.

Выбор создания произведений в городском контексте — это не только желание выразить себя за пределами традиционных художественных русел, но и использование символического значения демократического искусства, а международный успех его произведений способствовал распространению форм искусства в общественных местах.

Красочные, простые и непосредственные, его работы могут быть прочитаны как на более поверхностном уровне в виде игривых и детских изображений, так и на более глубоком уровне, который использует кусающий юмор и сверхделикатным образом направлен на повышение осведомлённости общественности о некоторых социальных проблемах.

Помимо того, что он был высоко оценённым художником, Харинг также был предпринимателем самого себя с созданием бренда спортивных свитеров, футболок и гаджетов, предлагаемых в его Pop Shop в Нью-Йорке, что ещё больше продвинуло его к глобальной известности.

 

Keith Haring
Кит Харинг, “Невежество = Страх”, 1989
Литография
Keith Haring Andy Mouse
Кит Харинг, “Энди Маус”, 1986
Сериграфия

Провокационный и обольстительный, Кристофер Вул (Chicago, 1955) всегда фокусировался на непосредственности и иронии двойных значений, уделяя особое внимание визуальному представлению языка с использованием разных стилей и различных средств, таких как трафаретная печать, трафарет, аэрозольная краска и краска.

Его работы, составленные из больших черных букв на белом фоне, призваны отразить напряжённость в современном обществе и стать средством критики эстетики традиционного художественного изображения: острые словесные игры, иронические фразы и двойные значения — пародия архетипов академической живописи.

Вул начал работать над холстами, представляющими слова и фразы, в 1980-х годах, в период, когда концептуальное движение бойкотировало живопись, и новое поколение художников, включая Жана-Михаила Баския и Ричарда Принса, появилось на международной арене.

Художник также испытал сильное влияние боевой живописи Джексона Поллока относительно процедурной практики создания произведений, но в течение 90-х годов он выбирает сериграфию в качестве предпочтительного метода, которого он использует до сих пор. Непринуждённый и интуитивно понятный стиль отражается на холсте в виде пятен, надпечаток и «несовершенств», которые объединяют его работы в уникальность.

В одной из его самых знаменитых серий «Картины чёрной книги» (1989–1990) слова разделены по вертикали на три уровня, и концепция, оставаясь понятной во всей её полноте, обогащена вторыми значениями.

 

Christopher Wool Assassin
Кристофер Вул, «Ассасин», 1989
Сериграфия
Christopher Wool If You
Кристофер Вул, «Если ты», 1992
Эмаль по алюминию
Christopher Wool
Кристофер Вул, «Без названия», 2005
Эмаль по алюминию

Ричард Принс (Панама, 1949), художник и фотограф, размышлял над языком и концепциями. С 1977 года он зарекомендовал себя как один из пионеров присвоения в современном искусстве, а его самая известная переделка — знаменитая серия «Ковбои» (1980-1992), в котором он перефотографировал рекламную кампанию известного сигаретного бренда. Спорная, очень ироничная, концептуальная операция — это критика американского образа жизни и силы, которую рекламные изображения оказывают на человеческий разум. Кроме медсестёр из серии «Медсестра» (2003), взятых с обложек экономических романов серии С, в них есть что-то соблазнительное, но также очень тревожное.

Поэтому Ричард Принс всегда вызывал споры по поводу вопросов, связанных с интеллектуальной собственностью, а также недавнего сериала «Новые портреты» (2015), в котором каждая часть представляет собой изображение в Instagram, исследуя сегодняшние проблемы, связанные с конфиденциальностью и контролем, которого мы имеем над собой и информацией, которую мы сознательно размещаем в сети.

Эти кадры, заимствованные у некоторых из его фолловеров, увеличенные и перепроданные примерно за 100 000 долларов, вызвали недовольство, вызвав судебные иски, и самое смешное, что художник не первый раз попадает в неприятности из-за нарушение авторского права, как, например, уже в 2013 году использование готовых продуктов привела его в суд против фотографа Патрика Кариу, дело, которое позднее Принс выиграл.

Но на этом все не заканчивается: ещё недавно у него были проблемы с двумя профессиональными фотографами, Деннисом Моррисом и Дональдом Грэмом, а также с его бывшей галереей Гагосяна, но в этом случае причины разногласия неизвестны.

Самыми забавными и беззаботными произведениями остаются его шутки, которые с середины 80-х бросили вызов традиционным канонам эпохи, играя на идее создания произведения искусства, которое на самом деле является представлением шутки. Однако его линии, транспонированные на полотнах ярких и жизнерадостных цветов, представляют собой нечто большее, чем просто беззаботные предложения, поскольку они показывают напряжённость, часто скрывающуюся под поверхностью социальных взаимодействий.

Эти предложения с их почти рекламным и дидактическим рендерингом являются частью более широкого исследования художника, целью которого является переосмысление понятий отцовства и ауры произведения искусства посредством процесса присвоения изображений, взятых из средств массовой информации, из рекламы и развлечений, характерных для 70-х годов.

Принц использует различные средства, такие как рисунки, инсталляции, картины и фотографии, которые подчёркивают, как современные иконы и в целом американская идентичность были специально разработаны для поощрения потребительства.

 

Richard Prince
Ричард Принс, «Без названия», 1995
Акриловая и трафаретная печать на холсте
Richard Prince
Ричард Принс, «Без названия» (Шутка пожарного)», 1987
Акрил на холсте

Напротив, Джордж Кондо (США, 1957) использует образный язык, который отдаёт дань уважения традиционной портретной живописи великих европейских мастеров прошлого, переработанной и смешанной с иконами современной американской культуры в качестве персонажей из комиксов и мультфильмов: слияние двух эстетических канонов создаёт зеркало современных социальных обычаев.

Именно с 1980-х годов Кондо начал включать в свои работы смесь юмора, иронии и почитания по отношению к таким художникам, как Рембрандт, Гойя, Караваджо, Миро, Пикассо — охватывая весь спектр европейского и американского искусства.

Эклектичный стиль художника характеризуется динамичными фигурами, яркими цветами, включающими сюрреалистические и экспрессионистские элементы, от поп-арта до персонажей Диснея: так рождаются гротескные картины, населённые причудливыми персонажами, характеризующимися выпученными глазами, абстрактными телами, выступающими щеками и ртами, которые отражают истерию и паранойю современного общества.

Художник придумал термин «искусственный реализм», чтобы описать свою работу, которая создаёт декомпозицию реальности, а затем реконструируется в соответствии с личным заказом автора, своего рода психологический кубизм, целью которого является описание различных настроений его персонажей. Ссылка на Пикассо не случайна: в возрасте 13 лет Джордж Кондо видит работу испанского художника, опубликованную в газете, и с этого момента она станет одним из его величайших источников вдохновения.

В последние годы рынок высоко ценит американского художника, который развлекает больших ценителей искусства, став одним из самых востребованных художников в плане инвестиций.

 

George Condo
Джордж Кондо, «Маленький Рикки», 2004
Холст, масло
George Condo
Джордж Кондо, изображение из Art Basel 2019

Ещё один художник, который посещает иконы искусства, — Франческо Веццоли (Брешиа, 1971), один из самых успешных итальянских современных художников, исследующий силу популярной культуры, используя различные способы выражения, включая вышивку, скульптуру, видеоарт и перформанс.

Изучение языка СМИ и телевидения приводит его к анализу стереотипов современной культуры и влияния рекламы на человеческий разум, к исследованиям, которые переводятся в произведения, которые перемещаются между историческими цитатами и современной образной культурой. Будучи перформером, он сам становится предметом своих работ, овладевая уже известными изображениями.

Подражая типичным образцам кино и рекламы, Веццоли решает проблему неоднозначности, которая мешает нам отличать реальность от вымысла в анализе мифов и икон массовой культуры.

Эти темы рассматриваются как в короткометражных фильмах, в которых изображены призрачные телевизионные постановки, так и в портретах известных людей — часто в черно-белых тонах — которые плачут золотом вышитыми слезами: соблазнительный язык рекламы порождает глубокое созерцание чувства и навязчивые идеи, которые влияют на человеческую душу.

Веццоли также пересмотрел работу Боччони «Уникальные формы в непрерывности пространства», добавив 12 сантиметровые каблуки к знаменитой футуристической скульптуре, символу прогресса и движения. Бронзовая скульптура «Уникальные формы непрерывности на высоких каблуках (по Умберто Боччони)» 2012 года направлена ​​на то, чтобы высмеять фашизм с помощью острой сатиры и в то же время добавляет нотку гламура футуризму.

 

Francesco Vezzoli
Francesco Vezzoli,
Франческо Веццоли, «Уникальные формы непрерывности на высоких каблуках (по Умберто Боччони)», 2012
Бронза
Francesco Vezzoli
Франческо Веццоли, «Кассандра плачет», 2016
Печать на холсте с металлической вышивкой

Маурицио Каттелан (Падуя, 1960), который часто вызывал и умышленно искал споры и противоречия, сделал свой стиль непочтительным и ироничным.

Его работы включают скульптуры, спектакли и провокационные действия, так как в 1997 году, когда его пригласили на 47-ю Венецианскую биеннале, он представил работу «Туристы», 200 плюшевых голубей, размещённых на балках итальянского павильона. Посещая пространство перед событием, Каттелан заметил заброшенность и яростную деградацию вместе с присутствием множества голубей: он решил «оставить все как есть».

Возможно, одна из его самых ироничных работ — это его автопортрет, появившийся на полу (впервые представленный в 2001 году в музее Бойманс-ван-Бёнинген в Роттердаме), поражённый тем, что он оказался в выставочном зале.

Инсталляция много обсуждалась во время аукциона Sotheby’s в мае 2010 года, и награда в 7,92 миллиона долларов (без учёта прав) оставленному в тени покупателю принесла ему звание самого дорогого из ныне живущих итальянских художников.

Конечно, скандалы и провокации оказали сильное влияние на творческую карьеру Маурицио Каттелана, поскольку, когда в 2004 году он выставил трёх детей-манекенов, повешенных на дубе на Пьяцца XXIV Маджо в Милане — инсталляция, направленная на повышение осведомлённости общественности о проблеме насилия в семье — считается оскорбительным для общественной чувствительности и приличия. Это, безусловно, очень мощная форма общения, требующая нетривиальных навыков интерпретации.

Он заставил много говорить о себе в 2010 году с провокационной работой “L.O.V.E.” — песней-темой для Свободы, Ненависти, Вендетты, Вечности — 11-метровой скульптурой из каррарского мрамора, которая стоит на Piazza Affari в Милане напротив штаб-квартиры фондовой биржи, построения времени фашизма. Работа изображает вытянутую руку на фашистском приветствии, но со всеми отрезанными пальцами, кроме среднего пальца, вульгарным жестом неуважения к фашизму и миру финансов.

В дополнение к упомянутым, Каттелан создал замечательную серию работ, направленных на отражение общественного мнения по вопросам, которые беспокоят нас всех.  

Совсем недавно вы слышали о другой из его работ — о 18-каратном золотом унитазе под названием «Америка», украденном через несколько дней после открытия его новой ретроспективы в Бленхеймском дворце, английском доме, где родился Уинстон Черчилль.

Конечно, кража увеличилась, и не только уже особая аура, которая окружала эту интерактивную работу — сатира на чрезмерное богатство, выставленное Соединёнными Штатами, — созданная в 2016 году и установленная в Гуггенхайме в Нью-Йорке почти год, в течении которого ею могли восхищаться и пользоваться около 100 тысяч человек.

О скульптуре уже говорили, когда Нэнси Спектор, куратор выставки, предложила её Белому дому вместо Ван Гога, запрошенного в аренду, но посчитанного слишком деликатным для перевозки.

Золотой унитаз, оценённый в около миллиона фунтов, уже был иронично связан с Трампом, который, помимо прочего, обожает драгоценный материал, хотя итальянский художник всегда отрицал упоминание президента.

В мотивировках конкретного выбора Спектор объяснил, как «произведение прекрасно передаёт историю художественного авангарда 20-го века», но сарказм был слишком очевиден.

Работа была вдохновлена ​​неравенством в доходах, и цикл начался с фонтана Дюшана (1917) и продолжился с «Merda d’artista» Пьеро Мандзони в 1961 году.

«Америка» выступает как высший жест презрения к деньгам и своим названием добавляет дополнительные вопросы к иронии Дюшана, также в связи с датой её рождения, которая почти совпадает с установлением Трампа в Белом доме.

Интеллектуально, работа Каттелана подразумевает различные значения, почти объединяя понятия и ценности двух упомянутых работ, в то время как «Фонтан» считался без экономической ценности, поэтому друг Дюшана Альфред Штиглиц выбросил его, а «Дерьмо художника» имело ценность веса золота.

Поэтому естественно удивляться, почему работа была украдена: концептуальное чудо или 103 кг золота?

 


Маурицио Каттелан, «Без названия», 2001
Смешанная техника

Маурицио Каттелан,»Америка», 2016
Чистое золото
Maurizio Cattelan
Маурицио Каттелан, “L.O.V.E.”, 2010
Каррарский мрамор

 

Как вы уже видели, в мире современного искусства вполне достаточно иронии и лёгкости, иногда только очевидного, и в современном мире художники все чаще выбирают перформанс и инсталляцию в качестве идеальных художественных средств, поскольку они идеально подходят для творения всех видов.

Чувство юмора не всегда является синонимом лёгкости, часто смысл многих работ можно найти за пределами поверхности.

Есть ещё много художников, о которых стоит поговорить, о них Вы скоро узнаете в следующей статье!

До скорой встречи!

 

 
Оттенки радуги искусства бесконечны: выберите свой любимый !

[social_buttons nectar_love=»true» facebook=»true» twitter=»true» linkedin=»true»]

 

У тебя есть чувство юмора?

У тебя есть чувство юмора?

Часть I

Чувство юмора является признаком интеллекта. Это искусство тех, кто моделирует то, что они видят, с элегантной сатирой, чтобы заставить нас задуматься о глубоких концепциях и экзистенциальных темах, предлагая оригинальную и менее жёсткую реальность.
Использование чувства юмора утончённым и креативным способом, безусловно, является искусством, а сочетание искусства и юмора делает нашу жизнь более весёлой и приятной.
Все началось с Марселя Дюшана и Пьеро Мандзони, выдающихся предшественников иронической мысли и революционных идей, которые вдохновляли последующие поколения современных художников.
Инициатор дадаизма, ведущая фигура сюрреализма и предшественник концептуального искусства, Марсель Дюшан (Франция, 1887 — 1968) бросил вызов социальным соглашениям и изменил концепцию искусства, повысил предметы общего пользования в реальные произведения. Его непочтительные провокации оказали влияние на авангардное искусство и предвосхитили многие художественные движения второго послевоенного периода.
«Колесо велосипеда», первое готовое изделие, использованное в искусстве, восходит к 1913 году, которому было суждено навсегда изменить ход истории искусства. Деконтекстуализация рядовых элементов вызывает отчуждающий эффект и концептуальное искажение: велосипедное колесо утратило свою функцию, а стул, на котором он установлен, непригоден для использования.
Самым известным вмешательством останется «Фонтан» (1917), мужской писсуар с подписью художника, скандальная работа, которая в то время вызвала ажиотаж и придала названию всю иронию гения прошлого века.

 

 

Marcel Duchamp, “Fountain”, 1917 Orinatoio maschile

Марсель Дюшан, «Фонтан», 1917
Мужской писсуар

 

Что касается провокаций, то после знаменитого писсуара есть “Дерьмо́ художника” (итал. Merda d’artista”) (1961) Пьеро Мандзони (Сончино 1933 — Милан 1963), который является самым классическим примером художественного скандала, работа, которая даже вызвала парламентский вопрос.
Помимо чисто «тематического» совпадения, две упомянутые работы являются криком протеста, признаком сильной реакции против правил и господствующей системы времени.
Искусство, которое до этого было носителем смыслов, но главным образом декоративным и с сильной эстетической функцией, теперь больше не заботится об удовлетворении взгляда, но передаёт концепции и идеи, даже оспаривания.
Мандзони переопределяет сами границы произведения искусства с абсолютно инновационной творческой свободой для времени, утверждая, что является одним из главных героев международного авангарда и одним из предшественников концептуального искусства. Он является частью неформального ядерного движения с 1957 по 1959 год и основал журнал Азимут с Энрико Кастеллани (1959-60), с которым он также открыл галерею Азимут в Милане.
В «Merda d’artista», в дополнение к иронии надписи, которая представляет формулировку любого консервированного продукта, концептуальная провокация продолжается в цене, назначаемой за произведение, эквивалентной цене золота за грамм: таким образом Мандзони связывает два материала, которые полностью противоположны друг другу, но оба полны смыслов.
Противоречие также относится к арт-рынку и произвольной эстетической ценности, придаваемой тому, что считается произведением искусства, а также затрагивает вопрос между содержанием и формой.
Также как эта, и другие его работы предполагают сокрытие произведения искусства, как в случае с работой “Линии” (итал. «Linee»), выполненной между 1959 и 1961 годами, которая состоят из линии, нарисованной на листе бумаги, и их существование и длина удостоверяется только внешней этикеткой цилиндра, которая их содержит.
Его постановка всегда характеризовалась сильной иронией и позицией, и его творчество охватило несколько формы искусства: он столкнулся с хэппенингом и перформансом, когда заклеймил варёные яйца, чтобы предложить зрителям свои отпечатки пальцев в хэппенинге «Употребление динамического искусства обществом пожирающем искусство» (итал. «Consumazione dell’arte dinamica del pubblico divorare l’arte»).
Он подписал тела моделей — «Живые скульптуры» (итал. “Sculture viventi”) (1961) — с обычным сертификатом и накладной, предвидя боди-арт, а также создал самую большую скульптуру в мире — непревзойденное первенство — размещая своего рода постамент с обратной надписью: «Socle du monde» (Постамент мира) (1961).
В настоящее время серия «Ахром», начатая в 1957 году, на самом деле является его наиболее цитируемым произведением. С его монохромами Мандзони превосходит живопись и ограничивает своё личное вмешательство: пропитанную каолином ткань оставлена сохнуть, позволяя материалу изменяться со временем.
Сегодня легко догадаться о революционном значении гения, который рано ушёл из жизни, но в 1950-х и 1960-х годах было, возможно, слишком рано, чтобы получить должное ему признание.
Галерея Hauser & Wirth посвятила ретроспективу его работе «Пьеро Мандзони: Линии», которая продлится до 26 июля в нью-йоркском офисе, где выставлены 70 работ «Achrome» и 12 «Linee».

 

Piero Manzoni, “Merda d’artista”, 1961 Scatoletta di lattina, carta stampata, feci umane o gesso?

Пьеро Мандзони, «Merda d’artista», 1961
Консервная банка, отпечатанная бумага, человеческие фекалии или мел?

 

Не менее провокационным и одарённым чувством юмора является Сальвадор Дали (Испания 1904 — 1989), величайший образец сюрреализма, известный также эксцентричной и причудливой личностью, которая вылилась в сказочные произведения, населённые деформированными и беспокоящими животными и предметами, плодом подсознания художника.
Его ранние работы находятся под влиянием работ кубизма, футуризма и де Кирико, к которым он добавит сильные ссылки на фрейдистский психоанализ. Эклектичный и гениальный, Дали проявил себя в различных областях, включая кино, фотографию и скульптуру.
«Постоянство памяти» (1931) — сюрреалистическая работа, которая в присутствии знаменитых мягких часов исследует и ставит под сомнение утверждение об измерении времени объективным и абсолютным способом.
Вместе с режиссёром Луисом Бунюэлем он создаёт зарубежные и авангардные короткометражные фильмы, такие как «Андалузская собака» (1927), перед серией отличных кинематографических и театральных работ: он будет сотрудничать с Альфредом Хитчкоком, Лучино Висконти и Уолтом Диснеем.
Его нетрадиционный стиль, страсть к роскоши и крайностям сделали его всемирной знаменитостью, между незабываемыми вечеринками и дикими кошками, которых он держал в качестве домашних животных.
Его экстравагантность часто увековечивалась Мэн Рэем, но лёгкость и ирония испанского гения суммированы на фотографии, сделанной Филиппом Хальсманом в 1948 году: «Dalì Atomicus» — название, относящееся к ядерному взрыву в Хиросиме и Нагасаки из 1945 год — это настоящий взрыв, который увековечивает летающих кошек, ведра воды и художника, подвешенного в воздухе, намеревающегося рисовать.
На Форуме Гримальди в Монте-Карло проходит выставка, которую можно посетить до 8 сентября, которая объединяет около 100 работ, охватывающих всю его творческую деятельность с 1910 по 1983 год.

 

Philippe Halsman, “Dalì Atomicus”

Филипп Хальсман, «Дали Атомикус», 1948
Серебряный желатиновый принт

 

Реальная тенденция юмора в мире искусства развивается позже с движением поп-арта, родившимся в Англии и США между концом 1950-х и началом 1960-х годов. Сама концепция искусства обновляется, сделать его более лёгким и ироничным благодаря появлению плоских и ярких цветов, упоминанию об иконах кино и комиксов. Поп-арт — проницательный и непосредственный — лучше всего выражает коллективное воображение и американское общество того времени, заимствуя язык средств массовой информации и рекламы.
Таким образом, реплика исходит из повседневной жизни, и, следовательно, даже продукты массового производства становятся настоящими иконами.
Невозможно не думать о банках супа Кэмпбелла или бутылках Кока-Колы, воспроизведенных в сериграфах Энди Уорхола (США 1928 — 1987), согласно которому искусство также потребляется, как и любой другой продукт.
Таким образом, воспроизводимость и навязчивое повторение характеризуют его работы, которые, подобно массовым продуктам, связанным с потреблением, отражают американское общество. Ведущий образец поп-арта и эксцентричная личность, Уорхол также прославил своё имя нетрадиционным образом жизни.

 

Andy Warhol

Энди Уорхол, «Суп Кэмпбелла II», 1969
Шелкография на бумаге

 

Тема воспроизводимости произведения искусства была также в центре исследований Роя Лихтенштейна (США, 1923 — 1997), другого великого представителя движения: источник вдохновения — комиксы — также вызывает интерес к механическим процессам. Лихтенштейн реализует обратный процесс в своих работах, который начинается с оригинальной копии (печатной страницы), создаёт оригинал, революционизирующий выразительный язык эпохи. За свою карьеру Лихтенштейн исследовал различные темы, некоторые из которых типично американские: от Дальнего Запада до художественного выражения индейцев, от экономического бума до восточных пейзажей.

 

Roy Lichtenstein

Рой Лихтенштейн, «В машине», 1963
Холст, масло

 

Другой великий исполнитель поп-арта — Том Вессельманн (США, 1931 — 2004), известный своими «Великими американскими ню» («Great American Nudes«). Его стилизованные и соблазнительные женские фигуры привносят эротизм в движение в то время, когда обнажённая женщина начинает превращаться в рекламный продукт, который больше не производит сенсацию.
В 1970 году Вессельманн выставил «Шкатулку для спальни», коробку, в которой были собраны расписные деревянные предметы. Что поразительно, так это наличие груди между пепельницей и флаконом духов: начиная с этого натюрморта художник начнёт изображать детали женских тел.
В интервью он сказал: «Живопись, секс и юмор — самые важные вещи в моей жизни».

 

Tom Wesselmann

Том Вессельманн, «Курильщица № 3 (Рот № 17)», 1968
Холст, масло

 

Джефф Кунс — эксцентричная личность и «ужасное детище» современного искусства — о нем часто говорили из-за его неоднозначных предпочтений.
Его самые ранние работы датируются концом 1970-х годов, но в 1980 году Джефф Кунс дебютировал в мире искусства: он выставил в Новом музее инсталляцию «Новое», в которой он поставил несколько пылесосов, продуктов потребительских товаров, в которых влияние Энди Уорхола очень заметно.
Тема потребительства и выполнения чувств включает сексуальную сферу, и его порнографические скульптуры, безусловно, требуют открытого ума и сильное чувства юмора, даже чтобы только понять идею.
Некоторые из них в настоящее время экспонируются в Музее Jumex в Мехико до 29 сентября на выставке под кураторством Массимилиано Джиони «Aparencia Desnuda», вместе с работами Дюшана образуя уникальное событие подчёркивающее концептуальную близость между двумя художественными гигантами. Они подвергли сомнению функцию объектов, и в обоих из них часто присутствует сильный эротизм, также обнаруживаемый в предметах обихода: очевидная тема в вуайеристской работе «Невеста, раздетая своими холостяками, одна в двух лицах, Большой бокал» (1915) — 23) Дюшана, который считал желание источником творчества, о чём свидетельствует также его альтер эго Роза Селави. Эротичность повторяется также в работах Кунса, который вызвал скандал со серией работ «Сделано на небесах» в 1991 году, произведённой со своей женой и порнозвездой Илоной Сталлер.
Это первая крупная антологическая выставка, представленная в Южной Америке для обоих художников, и 80 экспонатов демонстрируют точки соприкосновения как в вызове всему конвенциональному, так и в искажении функций общих объектов.
Джефф Кунс — выдающийся художник, который принял и превратил увлечение и детское желание игр в фетиш для взрослых, который отражает крайнюю индивидуальность современного общества, скрытую за тривиальной игрушкой.
Вероятно, он все ещё празднует новейший рекорд на аукционе в том, что он — снова — коронован самым высокооплачиваемым живым художником в мире. «Кролик», скульптура из нержавеющей стали 1986 года, была продана в мае прошлого года за 91,1 миллион долларов на аукционе Christie’s в Нью-Йорке.

 

Jeff Koons

Джефф Кунс, «Баллон Дог (оранжевый)», 1994-2000
Зеркальная полированная нержавеющая сталь с прозрачным цветным покрытием

 

Дэмиен Херст (Бристоль, 1965), один из основателей галереи Frieze, является ещё одним «ужасным детищем» современного искусства: одна из его целей — удивлять и шокировать зрителей и публику.
Херст больше не ищет ручного мастерства автора произведения искусства, но пытается передать идеи и создать почти бренд, как это делал Энди Уорхол до него. Он использует готовые предметы повседневного обихода, и как Дюшан – готовые изделия, но моделирует и трансформирует их, преобразуя их в живые существа.
Лидер молодых британских художников всегда фокусировался на размышлениях вокруг темы смерти и был особенно замечен работами, в которых видны животные в формальдегиде, и стал знаменитым покрытым алмазами черепом «Во имя любви к Богу». Идеальное сочетание иронии и жуткости, объекта желания и отталкивания.
Экзорцизм смерти через медицину сформировался в работах, воспроизводящими зеркала медицины с таблетками, как будто они были драгоценными камнями, что означает почти священное восхищение средствами против смерти, а также размышления о сегодняшних пристрастиях.
Среди них курение занимает видное место, в том числе из-за его тесной связи со смертью, и неслучайно Херст посвятил ему более одной работы: среди них «Party time» («Время веселиться») (1995) — гигантская пепельница, заполненная окурками и пустые пакеты, почти бассейн, в котором броситься.

 

Damien Hirst

Дэмиен Херст, «Колыбельная Лето», деталь, 2002
Стекло, нержавеющая сталь, алюминий, никель, висмут и литая смола, цветная штукатурка и окрашенные таблетки с сухим переносом

 

Яёи Кусама (Япония, 1929) всегда двигалась в тесном симбиозе между искусством и жизнью, добровольно проживая в психиатрической больнице в Токио около 40 лет.
Её работы находятся между безумием, весельем и гением благодаря их огромной силе взаимодействия со зрителем.
С юных лет она страдала от галлюцинаций, видений, которые она переносила в свои произведения, давая зрителям своё видение мира, полное предложений. Не только одержимо повторяющиеся тыквы и горошек, но и захватывающие инсталляции, такие как «Зеркала Бесконечности» — комнаты, покрытые зеркалами, которые играют с тысячами перекрёстных ссылок между тыквами, горошками и отражённым изображением зрителей.
Одержимо повторяющийся, горошек покрывает обстановку целых комнат или украшает щупальца, прорастающие от пола и потолка в установках, которые всем нравятся.

 

Yayoi Kusama

Яёи Кусама, «Зеркальная комната бесконечности — вся моя вечная любовь к тыквам», 2016
Дерево, зеркала, пластик, акрил и светодиоды

 

Другой художник, который увлекает нас, играя с чувством ориентации, — Карстен Хеллер (Брюссель, 1961), художник, который часто создаёт игривые работы, цель которых состоит в том, чтобы активировать все 5 чувств в зрителях, вызывая адреналин и эмоции, связанные с играми детства, как в случае с горками.
Художник играет с дезориентацией и исследует противоречия внутри нас, как в случае с работой «Вверх ногами гриб» в Fondazione Prada в Милане, которая воплощает противоположность реальности.

 

Carsten Höller, «Upside Down Mushroom Room», 2000
Fondazione Prada, Milan, Italy

Даже Пол Маккарти (США, 1945) играет с чувствами и подсознанием зрителя с провокационными, тревожными, политически преданными произведениями, которые направлены на критику потребительства и обнажают наши страхи и неврозы, разоблачая обманы, которые скрываются за обещанием американской мечты.
Известный своим обширным и разнообразным производством, которое включает перформанс, фотографию, скульптуру, кино, мультимедийные инсталляции, рисунок и живопись; в начале своей художественной карьеры он пытается выйти за пределы живописи, используя необычные «материалы», такие как биологические жидкости и еда.
Маккарти присваивает иконы популярной и детской культуры, такие как гномы, Хайди, Санта-Клаус, Барби, переформулируя их в насильственной версии и играя с подсознанием зрителя.
Жестокие, явные и часто повторяющиеся образы вызывают сенсорную перегрузку, вызывая чувство дискомфорта и отвращения: художник преодолевает любые табу и нарушает все социальные правила.
С начала 1980-х Маккарти разработал серию совместных работ с Майком Келли, другим художником, связанным с контркультурой: синергия между ними, приводит к созданию «Хайди», видео 1992 года, которое отображает возмущающие намёки известной детской истории.

 

Paul McCarthy

Пол Маккарти, «Белый снежный гном, застенчивый», 2016
Силикон, стеклопластик, сталь

 

Как и Маккарти, Майк Келли (Детройт 1954 — Лос-Анджелес 2012) всегда интересовался американской массовой культурой, тщательно исследуя её, чтобы выявить скрытые противоречия.
Он исследовал различные темы, такие как отношения между различными социальными классами, сексуальность, религию, репрессированные воспоминания и политику, делая резкую критику и большой самоуничижительный юмор по этим темам.
Особенно известный своей работой с предметами, которые вызывают воспоминания, связанные с детством и юностью, такими как мягкие игрушки, куклы и школьные фотографии, на протяжении всей своей карьеры он изучал любые виды средств: рисунок, скульптура, музыка, видео, шоу, фотография и живопись.
В проекте «Образовательный комплекс» (1995) художник анализирует травмы подростков и критикует жёсткие правила общества и образовательные навязывания, которым мы вынуждены подчиняться.
Среди его самых известных работ «Дезодорированная центральная месса со спутниками» (1991-99), очень красочные мягкие игрушки, сшитые вместе, чтобы сформировать радужные скульптуры, которые на первый взгляд вызывают волшебство детства.

 

Mike Kelley

Майк Келли, «Дезодорированная центральная масса со спутниками», 1991-1999
Монтаж смешанной среды: упаковочный материал из пенопласта, стекловолокно, автомобильный лак, металлическая фурнитура, нейлоновый канат, шкивы

Клас Олденбург (Стокгольм 1929) сосредоточился на теме потребления и сегодняшних предпочтений в еде и известен во всём мире монументальными и забавными работами, которые отражают типично американские образы: от волана для бадминтона до кегельбанов, от гигантского гамбургера к огромному мороженому, упавшему на небоскрёб в Кельне.
Его работы часто тесно связаны с территорией, на которой они размещены, о чём свидетельствует «Ago, filo e nodo» (2000), созданный в сотрудничестве с Куше ван Брюггеном на Пьяццале Кадорна в Милане, дань миру моды и чёткая ссылка на линии андеграунда в цветах, используемых для нити.

 

Claes Oldenburg,

Клас Олденбург, «Уроненный конус», Neumarkt Galerie Кельн, Германия, 2001
Нержавеющая и оцинкованная сталь, пластик, бальза, окрашенная полиэфирно-гелевым покрытием

 

Оттенки радуги искусства бесконечны: выберите свой любимый

 

Поделиться:

[social_buttons nectar_love=»true» facebook=»true» twitter=»true» linkedin=»true»]