Category

Без категории

АРТ-ОТЧЕТ 2020

2020 год, несомненно, был беспрецедентным годом онлайн и виртуальности. Как и все отрасли, мир искусства также пострадал от пандемии, мы стали свидетелями новой инициативы и перенаправления ресурсов, адаптации к новым методам демонстрации и коммуникации. 

В ответ на ограничения, которые вынудили нас оставаться дома, музеи, галереи и учреждения быстро организовались, чтобы предлагать посещения своих коллекций в виртуальных турах. Не только выставки, но и ярмарки стали доступными для посещения и коммерческой доступностью в смотровых залах. Считаю, что это явление останется активным и после снятия ограничений. 

Социальные сети, такие как Instagram и Facebook, стали местом встречи художников, организаций и общественности, предлагая интересные прямые трансляции и другие формы общения, и это в каком-то смысле прогресс. Многие музеи по всему миру немедленно обратились к этим платформам, чтобы без ограничения предоставить доступ к своим коллекциям. Другие крупные выставки, такие как ретроспектива в Тейт Модерн, посвященная южноафриканскому художнику Занеле Мухоли, диалог между Трейси Эмин и Эдвардом Мунком в Королевской академии художеств, Артемизия Джентилески в Национальной галерее в Лондоне, были отменены, отложены или открыты на короткое время.

Также было много разговоров о передвижной выставке Филипа Гастона, которая должна была открыться в июне в Национальной галерее искусств в Вашингтоне, но отменена из-за пандемии и в дальнейшем отложена из-за некоторых работ, изображающих Ку-клукс-клан, которые могут быть неверно истолкованы общественностью и привлечь внимание критика в год «Жизни чернокожих имеют значение».

Движение, занимающееся борьбой против расизма, фактически также задействовало сектор искусства, что вызвало солидарную реакцию со стороны многих художников и организаций. В последние годы мы уже стали свидетелями большого роста афроамериканского искусства – признак того, что что-то уже изменилось в течение некоторого времени – и теперь я думаю, что они станут еще более заметными. Как раз во время лондонских аукционов в феврале мы увидели новые удивительные личные рекорды самых популярных чернокожих артистов на данный момент: Чабалала Селф, Амоако Боафо и Джордана Кастила. Неслучайно в этом году движение Black Lives Matter находится на вершине рейтинга ArtReview Power 100.

Чабалала Селф, «Принцесса», 2017

Ткань, акрил, волосы руки, масло на холсте

Работа продана за 435000 фунтов стерлингов, включая налоги, на аукционе Phillips в Лондоне 13 февраля 2020 г.

 

Амоако Боафо, «Лимонный купальник», 2019 г.

Картина маслом на холсте

Продана за 675000 фунтов стерлингов, включая налоги, на аукционе Phillips в Лондоне 13 февраля 2020 года.

 

Помимо выставок, перенесены и биеннале, прежде всего Венецианский арт-обзор, который состоится в 2022 году – отныне оно всегда будет проводиться в «четные» годы.

Почти все ярмарки были отменены – в первую очередь, это места для коллекционеров и галеристов из разных стран – за некоторыми исключениями, такими как Manifesta 13 в Марселе, которая тем не мение закрылась на месяц раньше.

После отмены всех трех встреч на 2020 год Art Basel также откладывает гонконгское издание, запланированное на март 2021 года, и перенесенное на конец мая. 

Но есть и хорошие новости, поскольку онлайн-залы и другие мультимедийные возможности принесли приличный уровень продаж, что подтверждается оживленным обменом на Art Basel Miami.

Frieze Art Fair для лондонской встречи объединила виртуальные туры с небольшими мероприятиями по городу, и впервые галереи превратили свои лондонские офисы в настоящие киоски, которые можно посещать по предварительной записи. После этого Frieze перенесла этап в Лос-Анджелесе до конца июля 2021 года, а в феврале будет 3 дня специальных (онлайн) программ, посвященных 30-летию деятельности.

Таким образом, 2020 год вызвал множество изменений, и всем деятелям искусства – художникам, галеристам, кураторам, директорам ярмарок и музеев – пришлось переосмыслить организационные методы, поддержание существующих структур и разработку новых стратегий.

Но как мы хорошо знаем: не всякое зло приносит вред.

Некоторые объединились и почти всё оцифровано. И благодаря этому начнется новая эра общения и для мира искусства, который остался одним из последних в модернизации. Конечно, пришлось столкнуться с некоторыми трудностями, такими как сокращение штата, также произведенное художественными гигантами – от крупных галерей, таких как Perrotin, David Zwirner и Pace Gallery, до важных учреждений, таких как Guggenheim в Нью-Йорке, Tate Modern и Королевская академия Лондона – все вынуждено закрыться на очень долгий срок. Возможно, когда мы снова откроемся и вернемся к нормальной жизни, все вернется к тому, как было раньше, но оцифровка, безусловно, навсегда останется дополнительной услугой. Помимо коронавируса, Brexit также частично изменил географию европейского искусства. Некоторые галереи действительно решили закрыть свои офисы в Лондоне, например, Мэриан Гудман, которая закроет пространство в конце года, чтобы освободить место для нового выставочного режима «Проекты Мэриан Гудман». Инициатива будет организовывать выставки в разных местах Лондона в зависимости от характера работ и проекта. 

Дэвид Цвирнер, галерея с офисами в Нью-Йорке, Гонконге и Лондоне, чтобы справиться с Брекситом, также открыла галерею в Париже, городе, которому суждено стать европейским центром современного искусства. Этому примеру последовали Pace Gallery и White Cube. Новость, которая закрывает главу,  это закрытие знаменитой галереи Blein/Southern, основанной в Лондоне в 2010 году, а также с офисами в Нью-Йорке и Берлине. В феврале было объявлено о закрытии всех трех галерей, и ходят слухи, что это вызвано серьезными финансовыми проблемами, вплоть до того, что они должны вернуть работы художникам и сами оплатить транспортные расходы

Еще одно, безусловно, неожиданное объявление для всего арт-рынка – закрытие после 26 лет деятельности нью-йоркской галереи GB предприятия Гэвина Брауна, великого дилера и пионера, присоединившегося и ставшего партнером Gladstone Gallery (Барбара Гладстон). Будут представлены только 10 своих художников: Джоан Йонас, Эд Аткинс, Артур Джафа, Рэйчел Роуз, ЛаТойя Руби Фрейзер, Керстин Бретч, Алекс Кац, Фрэнсис Старк, Риркрит Тиравания, Марк Лекей. 

Однако, Лаура Оуэнс, Хос де Грюйтер и Геральд Трис не будет частью Гладстон галереи.

Таким образом, была заново открыта ценность сотрудничества между различными реальностями – даже среди тех, которые ранее считались конкурентами. В Италии, например, родился Italics,  консорциум, объединяющий более 60 итальянских галерей современного, древнего искусства и модернизма, направленных на расширение территории Бель Паезе с советами туристам, начиная от посещения исторических и художественных красот до кулинарии и вин, которых нельзя пропустить.

В Милане было создано «Миланское художественное сообщество», платформа, управляемая некоторыми из самых важных галерей, фондов и некоммерческих организаций в городе, для продвижения инициатив своих членов.

Как мы видели, в этой атмосфере большой неопределенности были также положительные последствия, такие как многочисленные инициативы солидарности, в которых участвовали известные художники, такие как Вольфганг Тильманс, Трейси Эмин, Марлен Дюма, Мартин Парр и другие, а также галереи и дома таких аукционов, как Christie’s, Sotheby’s, Artcurial – все они занимаются многочисленными благотворительными распродажами.

Hauser & Wirth недавно запустила кампанию по сбору средств «Художники для Нью-Йорка»: более 100 художников решили пожертвовать свои работы на благотворительную распродажу в поддержку некоторых учреждений города, включая MoMA PS1, Новый музей и High Line Art. (Hauser & Wirth отказалась от комиссии за продажу).

Италия также активизировала множество благотворительных инициатив, благодаря личной мобилизации художников, таких как Алессандро Пианджиаморе, который продал работу «La cera di Roma» (купленную Вероникой Сицилиани Фенди) в Instragram, вырученные от нее средства были пожертвованы больнице Спалланцани в Риме, вплоть до инициатив аукционных домов, таких как Blindarte с «Искусство остановить Covid-19» – выручка пошла в регион Ломбардия и Институт Паскаля в Неаполе; или аукционный дом Cambi с благотворительным аукционом «Design Loves Milano» в помощь больнице Луиджи Сакко.

За год, потерпевший столько потерь, Италия и весь мир оплакивали одного из величайших кураторов и искусствоведов в истории. Джермано Челант скончался в возрасте 80 лет именно из-за Covid-19, который он, возможно, захватил в Нью-Йорке во время одной из последних выставок, которые посещал, Armory Show. Теоретик и основатель Arte Povera Дж.Челант сделал итальянских художников всемирно известными. Куратор Гуггенхайма в Нью-Йорке и многих выставок в зарубежных музеях, директор Венецианской биеннале в 1997 году, с 2015 года он был художественным руководителем фонда Prada.

Крупные аукционные дома, вынужденные отменить или отложить запланированные встречи еще в марте, пытались укрыться в формах, отличных от традиционных. 

Использование онлайн-кабинетов, частных залов, растущий азиатский рынок и запуск аукционов «кросс-категорий» — подход, изменивший модель предложения за счет слияния различных отделов — частично остановили ситуацию.

Однако у трех ведущих аукционных домов произошло существенное падение продаж – у Christie’s -25% по сравнению с 2019 годом, у Sotheby’s -27%. В цифрах, по сравнению с 4,4 миллиарда долларов в 2019 году, в 2020 году объем продаж составил 0,9 миллиарда долларов. Поэтому отсутствие живых аукционов привело к снижению оборота, в том числе из-за того, что многие клиенты предпочли отказаться от продажи важных работ, ожидая лучших времен для повышения их стоимости.

В то время как десять лотов превысили 50 миллионов долларов в 2019 году, только два лота превысили этот показатель в этом году.

Первое место занял триптих Фрэнсиса Бэкона «Триптих, вдохновленный Орестеей Эсхилова» (1981), который 30 июня на аукционе Sotheby’s достиг 84,6 миллиона долларов. После китайского классического шедевра, занявшего второе место на подиуме, мы находим Роя Лихтенштейна с картиной «Обнаженная с радостной живописью» (1994), проданной на Christie’s 10 июля за 46,2 миллиона долларов. Дэвид Хокни следует за фильмом «Каньон Николс» (1980), который 7 декабря был передан Филлипсу за 41 миллион долларов, что стало самой высокой суммой аукциона в Нью-Йорке за всю историю аукционного дома. Признак оживленного рынка, несмотря на сложный год, способного в некоторых случаях удивить и превзойти ожидания.

 

Фрэнсис Бэкон, «Триптих, вдохновленный Орестеей Эсхилова», 1981 г. 

Картина маслом на холсте

 

Рой Лихтенштейн, «Обнаженная в радостной живописи», 1994 г.

Картина маслом на холсте 

 

Дэвид Хокни, «Николс-Каньон», 1980

Картина маслом на холсте

 

К счастью, не было недостатка в успехах, таких как 8-е издание «Contemporary Curated» от Sotheby’s, которое 22 апреля побило рекорд самого прибыльного онлайн-аукциона на общую сумму 6,4 миллиона долларов (оценка 5, 75 миллионов), благодаря каталогу, полному шедевров, и Маргарите Миссони в качестве приглашенного куратора.

Онлайн-аукционы привели к притоку новых покупателей – многих миллениалов – и продемонстрировали 20%-ное увеличение прибыли по сравнению с прошлым годом, очевидно, высокие, но меньшее, чем доходы традиционного аукциона – способ сдержать рост кризиса – настолько сильный, что в марте Sotheby’s уволил около 200 сотрудников (около 12% персонала). 

Впервые премия Тернера была разделена на 10 стипендий по 10 000 фунтов стерлингов каждая, которые были присуждены как можно большему количеству художников: Лиз Джонсон Артур, Орит Эшери, Шаванда Корбетт, Джейми Крю, Шон Эдвардс, Альберта Уиттл, Сидсель Майнче Хансен, Има. -Абаси Окон, Имран Перретта и коллектив Arika. Традиционная коллективная выставка, посвященная финалистам, не была организована, но победители этого выпуска могут быть переизбраны в будущих выпусках премии. 

Победителем премии Hugo Boss Prize 2020 года стала Дина Лоусон, американская фотограф, чьи исследования посвящены социальным проблемам и семейной интимности в афроамериканской культуре.

Эмма Талбот получает восьмую премию Max Mara Art Prize for Women. Английский художник исследует внутренние пейзажи, полные мыслей, эмоций и личных историй, в тонких работах, написанных на шелке или других текстильных материалах, и включает предложения, написанные художником или взятые из других источников.

Канадский художник Капвани Киванга получает приз Марселя Дюшана – награду, родившуюся во Франции в 2000 году – за проект «Цветы для Африки», отражающий политическую и социальную историю африканских стран.

Вернувшись в Италию, Палаццо Строцци во Флоренции смог приспособиться к временам и продлить долгожданную выставку Томаса Сарасено «Ария», которая была приостановлена через несколько недель после ее открытия, и которая при повторном открытии получила большой отклик публики.

Долгожданная монография, посвященная Карле Аккарди в Museo del ‘900 в Милане, запланированная на начало октября, также смогла внести вздох в культуру именно в промежутках между двумя карантинами.

Более 70 работ Аккарди – первого всемирно известного итальянского художника-абстракциониста – будут открыты для посетителей до конца июня 2021 года.

2020 год был особенным, и ясно, что потребуется время, чтобы достичь нового баланса, но каждый период кризиса всегда приносит новые возможности и позволяет нам взглянуть на вещи в новом свете.

У нас еще впереди переходный период и много других изменений – безусловно, положительных! 

… Искусство не останавливается!

 

Оттенки радуги искусства бесконечны: выберите свой любимый !

ИСКУССТВО ВНЕ МУЗЕЕВ

Часть II

Как мы уже видели, инвестирование в искусство стало обычной практикой для крупных домов моды, и эта форма нового патронажа всё чаще поддерживается институциональными инициативами, не без определённой смелости в сочетании с высокими экономическими возможностями делать успехи, показывая широкой публике также частные коллекции, которые иначе были бы недоступными.

В последние годы многочисленные фонды стали играть важную роль в продвижении современного искусства и в распространении работ более или менее начинающих художников, а также в запуске процессов перестройки городов путём создания новых полюсов притяжения благодаря выставочным площадям, спроектированным известными архитекторами, которые являются не только «контейнерами», но и настоящими работами искусства.

В дополнение к вышеупомянутому Фенди, в Италии это Фонд Прады с двумя офисами – Миланом и Венецией, который выполняют передовые культурные обязательства, в том числе в отношении европейского опыта и долгосрочных инновационных проектов, поддерживая молодых художников, которые ещё не состоялись.

Нынешняя миланская штаб-квартира, основанная в 1993 году по распоряжению Миучча Прады и Патрицио Бертелли, является своего рода базой, которая предлагает взаимодействие между различными языками и дисциплинами, такими как кино, музыка, литература, философия, искусство и наука.

В  2020 годy Лондонский музей дизайна посвятит главную ретроспективу итальянскому дому моды, подчёркивая инновационный и творческий подход, который характеризует бизнес компании, и ещё одно доказательство того, что искусство, мода и дизайн тесно связаны друг с другом.

 

Prada Foundation, Milan, Italy

 

Также в Милане Фонд Труссарди – «кочевое учреждение» основанное в 1996 года – осуществляет проекты, объединяющие современное искусство и городские пространства глазами международных художников.

Среди множества проектов Элмгрина и Драгсета «Short Cut» 2003 года; Персональная выставка Сары Лукас в отеле Diurnal Hotel Venice в 2016 году и в этом году установка Ибрагима Махамы на бастионах Порта Венеция.

В следующем выпуске Miart 2020, нас ожидает интервенция «Проект коллективности» датского художника Олафура Элиассона, который предложит гражданам построить свой идеальный город из кирпичей Lego.

Во главе Фонда, который может похвастаться престижным сотрудничеством с Tate Modern в Лондоне, Kunsthaus в Цюрихе и Венецианской биеннале, являются женщины семьи Труссарди: Беатрис, Мария Луиза и Гайя, в свою очередь поддерживаемые частными патронами и компаниями, которые участвуют в качестве спонсоров.

 

Elmgreen & Dragset, “Short Cut”, Milan, Italy, 2003

 

Многие важные проекты родились в Италии благодаря дальновидности людей, связанных с модой, с большой страстью к искусству: в Реджио-Эмилии желание Ахилла Марамотти – основателя Max Mara и страстного коллекционера – создать коллекцию современного искусства формируется уже в 70-х. Работы, представляющие художественные тенденции с 1945 года по сегодняшний день, первоначально экспонируются в некоторых помещениях заведения до 2003 года, когда старый комплекс Реджо-Эмилия будет превращён в настоящее выставочное пространство, посвящённое как постоянной коллекции, так и временным выставкам для начинающих художников.

Сотрудничество с галереей Уайтчепел также привело к образованию премии Max Mara для женщин – двухгодичной премии, направленной на поддержку молодых женщин-художников, проживающих в Соединённом Королевстве.

Другим важным признанием является премия Фурла (Furla Prize), теперь 10-м издании, которая чередует великие имена в современном искусстве в роли художественных консультантов и председателей жюри, таких как Джозеф Кошут, Микеланджело Пистолетто, Кики Смит и Ванесса Бекрофт. Фонд с тем же именем основан в Болонье в 2008 году Джованной Фурланетто и поддерживает и поощряет молодые итальянские таланты с целью будущего развития с помощью различных учебных проектов.

Не в последнюю очередь Хьюго Босс, который вносит большой вклад в современное искусство с одноименной премией за двухлетний период.

Родившийся в 1996 году и координируемый Гуггенхаймом в Нью-Йорке, он не предусматривает каких-либо ограничений по возрасту, полу или национальности, и в дополнение к признанию призом в размере 100 000 долларов, работа каждого художника-победителя представляется ​​на персональной выставке в музее.

Помимо упомянутых, в Италии существует множество фондов, занимающихся пропагандой культуры и охраной исторического и художественного наследия, таких как Фонд Тревизо Бенеттона, основанный в 1987 году и сконцентрированный на охране культурного наследия или подобные Фонду Зегна в Триверо (2000), в области Бьелла, это агрегационный центр, который объединяет культуру и природу в специальном проекте, который фокусируется на сайт-специфичных произведениях искусства.

Однако главным действующим лицом с точки зрения фондов является Франция, страна, в которой распространению этой культурной деятельности также способствуют щедрые налоговые льготы, связанные с законом Эйллагона от 2003 года, который называется «законом о покровительстве», который ввёл важные налоговые льготы (даже до 60%) для тех, кто вкладывают деньги в искусство.

Страсть к искусству, которой руководят два великих магната и коллекционера Франсуа Пино (группа Керинга) и Бернар Арно (группа LVMH), чьё соперничество известно, подтолкнула их к созданию важных выставочных и культурных мест не только в Париже.

Пино – один из величайших коллекционеров современного искусства – с 2006 по 2009 год открыл в Венеции Палаццо Грасси и Пунта делла Догана, восстановил и обустроил помещения Тадао Андо, где регулярно организуются выставки с участием художников в создании сайт-специфичных произведений.

Японский архитектор также принимал участие в разработке нового музея Коллекции Пино, который откроется в этом году и будет расположен в историческом здании Парижской фондовой биржи.

Paris Stock Exchange

 

Francois Pinault at Punta della Dogana, Venice, Italy

 

Chiharu Shiota, Installation view, Le Bon Marché, Paris, 2017

 

«Конкурирующий» Арно, также великий покровитель, открыл футуристический и высоко посещаемый Фонд Louis Vuitton в Париже в 2014 году по проекту Фрэнка Гери, который стал эмблемой архитектуры 21-го века и уже сам по себе является произведением современного искусства.

Приверженность Арно направлена ​​на продвижение французского и международного современного искусства с особым акцентом на музыку и звуковое искусство.

Фонд организует важные выставки, которые для широкой публики делают известными также удивительные частные коллекции.

Louis Vuitton Fondation, Paris, France

 

Bernard Arnault

 

Знаменитая Галерея Лафайет в 2018 году открыла пространство для современного искусства в Марэ по проекту Рема Колхаса, архитектора, который также восстановил Миланскую штаб-квартиру Фонда Прада — «Lafayette Anticipations», как следует из названия, это центр инноваций с целью создания нового художественного и культурного наследия посредством мастер-классов, ателье, дискуссий и представлений.

Lafayette Anticipations, Paris, France

 

Но когда появились первые влияния между искусством и модой?

Мы должны вернуться в прошлое, до начала 1900-х годов, когда художники югендстиля исследовали диалог между двумя дисциплинами, применяя свои эстетические концепции к женской одежде, предназначенной как художественная одежда, не соответствующая моде того времени.

Одним из первых, кто попробовал свои силы в создании модной одежды, является Густав Климт, создавая инновационную одежду для венского ателье Эмили Флёге – его музы и спутницы.

Драгоценный декоративный стиль с небольшими тессерами сочетается с современным кроем одежды, давая жизнь опыту, который останется уникальным в контексте югендстиля.

Gustav Klimt and Emilie Flöge

 

Portrait of Emilie Flöge, 1902

 

Вскоре после этого Соня Делоне, художница, которая вместе со своим мужем Робертом провела исследование восприятия света и цвета, преобразует эти исследования сначала в прикладное искусство, а затем и в моду, создавая красочные и абстрактные ткани.

Они ответственны за первые эксперименты с геометрическими принтами на ткани, которые оказали сильное влияние на моду, открыв особенно инновационную линию, которая также будет разработана в следуюшие годы другими художниками и стилистами.

Тесная связь между двумя областями, которая материализуется в одежде Делоне, находит своё теоретическое рассмотрение в её книге «Влияние живописи на моду» (1927).

В её «Одновременной мастерской» родились первые работы по пошиву одежды, которые продиктовали правила французской моды 1920-х и 1930-х годов настолько, что великие кутюрье того времени соревновались, чтобы выиграть один из её дизайнов.

Sonia Delaunay, Simultaneous Workshop

 

Sonia Delaunay, fabric prints

 

С историческим авангардом начала 1900-х годов отношения между искусством и модой стали ещё более симбиотическими, и именно футуристы – междисциплинарные по преимуществу – были одними из первых, кто осознал потенциал одежды в красочной, эксцентричной и нетрадиционной манере.

Для футуристов, – сторонников революции, охватывающей все аспекты повседневной жизни, даже одежда должна отражать динамичный идеал, а не серый цвет буржуазного костюма, и в 1914 году Джакомо Балла представил «Манифест анти-нейтральной одежды».

 

Giacomo Balla, “Anti-neutral dress”, 1914

 

Giacomo Balla, “Anti-neutral dress”, 1918

 

Авангардные эксперименты также происходят из Баухауза, который, начиная с 1920 года, включил в свою программу ткацкую мастерскую, где рождаются новые стимулы и стилистические инновации.

Влияние Клее, Кандинского, Мохоли-Надя и Иттена на Энни Альберс, работающей на основе чистых цветов и геометрических форм, способствует утверждению тенденций к абстракции, в результате чего ткани и узоры будут все больше напоминать геометрические рисунки.

Annie Albers, “Wall Hanging”, 1926

 

Annie Albers, “Preliminary Design for Wall Hanging”, 1926

 

Абстракция и геометрия вошли в коллективное воображение, и в домах тысяч женщин также благодаря Пьеру Кардену, визионеру-стилисту, создавшему структурированную одежду из нетрадиционных материалов, вдохновлённую, с одной стороны, темой космоса и посадки на Луну, с другой стороны, именно к экспериментам с авангардом по геометрическим мотивам.

Будучи совершенством в мире моды, он был вдохновлён такими стилистами, как Иссей Мияке, на создание скульптурных платьев и минималистических узоров.

 

Pierre Cardin

 

Issey Miyake

 

Постепенно одежда становится все более и более произведением искусства во всех отношениях – почти опорой, которая заменяет холст, а не просто чем-то, что можно надеть: это относится к фетровому костюму «Филзанцуг», созданному Джозефом Бойсом в 1970 году, или «Рубашке без названия» Роя Лихтенштейна от 1979 года, в которой используется техника точек Бен-Дей на знаменитых полотнах, вплоть до вызывающей тревогу платье-провокации «Mur de la Montée des Anges» (1993) Яна Фабра, состоящей исключительно из насекомых.

Roy Lichtenstein, “Untitled Shirt”, 1979

 

Jan Fabre, “Mur de la Montée des Anges”, 1993

 

Оскар Уайльд сказал: «Каждый должен быть произведением искусства — или носить на себе произведение искусства».

Актуально ли это все ещё и сегодня?

Сегодня более чем когда-либо искусство вдохновляет и, выходя из музеев, обращается к нам впрямую.

 

Оттенки радуги искусства бесконечны: выберите свой любимый !

ИСКУССТВО ВНЕ МУЗЕЕВ

Часть I

 

Вам не обязательно ходить в музеи, чтобы испытать эмоции, передаваемые искусством, потому что они включаются в нашу повседневную жизнь.

Искусство постоянно с нами, она в повседневной одежде, ​​в предметах дизайна, украшающих наши дома, и в футуристической архитектуре городов.

Границы между различными сферами разрушились, постоянно развиваются взаимные влияния: искусство предлагает уникальный вклад практически во все дисциплины, вдохновляя различных личностей, таких как архитекторов, дизайнеров, стилистов, графических дизайнеров и рекламодателей.

Использование прошлого или современного искусства способствует рождению уникальных и оригинальных творений, просто подумайте о целях, достигнутых дизайном: баланс между функциональностью и красотой приближает и все чаще приравнивает его к современному искусству.

Даже прежде, чем удовлетворить функциональные потребности, современные здания представляют очень точный образ, в диалоге между двумя дисциплинами все более используя особый язык искусства, который становится все более взаимодополняющим в общем взаимопроникновении.

В музеях нового поколения пространство, отделяющее архитектуру от произведения искусства (форму от содержимого), теперь отменено, и Guggenheim Bilbao, созданный Фрэнком Гери, воплощает эти радикальные изменения, являясь самым настоящим произведением искусства и туристической достопримечательностю, которое стало символом города.

Мягкие формы музея являются прекрасным примером деконструктивизма, архитектурного направления, вдохновенного работами русских конструктивистов 1920-х годов, которые впервые нарушили баланс классической композиции создавая новые геометрические характеристики.

Музей Гуггенхайма, Бильбао, Испания

 

Искусство выходит за рамки традиций, поддерживая новые способы обучения через Интернет, и сегодня возможно бесплатно и не выходя из дома посещать музеи, памятники и места археологических раскопок по всему миру.

Необходимость получить культурный опыт на 360° также приводит к созданию виртуальных туров по многим городам искусства, последний из которых стал доступным в Милане по случаю 500-летия со дня смерти Леонардо да Винчи.

Профиля и формы, характерные для искусства, не только проникли в архитектуру и дизайн, но, как мы уже говорили, также и в моду, создавая уникальные и оригинальные творческие пути и обмен идеями.

Достаточно взглянуть на подиумы последних лет, полные даней и ссылок на искусство не только в одежде, но и в сценографии, которое часто более близкое к художественному исполнению, чем к представлению сезонных коллекций.

Эффект «музея» часто сопровождает показы мод голландских стилистов Виктора и Рольфа, от дани почтения Ван Гогу в 2014 году до одежды, которая напоминала живопись действия в следующем году, но самой удивительной была коллекция, посвящённая Пикассо в 2016 году, когда они буквально превратили модели в живые скульптуры асимметричного монохромного вида, типичного для кубистских работ.

Виктор и Рольф, Oт-кутюр, весна-лето 2015

 

Виктор и Рольф, Oт-кутюр, осень-зима 2015-2016

 

Виктор и Рольф, Oт-кутюр, весна-лето 2016

 

Сам Пикассо внёс свой вклад в мир моды, создав пуговицу для Коко Шанель и разработав театральную одежду для представлений русского балета Дягилева – события, в котором он встретил свою будущую жену и музу Ольгу Хохлову.

Пабло Пикассо, пуговица, созданная для Коко Шанель, 1920 керамика и эмаль

 

Пабло Пикассо, Занавес для балета Массина «Парад», 1917

Холст, темпера, 1050 х 1640 см

Центр Помпиду, Париж, Франция

 

Пабло Пикассо, костюм китайского фокусника для балета Массина «Парад», 1917

Музей Виктории и Альберта, Департамент театра и перформанса, Лондон, Великобритания

 

Однако, Moschino решил дать жизнь самым известным работам испанского художника – от розового до голубого периода до кубистских абстракций – на показе мод весна-лето 2020, по меньшей мере, удивительно.

Модели Джереми Скотта – между гигантскими ремешками, позолоченными рамами и разложенными женскими профилями – были идеальными живыми произведениями искусства, олицетворением картин великого мастера.

Москино, весна-лето 2020

 

Выбор отдать дань уважения и быть вдохновлённым искусством касается не только текущих событий: в прошлом великие стилисты также брали известных художников и работ, как, например, в случае с Ивом Сен-Лораном в коллекции «Mondrian Look» 66-го года, которая включала геометрические узоры голландского художника, создавшего историю.

Ив Сен-Лоран, «Взгляд Мондриана», 1966

 

Около тридцати лет спустя Джанни Версаче почтил дань уважения Энди Уорхолу по случаю коллекции S/S 1991 года, предлагая знаменитые сериграфы Мэрилин Монро и других поп-икон, напечатанные на полихромных шёлковых платьях.

Джанни Версаче, весна-лето 1991

 

Wharol – с 62-го по 66-й – в свою очередь создал серию одежды, вдохновлённый своими собственными работами: «Хрупкий, обращайся осторожно» и «Суповая банка Кэмпбелла», чтобы выразить характерную для работ художника жёсткую критику в адрес общества. Ему также удаётся превратить женскую одежду в икону потребителя. В своём стиле искусство становится товаром, а одежда – искусством.

Энди Уорхол, «Суперплатье», «Брильо» и «Хрупкое, обращаться с осторожностью», 1962-66

Костюмы из бумаги, целлюлозы и хлопка

 

Связь между искусством и модой становится все более консолидированной, что выражается в частых партнёрствах и сотрудничестве между модными домами и современными художниками, занимающимися созданием отдельных изделий или капсульных коллекций: сегодня произведения искусства можно увидеть на обложках Vogue, в видеороликах рэперов, таких как Jay Z, на кроссовках Nike или сумках Louis Vuitton.

Так только дом моды группы LVMH Бернара Арно, который, как мы увидим, твёрдо привержен продвижению и поддержке искусства – благодаря креативному директору Марку Джейкобсу начал серию сотрудничества с различными художниками в конце 90-х, включая Синди Шерман, Яёи Кусама, Такаши Мураками и Ричарда Принса.

Сумки Monogram стали одними из самых знаковых и самых продаваемых модных аксессуаров десятилетия, настоящими произведениями искусства, которых можно носить, так, что на «Выставке художественного сотрудничества» только что завершегося в Беверли-Хиллзе отмечались 180 самых очаровательных моделей всех времён данной фирмы.

В свою очередь, коллекционер Марк Джейкобс недавно решил продать часть своей коллекции на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке в ноябре 2019 года: более 150 произведений, собранных за 20 лет, от мастеров импрессионизма до Энди Уорхола, включая Эда Руша, изюминки коллекции.

Яёи Кусама, монограмма сумочки для Луиса Виттона, «Бесконечная коллекция», 2012

 

Ричард Принс, сумка «Монограммные шутки» для Луиса Виттона, коллекция весна-лето 2008

 

Алекс Исраэль, сумка «ArtyCapucines» для Луиса Виттона, 2019

 

Там же во Франции, дом Celine часто отличался коллекциями, заимствованными из мира искусства, такими как линия S/S 2017, вдохновлённой знаменитыми антропометрическими представлениями Ива Кляйна.

Силуэты тел моделей запечатлены на белых платьях как на полотнах, в оттенке International Klein Blue, запатентованном французским художником.

В дополнение к этой прославленной дани, дом моды часто сотрудничает с современными художниками, и последним по порядку времени является Кристиан Марклей для коллекции S/S 2019, художник, который был вдохновлён миром музыки и комиксов для коллекции, которая подмигивает року.

Слева: Ив Кляйн во время перформанса; справа: Селин, весна-лето 2017

 

Кристиан Марклай для Селин, весна-лето 2019

 

Dior, в свою очередь, очень активно работающий в области искусства, недавно объявила о сотрудничестве с 11 женщинами-художниками для 3-го издания Dior Lady Art, коллекции, которая оставляет карт-бланш для реинтерпретации культовой сумки.

В этом году также выработана капсула Dior Men от Kaws, которая изменила дизайн исторического логотипа в форме пчелы, превратив его в остроумный мультфильм в стиле персонажей, населяющих его работы.

Не являясь новичком в экспериментах даже за пределами строго художественной сферы, Каус уже сотрудничал с Найком, когда Кени Вест разработал обложку альбома «808s & Heartbreak» и даже графику парфюма «Любовь к прекрасному полу» (Love for fairer sex) фирмы Comme Des Garçon в сотрудничество с музыкантом Фарреллом Уильямсом.

Это демонстрация того, что взаимное влияние между различными областями становятся все более глубоким и сложным.

Кит Харинг, кроссовки для Адидас

 

Альбом «Бархатный Метрополитен и Нико», 1967

 

Для Марни диалог между искусством и модой также является источником вдохновения. Салли Смарт, Рут Ван Бик и Дэвид Салл, Стефано Фаваро и Кристоф Жубер – некоторые из имён, связанных с итальянским домом, который недавно обратил внимание на тему устойчивости и окружающей среды, ключ понятия отчётливо виден в сценографии последнего шоу и в творчестве художников Шалва Никвашвили и Казума Нагаи в показе мод весна-лето 2020.

Иногда сотрудничество также возникает благодаря личной дружбе, как, например, в случае с Риккардо Тиши и Мариной Абрамович, которая 11 сентября 2015 года создала сценографию парада, чтобы отпраздновать 10-летие работы креативным директором Givenchy. Суровая обстановка между небоскрёбами Нью-Йорка, созданная из переработанных материалов, была метафорой восстановления на обломках в честь этой символической даты.

Марина Абрамович, подиум, созданный для Живанши, весна-лето 2016, Нью-Йорк, 2015

 

Когда искусство и жизнь переплетаются с уникальным опытом, предназначенным для создания истории, сегодня, как вчера: в 1930-х годах Эльза Скиапарелли перенесла сюрреалистическую поэтику на одежду и аксессуары благодаря своей личной дружбе с такими артистами, как Сальвадор Дали, Ман Рэй и Жан Кокто.

Из этих коллабораций родились такие знаковые вещи, как пальто с карманами в форме ящика, разработанное Дали, вдохновлённое работой «Венера Милосская с ящиками» 1936 года, знаменитым принтом лобстера, вышитом на одежде, или шляпой в форме перевёрнутой туфли (1933).

Сальвадор Дали, платье «Скелет», 1938

 

Другие творения Сальвадора Дали для Эльзы Скиапарелли

 

Другим актуальным примером сегодня является связь между венецианским художником Нико Вашеллари – партнёром Дельфины Фенди – и сотрудничеством с итальянским домом моды, для которого в этом году он играл с дуализмом добра-зла / света-темноты, создавая дорожку, превращённую в своего рода пещеру.

В 2018 году Фенди выступила спонсором инсталляции Вашеллари «Месть» в Maxxi в Риме, укрепив тем самым связь со столицей и миром искусства, который в 2015 году увеличился благодаря реставрации фонтана Треви и открытию в 2018 году Rhinoceros, последнего местонахождения Фонда Альда Фенди в историческом здании, отреставрированном Жаном Нувелем.

Великий дворец искусств сочетает в себе консервацию и инновацию, предлагая авангардную культурную лабораторию в районе, который до сегодняшнего дня не полностью использовал свой потенциал.

Как мы увидим позже, одно из многих преимуществ, принесённых фондами, заключается в том, что они начали процессы переустройства городов: в то время как в Милане Prada реабилитировала целый район – вслед за этим открылись ICA и многочисленные коммерческие мероприятия – в Риме Фонд Альда Фенди обратил внимание на одно из многих мест, забытых учреждениями.

 

Оттенки радуги искусства бесконечны: выберите свой любимый !

2019 — ВОТ ЭТО БЫЛ ГОД !?

Без сомнения, 2019 год запомнится как год перехода.

Год, полный политических и финансовых неопределённостей, которые, следовательно, отразились и на арт-рынке.

Хотя мир искусства был стабильным, не ожидая серьёзных изменений в так называемом «большом яблоке» Европы – Лондоне, – из-за Брексита некоторые галереи закрылись, но перевели свои штаб-квартиры из Лондона в Париж, некоторые из них: — White Cube, Дэвид Цвирнер, Pace Gallery.

Год был обогащён 58-й Венецианской биеннале, куратором которой выступил Ральф Ругофф «Что бы вы жили в интересные времена», которая, как следует из названия, оказалась истинным отражением климата великих перемен, которые мы переживаем, с работами, сфокусированными на текущих темах в отношении международной политики, чрезвычайных экологических ситуаций и социальных проблем, таких как проблема мигрантов, феминистское движение, расовое и гендерное равенство.

По случаю биеннале фонды и музеи города подготовили исключительные выставки, такие как ретроспектива о Яннисе Кунеллисе в фонде Prada, Аршил Горки в Ca ‘Pesaro, монография о Георге Базелице в галереях Академии, Люк Туйманс в Palazzo Grassi, Пино Паскали в Palazzo Cavanis и Alberto Burri в Фонде Cini.

Со своим остроумным появлением также был отмечен уличный художник Бэнкси, официально не приглашённый на выставку, но также и неизбежная фигура, который в этом году заставлял много говорить о себе.

В дополнение к этому представлению, за которым последовала фреска в районе Дорсодуро, Бэнкси смог предвидеть и прокатиться на волне Brexit с работой «Переданный парламент», стратегически выставленной на продажу Sotheby’s по случаю последних лондонских аукционов перед выходом Великобритании из ЕС, отмечая рекорд для художника с 11,1 миллиона евро.

Всегда вовремя, на этот раз в преддверии Рождества, художник предлагает свою версию Санта-Клауса на стене в Бирмингеме, превращая трагическую красоту праздников в плоть и кровь.

Однако Маурицио Каттелан по случаю Art Basel Miami – после 15 лет отсутствия – представил свою новую скульптуру «Комедиант».

Съедобный банан, прикреплённый к стене клейкой лентой и оценённый в 120 000–150 000 $, был выигрышным стратегическим ходом, чтобы о нём говорил весь мир, и ясно, что старая концепция ценности, которую мы придаём вещам, ещё раз подтверждается как всё ещё очень популярная.

Каттелан попал в заголовки газет уже в сентябре, когда его работа «Америка», массивный золотой унитаз, была украдена во время его недавнего сольного шоу в Blenheim Palace, в Охфорде.

2019 год был отмечен очень важными ретроспективами, посвящёнными великим художникам, таким как Олафур Элиассон в Tate Modern в Лондоне, Энтони Гормли в Королевской академии, Марио Мерц и Керит Вин Эванс в ангаре Бикокка в Милане, вышеупомянутый Маурицио Каттелан в Бленхеймском дворце в Оксфорде, Лучио Фонтана в Метрополитен-музее в Нью-Йорке и многие другие.

В результате четырёхлетней работы, на выставке было представлено около 80 работ, я бы сказала, что выставкой года является «Периоды молодого Пикассо – синий и розовый» в Фонде Байелера в Базеле, где также престижная монография о Рудольфа Стингеля имела огромную реакцию публики

На международных аукционах атмосфера неопределённости была зафиксирована появлением меньшего количества произведений стоимостью более 20 миллионов долларов, что, возможно, является признаком периода меньшей уверенности.

Несмотря на это, общие результаты в этом году снова были довольно позитивными, настолько, что мы стали свидетелями отличных рекордов, включая Джеффа Кунса, который подтвердил себя самым высокооплачиваемым живым художником в мире со скульптурой «Кролик» 1986 года, проданного в мае на аукционе Christie’s New York за 91,1 миллиона долларов.

Это был год великих перемен для исторического аукционного дома Sotheby’s, основанного в 1744 году, который перешёл в частные руки после продажи в июне прошлого года: предприниматель и коллекционер Патрик Драхи купил гиганта этого сектора за 3,7 миллиардов долларов.

На главных международных выставках были отмечены отличные продажи, и недавно завершившаяся Art Basel Miami подтверждает позитивную атмосферу арт-рынка.

Frieze London также получила отличную обратную связь от публики и покупателей, настолько, что в обстановке неопределённости многие назвали это пузырём счастья.

Большой успех также для Fiac Парижа, как в сфере продаж, так и по отзыву публики, это положительный результат, достигнутый также благодаря смене интересов.

Премия Тернера, родившаяся в 1984 году, впервые была присуждена всем четырём финалистам: Лоуренсу Абу Хамдаму, Хелен Каммок, Оскару Мурильо и Тай Шани. Новаторское предложение поступило именно от художников в письме к жюри, в котором объяснялось, что в столь трудное время их выбор представлять себя как коллектив является символическим жестом во имя обмена мнениями и солидарности как в искусстве, так и в обществе.

Технологии, включая новые стартапы, искусство, созданное искусственным интеллектом, или Cryptoart – рынок, который включает в себя только цифровые произведения искусства, которые можно купить за виртуальную валюту, также играют все более важную роль в мире искусства.

Мы живём в эпоху интерактивных изображений, и многие музеи переходят на новые способы использования и обучения. В Италии, например, M9 в Местре и MAV в Эрколано — это музеи нового поколения, в которых используются передовые технологии и иммерсивные инсталляции.

Желание испытать культурный опыт на 360° все чаще приводит к созданию виртуальных туров по многим городам искусства, последние из которых рекламируются в Милане по случаю 500-летия со дня смерти Леонардо да Винчи.

В последние годы онлайн-продажи искусства показали значительный рост (в двойных цифрах) и принесли доход около 6 млрд. долларов, что является признаком того, что рынок искусства – очень традиционный по структуре и динамике – находится в процессе становления, открывая всё больше и больше новых языков.

Я представляю, что будущее искусства принесёт нам много прекрасных сюрпризов, и в 2020 году мы увидим много интересного!

 

Оттенки радуги искусства бесконечны: выберите свой любимый !

Артексит

Октябрь подходит к концу, и Брексит – теперь у дверей – может изменить условия игры.

Положительно или отрицательно?

Это вопрос, который задают все, но, очевидно, сомнения относительно того, что может или не может произойти на данный момент, остаются неопределёнными, пока не будет достигнуто соглашение между сторонами.

Лондон, который считается «Большим яблоком» Европы, играет очень важную роль и занимает позиции на арт-рынке, и его успех обусловлен, в частности, английской нормативной моделью, согласно которой налог на импорт составляет 5% — самый низкий в ЕС — и Брексит может предоставить Великобритании ещё одну возможность стать ещё более конкурентоспособной на мировом рынке, проводя нормативные изменения ближе к своим конкурентам – США (0%) и Китаю (3%).

Законодательство Европейского Союза, с его сложной бюрократией и дорогостоящей администрацией, якобы наказывало лондонский рынок, ставя его в невыгодное положение по сравнению с его крупными конкурентами, Нью-Йорком и Гонконгом.

В этом плане Брексит может предоставить интересную возможность для Великобритании, свободной от ограничений ЕС, но это также может привести к значительному ослаблению рынка, поскольку с выходом из Европейского Союза средства и финансирование, доступность к которым Соединенному Королевству прекратится, могли бы быть выгодными для многих музеев и галерей, не говоря уже об отдельных художниках.

Пример монументальной скульптуры Энтони Гормли «Ангел севера» (1994-1998), находящейся в Гейтсхеде, финансировался именно благодаря фондам ЕС.

Уже во время референдума многие всемирно известные художники, такие как Тацита Дин, Вольфганг Тиллманс, Майкл Крейг-Мартин, Бэнкси, вышеупомянутый Энтони Гормли и многие другие, выступили за то, чтобы остаться в Европейском Союзе, активно присоединившись к кампании «Оставайся», создавая произведения искусства, плакаты и лозунги.

Сильную обеспокоенность также выразили исторические институты и руководители организаций – от директора галереи Тейт Николаса Сероты до Мартина Рота – директора Музея Виктории и Альберта, также обеспокоенного последствиями отсутствия европейских субсидий, выделяемых на исследования.

Но дело не только в финансировании. Помимо исчезновения юридических и экономических возможностей, возможного ослабления инвестиций и воздействия на экономику в целом, необходимо учитывать и другие препятствия, такие как экспортные лицензии.

Многие ведущие игроки арт-рынка на самом деле оценивают возможный вывоз работ, сданных на хранение в Лондон, как Ларри Гагосян, который, очевидно, уже начал перемещать активы из Лондона в офисы Афин, Базеля, Женевы и Парижа.

Конечно, Лондон больше не будет представлять собой международный аэропорт для импорта произведений в пределах Европейского Союза, и именно французская столица готовится принять эстафету, имея второе по величине европейское налогообложение с 5,5%.

Некоторые важные галереи — в том числе White Cube, David Zwirner, Pace Gallery — уже планируют открыть парижские офисы, и город готов пожинать плоды от передвижения капитала, такая ситуация может благоприятствовать французскому рынку.

И наоборот, галереи, которые планировали выстаки с ноября, были организованы заранее, чтобы перевести работы в Великобританию, чтобы избежать риска новых правил по таможенным пошлинам.

На данный момент, несмотря на неопределённость, Лондон продолжает сохранять свою центральную роль – просто подумайте обо всех музеях, галереях, международных ярмарках и аукционных домах, у которых здесь находится штаб-квартира – и хорошие результаты, полученные на только что завершившихся аукционах и с ярмарки Frieze, это подтверждают.

Независимо от того, благоприятны ли прогнозы или нет, важные последствия для мирового рынка, возникшие Великобританией оставляя Европейский Союз, ещё более ясно показывают тесную взаимосвязь между искусством, политикой и экономикой.

 

Оттенки радуги искусства бесконечны: выберите свой любимый !

Диалог между искусством и дизайном

Истоки дизайна можно найти в промышленной революции и рождении механизированного производства, которое происходило с середины 18-го века до середины 19-го века.

Качественное и эстетическое различие между предметами, созданными промышленностью, и предметами ремесла почти сразу поставило проблему квалификации новых продуктов, основанных на новой эстетике, оставляя позади традиционные каноны.

Художником-архитектором был Антони Гауди, который смог уловить влияние искусства и воплотить его в архитектуру в очень личном стиле, включая стиль модерн в дизайн зданий.

После Первой мировой войны именно Баухауз положил начало более систематической теории дизайна и связал его с другими дисциплинами, такими как искусство, архитектура и технология производства, чтобы объединить художественные, эстетические, практичные и коммерческие интересы.

Инновационная школа, основанная в Германии в 1919 году Вальтером Гропиусом – 100-летний юбилей которого отмечался в апреле этого года, – представляла собой идеальное сочетание всех искусств, творческую кузницу, ставшую ориентиром для так называемого современного движения. Учителя, в том числе некоторые из величайших художников того времени, такие как Пол Клее, Василий Кандинский, Йозеф Альберс, Ласло Мохоли-Надь, приехали со всей Европы. Сильное влияние русского конструктивизма – родившегося в 1913 году и развившегося в последующие годы – на художественный опыт Веймарской республики и на Баухаус очевидно.

После роспуска школы и преследований нацистского режима в 1933 году многие деятели искусства привезли идеи, разработанные движением Баухауз, в Соединенные Штаты.

Стилистическое влияние школы продолжает оказывать влияние и на современное искусство, настолько, что в 2007 году китайский художник Ай Вейвей воздал должное конструктивизму, предложив переосмысление проекта «Башня Татлин» 1920-х годов, вдохновлённого Вавилонской башней: Скульптура Ай Вейвэя «Фонтан света» теперь хранится в новом Лувре в Абу-Даби.

В 1932 году в нью-йоркском MoMA открывается первый отдел музея архитектуры и дизайна.

Через несколько лет, в 1977 году, в Париже создаётся Центр Помпиду – многопрофильный культурный центр, который собирает произведения современного искусства, дизайна, архитектуры, фотографии, музыкальной деятельности, кинематографии и мультимедиа.

Всего неделю назад в Милане, в Триеннале открылся Музей дизайна, специализирующийся на итальянском дизайне с более чем 1600 экземплярами.

Как мы уже видели, хотя некоторые дизайнерские иконы проникли в дома тысяч людей, этого нельзя сказать об эксклюзивных и знаменитых монохромных столах, разработанных французским художником Ивом Кляйном в 1961 году, прозрачных плексигласовых структурах, содержащих любимое художником трио цветов – пурпурный розовый, золотой и синий, который носит его имя.

Пикассо распространил свою обширную художественную практику на керамику, которая, благодаря ему, стала в те годы признаваться настоящим искусством, а не просто ремеслом.

Другим примером художника, посвятившего себя этому материалу, является Лусио Фонтана, который сделал свои первые шаги в мастерской своего отца-декоратора-керамиста, посвятив себя разработке и изготовлению определённых компонентов мебели: его изумительные керамические камины до сих пор достигают очень высоких котировок на аукционе, даже если они относятся к периоду намного раньше, чем его исследования пространства.

Смесь различных дисциплин привлекала многих художников с разными методами и техниками: на пример, Ле Корбюзье, архитектора, художника, скульптора и дизайнера, которому в 2015 году была посвящена главная ретроспектива в Центре Помпиду по случаю 50-летия его кончины. Выставка также ознаменовала приверженность швейцарского архитектора к области классического искусства, и в музейных пространствах была подчёркнута полнота и обширность его художественного выражения известной мебелью, картинами, фотографиями, рисунками и архитектурными проектами.

Пит Мондриан, с другой стороны, черпал вдохновение из нью-йоркской архитектуры для создания своих знаменитых линейных композиций, которые для непосвящённых представляют собой настоящие карты Нью-Йорка и его небоскрёбов.

Взаимопроникновение функциональности и красоты, дизайна и вдохновения подпитывают и влияют друг на друга также в случае Memphis Group, итальянского коллектива дизайна и архитектуры, родившегося в Милане и действующего в период с 1981 по 1987 год, основанного Этторе Соттсасс.

Использованием ярких цветов и геометрических форм в гармонии с поп-культурой того времени создаются предметы, которые прославляют массовую культуру. Яркие цвета и вкус типографской техники рекламы и комиксов с восстановлением типичного пунтинато – основа их легко узнаваемого стилистического знака в паре с поп-артом.

В последние годы появилось много дизайнеров, которые сделали границу между современным искусством, дизайном и архитектурой ещё более хрупкой: один из них Рон Арад. Более 25 лет он перемещался между различными дисциплинами, создавая объекты на грани между дизайном и скульптурой. Его литейные работы, выпущенные ограниченным тиражом, такие как кресло Big Easy или кресло-качалка Voido, стали манифестом его поэтики, направленной на преодоление простой функциональности.

Другим примером дизайна, который становится искусством, является студия Les Lalanne,  основанная французской парой Клодом Лаланном (которого не стало в эти дни) и Франсуа-Ксавье Лаланн, которые часто черпают из цветочных форм ар-нуво и сказочного аспекта сюрреализма для своих творений.

Они показали нам волшебную сторону природы и животного мира поэтическим и ироничным языком, способным общаться со всеми, преодолевая иерархию между искусством, скульптурой и функциональностью.

Среди их коллекционеров выделяются Ив Сен-Лоран, Карл Лагерфельд, Марк Джейкобс и Том Форд; Лаланны были предметом многих ретроспектив, и их работы можно найти в музейных коллекциях по всему миру.

Часто случалось обратное, а именно художники, которые сотрудничали с коммерческими компаниями, создавали ограниченные издания от коллекционеров. Одним из них является Джефф Кунс, который создал ограниченный тираж – всего 650 экземпляров – для знаменитой марки шампанского Dom Pérignon, которая повторяет работу Balloon Venus.

Даже «нормальный» ресторан может стать художественным опытом, в данном случае лондонский ресторан разработан Дэмиеном Херстом и называется «Аптека», как и собрание некоторых его работ.

Однако в отеле Palms Casino Resort в Лас-Вегасе поклонники молодых британских художников могут отдохнуть среди самых известных работ Херста в номере «Empathy Suite» отеля.

Что касается более экономичного решения для желающих приобрести работу великого имени в современном искусстве, могут обратиться к домашней линии, разработанной Маурицио Каттеланом для туалетной бумаги в сотрудничестве с Seletti.

Тем не менее, Миланская неделя дизайна с её тысячами инсталляций и предложений способствует переосмыслению отношений между искусством и дизайном, которые больше не рассматриваются как отдельные категории, а как объект непрерывной эволюции.

О том, чего не видно

Фонд Николая Труссарди представляет — монументальное вмешательство «Друг» художника Ибрагима Махамы на таможенных башнях Венецианских ворот — инсталляцию для конкретного места, под кураторством Массимилиано Джиони, которую можно увидеть со 2–14 апреля 2019 года.

Ганский художник, как это произошло и по случаю других важных событий, в том числе на 56-й Венецианской биеннале в 2015 году и «Документа 14» в 2017 году, обернул миланские бастионы джутовыми мешками из африканских рынков, которые использовались для различных видов товаров, поставляемых в международном масштабе.

Чтобы полностью покрыть 5000 квадратных метров двух конструкций, было использовано до 10 000 джутовых мешков, установленных 8 альпийскими гидами с помощью специальных зажимов, чтобы избежать использования гвоздей, которые навсегда изменили бы памятники.

Выбранное место символично для памяти и символики города как вход, который на протяжении веков обозначал границу с сельской местностью и определял отношения между Миланом и внешним миром.

Венецианские ворота, как многоэтнический район с сильным присутствием других культур, помогает понять работу Ибрагима Махамы как в контексте Милана, так и сегодняшней Италии: отражение концепции порога, отношений между собой и другим, внешняя/внутренняя дихотомия чрезвычайно актуальны в исторический момент, полный напряжённости по отношению ко всему, что можно определить как «чужое».

Пункты взимания платы, места, тесно связанные с внешним миром, также вызывают все сложности этических и политических аспектов, связанных с движением товаров, предназначенных для перемещения по всему миру, в явном контрасте с отчуждением рабочей силы, которая их создаёт.

Инсталляция Ибрагима адресована всему обществу, обращая внимание всех и вызывая интересные публичные дебаты в контексте, связанном с вмешательствами Кристо в 1970-х годах. Если «упаковка» болгарского художника была критикой растущего потребительства, то сегодня вмешательство Махамы говорит о тревожной глобальной напряжённости, осуждая её.

Изношенные и помятые джутовые мешки, которые в работе Ибрагима являются синонимами повязочной марли, закрывающей раны, также относятся к исследованию, проведённому Альберто Бурри.

Задача названия «Друг» — заставить нам помнить о людях, которые работали и до сих пор работают в производстве мешков и торговле товаром, людей, забытых и стёртых из коллективной памяти, несмотря на то, что каждый из нас ежедневно имеет дело с этими товарами и продуктами.

Для Ибрагима Махамы эта работа – способ напоминания нам, что за каждым предметом, за каждым из этих мешков, находятся сотни миллионов историй и возможных друзей, голосов и мыслей.

 

Оттенки радуги искусства бесконечны: выберите свой любимый !

Любопытный мир фотографии

Это сектор, который переживает значительное развитие и сильный рост, демонстрируемый увеличением мировых продаж, что является положительной тенденцией, о которой сообщают все международные наблюдатели.

Способность говорить с широкой аудиторией и, в частности, привлекать многих новичков в коллекционировании, — это характеристики и сильные стороны медиума, который все больше заявляет себя во всем мире, способный взволновать более широкий круг людей чем классические или традиционные виды искусства, которые считаются более «элитарными».

В Италии этот сегмент остаётся меньшинством по сравнению с другими странами, но открытие новых мест, полностью сфокусированных на фотографии, означает движение к его полному признанию.

К этому добавляются инициативы аукционных домов, таких как Bolaffi, Finarte и Il Ponte, которые резервируют для этого специального сектора все больше и больше мест и специализированных каталогов, отражая постоянно растущую многочисленность энтузиастов коллекционирования.

Последний аукционный дом, идущий в этом направлении, — Камби из Генуи, который в декабре прошлого года дебютировал в Милане с целым каталогом, посвящённым фотографии, получив превосходный отклик общественности.

Надо сказать, что итальянские каталоги, возможно, в значимой мере осторожны, поскольку их предложения часто более ориентированы на исторических и «классических» авторов: это, как правило, черно-белые работы фотографов-гуманистов или нескольких других жанров, а предложений «авангардистов» или начинающих художников меньше.

С точки зрения предложения, Blindarte является наиболее динамичным; На данный момент Finarte, похоже, является единственным, кто действительно инвестировал и делал ставки, в том числе с точки зрения международной конкурентоспособности: в 2017 году он достиг наилучшего результата в качестве каталога, посвящённого фотографии.

Многие коллекционеры, традиционно больше связанные с живописью и скульптурой, «более классическими» техниками, приближаются к фотографии, что, таким образом, становится неотъемлемой частью и завершением уже структурированных коллекций произведений искусства. Но происходит и обратное, иными словами, любители, которые всегда были связаны исключительно с новым медиумом, рождённым только в 1826 году, также начинают приближаться к живописи. Это новая тенденция, рождённая благодаря экспериментам международных художников, которые создают смесь между двумя жанрами, где фотография и живопись ведут диалог в одной работе, меняя и влияя на способ коллекционирования.

Сегодня завершается Mia Photo Fair, самая важная международная выставка фотографий в Италии, которая сейчас проходит в девятом издании под руководством Фабио Кастелли и будет открыта для публики 22 марта в The Mall на площади Лина Бо Барди.

Существуют 85 галерей, из которых одна треть являются международными: 58 итальянских, 27 из европейских стран и 4 из неевропейских стран, а также принимающая страна, Южная Корея, к которой добавлены экспоненты и специальные проекты, в общем 135 экспонентов.

Ярмарка, родившаяся в 2011 году, всегда отличается большим количеством участников и способствует перезапуску и продвижению этого медиума, особенно с точки зрения широкой публики.

Как и в предыдущих выпусках, будет много возможностей для изучения различных областей и аспектов художественной практики.

Фокус «За пределами фотографии» очень интересен, он исследует способы и значение фотографии по отношению к миру современного искусства.

Новый в этом году приз Mia Photo Fair Architecture Photography Award, присужденный проекту Анны Ди Просперо «Городской автопортрет» (2010–2015 годы) и премии Россаны Орланди, получили Изабелла Акценти и Массимо Пелагагге, что позволит двум художникам выставиться в одноименной галерее.

Есть много международных выставок, посвящённых фотографии, таких как Paris Photo, Photo London и PhotoFairs Shanghai, а также спутниковых выставок, таких как Photo Basel, «младшая дочь» в сочетании с Art Basel. Местная Arte Fiera из Болоньи в последнем издании посвятила специальный раздел «Фотография и движущиеся изображения», в котором приняли участие 18 специализированных галерей.

Вот следующие встречи с аукционами весенней фотографии:

02 апреля, Нью-Йорк: Christie’s

04 апреля, Нью-Йорк: Филлипс

5 апреля, Нью-Йорк: Sotheby’s

15 апреля, Милан: Boetto

18 апреля, Милан: Финарте

16 мая, Лондон: Sotheby’s

16 мая, Лондон: Филлипс

05 июня, Милан: Cambi Casa d’Aste

13 июня, Милан: Il Ponte

 

Оттенки радуги искусства бесконечны: выберите свой любимый !

Женщины в искусстве

Женский день — это не просто празднование с дарением мимоз, это и возможность подумать о положении женщин, о правах, которые они завоевали, и о целях, которые ещё предстоит достичь.

Недавно движение #MeToo, начавшееся в Америке в октябре 2017 года, помогло разбудить общественное сознание, а затем распространилось и достигло мирового значения, что привело к волне сообщений о насилии и домогательствах, которым подвергаются женщины.

Движение было признано настолько важным, что оно вошло в третье место в ArtReview 2018 Power List, в котором были перечислены самые влиятельные личности в мире искусства, ежегодно составляемые авторитетным британским журналом, известным тем, что он показывает и предвосхищает новые тенденции.

Кроме того, Frieze London по случаю выпуска 2018 года продвинулась в направлении признания женского мира, представив «Социальные работы», раздел, посвящённый восьми художницам, работавшим в период с 80-х по 90-е годы, которые пытались бросить вызов рынку искусства и выделялись на феминистском фронте сильными политическими и социальными принципами. Цель состояла в том, чтобы осудить великое мужское доминирование в мире искусства и пролить свет на ту незначительную роль, которую женщины играют с точки зрения видимости и рынка.

Ведущая фигура феминистского движения 1970-х годов – Джуди Чикаго (Чикаго, 1939), американская художница, которая всегда боролся за признание роли женщин в искусстве и считается одним из самых влиятельных личностей этого движения.

Её поддержала Нэнси Сперо (1926-2009), великая сторонница эмансипации женщин, пионер феминистского искусства и очень активная также против войн, несправедливости и всевозможных злоупотреблений.

Кьяра Фумаи (1978-2017), итальянская художница, преждевременно скончавшаяся и всегда ставившая отражение роли женщин в центре своих интенсивных выступлений, также осудила мужской шовинизм. Милован Фарронато выбрал её для представления Италии на следующей Венецианской биеннале с Лилианой Моро (1961) и Энрико Дэвидом (1966).

Около 79 приглашённых артистов будут представлены на фестивале в лагуне, а также Людовика Карлотта, итальянка, которая живёт и работает в Барселоне, и Лара Фаваретто.

На биеннале в Рабате (Марокко), который состоится в апреле, будет представлено женское издание, на котором будут представлены 60 художниц из разных стран мира. Выбор ещё более интересен тем, что биеннале проходит в мусульманской стране, традиционно не очень открытой для эмансипации женщин. Мероприятие, которое курирует Абделькадер Дамани, будет проходить в Музее современного искусства Мохаммеда VI, но также будет представлено в других выставочных залах города.

Боди-арт и перформанс были любимым выразительным средством многих художниц, особенно из-за непосредственности и эмоциональное воздействия, которых они могут вызвать у публики. В дополнение к вышеупомянутой Кьяре Фумай, также Джину Пэйн, Ванессу Бикрофт, Марину Абрамович и Ану Мендиету объединяет то, что они ставят тело в центр своих исследований.

Также Синди Шерман (1954), художница, которая в настоящее время входит в число наиболее цитируемых, использует своё тело как выразительную среду, но предпочитает фотографию. Шерман создаёт концептуальные автопортреты, в которых она размышляет о навязчивых идеях современного общества и осуждает женские стереотипы, которые навязываются кино, телевидением и глянцевыми журналами.

В дополнение к серьёзной проблеме коммодификации женского тела, кажется, что женщины не получают должного признания не только в интеллектуальной, но и в экономической сфере. Согласно недавнему исследованию, кажется, что и в мире искусства женщины зарабатывают меньше, чем мужчины, с разницей в аукционных ценах на картины, созданные мужчинами или женщинами.

Неравенство в обращении, мы надеемся, исчезнет, ​​в том числе благодаря таким инициативам, как «Художественная премия Макс Мара для женщин», — двухгодичному призу, созданному в 2007 году Ивоной Блазвик (директор галереи Уайтчепел) в поддержку женщин-художниц в Великобритании, который присуждается жюри, состоящем исключительно из женщин.

Победительницей последнего издания стала Хелен Кэммок, англо-ямайская междисциплинарная художница, которая работает в разных видах искусства, таких как фотография, перформанс, поэзия и музыка, и всегда была настроена против предрассудков, таких как быть черным и быть женщиной.

Ещё одна престижная награда, присуждаемая современным британским художникам, премия Тернера, была вручена в 2018 году Шарлотте Проджер (1974), видеохудожнице, предложившей размышления о ландшафте и гендерной идентичности.

Как и они, многие другие художницы также овладели навыком и упорством борьбы и выделяются, чтобы проявиться в мужском мире.

В качестве примера можно привести Джорджию О’Киф (1887-1986), которая является мировой рекордсменкой по творчеству самой дорогой женщины-художника с картиной «Джимсон Вид/Белый цветок № 1», проданной за 44 миллиона долларов во время аукциона Сотбис в 2014 году.

Далее следует Луиза Буржуа (1911–2010), которая благодаря монументальной скульптуре «Паук» в 2015 году достигла 28 миллионов долларов также на Сотбис в Нью-Йорке.

В области скульптуры отличились Камиль Клодель (1864-1943) и Барбара Хепуорт (1903-1975), двое великих художниц, которым пришлось столкнуться со многими трудностями, связанными с этим историческим периодом, чтобы выразить своё творчество и инновации.

Хепворт, подруга Генри Мура и жена Бена Николсона (тоже художника), пионерка авангарда, использовала прямую резьбу, скульптурную технику, представленную Бранкузи, которая не включает использование терракотовой модели. Мать троих близнецов в исторический период, который определённо не способствовал поднятии женщины, Барбара Хепуорт, тем не менее, смогла утвердиться в мире искусства.

Но какие же самые популярные художницы? В дополнение к уже упомянутым, абстрактные экспрессионисты Джоан Митчелл, Агнес Мартин, Соня Делоне, Тамара де Лемпицка, Карла Аккарди, Ники де Сен-Фаль и Фрида Кало, среди других, испытывают большое внимание средств массовой информации, и недавно, в первые месяцы 2018 год, им была посвящена большая ретроспектива в Миланском Музее Культуры.

В последнее время творчество Марии Лай (1919-2013), сардинской художницы, особенно известной своими «вышивками», работавшей в течение своей деятельности в разных видах искусства, таких как ткачество, вышивка, рисование и скульптура, привлекает сильный, возобновлённый интерес. Её работа от 1989 года «Простыня» стала новым рекордом для художницы во время аукциона Кристис «Мыслящий итальянец» 4 октября 2018 года, достигнув 150 000 фунтов стерлингов (включая проценты) при начальной оценке в 20 000–30 000 фунтов стерлингов.

По поводу ныне живущих художниц, Дженни Сэвилл (Кембридж, 1970) самая яркая звезда, которая объявлена ​​самой дорогой женщиной-художницей в мире благодаря работе «Опора» (“Propped”), проданной более чем за 9 миллионов фунтов на аукционе Сотбис в Лондоне 5 октября 2018 года. Картина особенно значительна, потому что, помимо того, что она является автопортретом самой художницы, она переворачивает и бросает вызов эстетическим канонам, которые навязывают идеализированное и безупречное видение тела женщины.

Яёй Кусама, известная так характерным для его работ стилем в горошек, также должна была бороться с сексизмом. Ныне она художница с высоким рейтингом, и в настоящее время в кинотеатрах идёт документальный фильм о её необыкновенной жизни – с 1977 года она живёт и работает в психиатрической больнице в Японии по своему выбору. Именно сама художница рассказывает о трудностях преуспеть в том, чтобы утвердиться в мире, где доминируют мужчины, как это было в американском искусстве в 1950-х годах, когда она переехала из Японии в Нью-Йорк.

Многие художницы также целеустремлены ведению важной борьбы в социальном плане, чтобы улучшить условия жизни менее удачливых.

Кара Уокер (1969), афроамериканская художница, которая всегда вела борьбу против расизма, исследует вопросы, связанные с насилием, сексуальностью и рабством, от которых страдали цветные люди на протяжении веков. Она использует различные техники – от коллажа до инсталляций или рисунков, и все они объединены изображением черных силуэтов на белом фоне. Начиная с октября, в галерее Тейт (Tate Modern) в Лондоне будут представлены работы Кары Уокер, принимая эстафету от Тани Бругеры на пятом издание Hyundai Commission.

Кэди Ноланд (1956) вместо этого занимается критическим анализом самых безнравственных аспектов американского общества, таких как болезненное любопытство к брутальным преступлениям или преувеличенное возбуждение мужского мужества.

Другими современными «звёздами» являются Дженни Хольцер, Трейси Эмин, Бриджит Райли (одна из величайших представительниц оп-арта) и Джули Мехрету, чьи большие полотна вдохновлены густонаселёнными городами, типичными для нашего времени.

Лондонская художница Сесили Браун (1969), всегда находившаяся между абстракцией и аллегорическим изображением, вчера (7 марта) добилась отличного результата на вечерней продаже на аукционе Филлипс в Лондоне, когда работа от 2014 года «Вооружённые и бесстрашные» достигла 1 755 000 фунтов стерлингов, включая покупательский взнос из предварительной оценки 600 000–800 000 фунтов стерлингов, также получая аплодисменты зала.

Список достойных женщин-художниц, к счастью, очень длинный, и было бы невозможно назвать их всех. Мы можем только надеяться, что настанет тот день, когда больше не будет необходимости делать какие-либо разъяснения, потому что мы все будем – действительно –одинаковыми.

 

Оттенки радуги искусства бесконечны: выберите свой любимый !

Роберт Райман, американский мастер минимализма, скончался

Роберт Райман, великий представитель минимализма, умер в пятницу, 8 февраля, в своем доме в Нью-Йорке, ему было 88 лет.

Увлекательное путешествие Роберта Раймана, мастера-самоучки, является идеальным воплощением американского мифа о «человеке, сделавшем себя»: приехав в Нью-Йорк с целью стать джазовым музыкантом, он был нанят в качестве сторожа в MoMA, где он подружился с Sol LeWitt и Дэном Флавином, которые будут иметь большое влияние на развитие его будущих исследований.

В залах музея Райман увлечен искусством, особенно впечатлен Казимиром Малевичем и абстрактным экспрессионизмом Марка Ротко, Роберта Раушенберга, Джаспера Джонса и Агнеса Мартина.

От них он черпает вдохновение, когда начинает рисовать в 1955 году, в году его первой монохромной картины «Без названия» («Оранжевая живопись»), но лишь позже он начнет систематическое исследование, настаивая на бесконечном потенциале, который предлагает только один цвет – белый.

Разнообразие используемых технологий, таких как масло, акрил, казеин, темпера, гипс и эмали, в сочетании с одинаково широким разнообразием основы, таких как металл, бумага, лен и хлопок, каждый раз формируют различный оттиск в лихорадочном поиске выразительного потенциала цвета, характеризуемого ремесленным качеством и грубой элегантностью.

Строгое исследование монохромной картины белого на белом Роберта Раймана сводит на нет кажущуюся простоту его картин, нацеленных на представление бесконечных вариаций живописи как предмета самого по себе.

Художник не всегда избегал использования цвета, который, особенно в начале его карьеры, был скрыт под более поверхностным слоем белого, восстановлением видимого/невидимого бинома, который относится к скрытой реальности, которая не ощутима. Концепция впоследствии использовалась и другими художниками.

Роберт Райман, Без названия

1961

Отношения между живописью и светом были в центре исследований, которые привели Раймана к убеждению, что каждая деталь вносит свой вклад в опыт зрителя и что каждая работа взаимодействует с окружающей средой, особенно со стеной (обычно белой) и со светом.

Давайте вспомним, что параллельно в Европе также появилось революционное художественное движение с некоторыми схожими потребностями, открытыми для радикальных изменений в использовании монохромного – часто белого, материалов, взаимодействия света и теней: Gruppo Zero, движения, к которому присоединились великие итальянские художники, такие как Пьеро. Манцони, Лусио Фонтана и Энрико Кастеллани.

Пьеро Мандзони, Ахром

1958-59

Роберт Райман провел свое первое персональное шоу в 1967 году в галерее Бьянкини в Нью-Йорке, а затем в 1972 году состоялось важное персональное шоу в Гуггенхайме, Нью-Йорк; неоднократно участвовал в Венецианских биеннале и биеннале Уитни, а также в важных персональных и групповых выставках по всему миру.

В 1993 году, ровно через 40 лет после приема на работу в качестве хранителя, в МоМА была организована большая ретроспектива, посвященная художнику.

 

«Настоящая цель живописи – доставлять удовольствие»

Роберт Райман

 

Оттенки радуги искусства бесконечны: выберите свой любимый !