Monthly Archives

Апрель 2019

Диалог между искусством и дизайном

Истоки дизайна можно найти в промышленной революции и рождении механизированного производства, которое происходило с середины 18-го века до середины 19-го века.

Качественное и эстетическое различие между предметами, созданными промышленностью, и предметами ремесла почти сразу поставило проблему квалификации новых продуктов, основанных на новой эстетике, оставляя позади традиционные каноны.

Художником-архитектором был Антони Гауди, который смог уловить влияние искусства и воплотить его в архитектуру в очень личном стиле, включая стиль модерн в дизайн зданий.

После Первой мировой войны именно Баухауз положил начало более систематической теории дизайна и связал его с другими дисциплинами, такими как искусство, архитектура и технология производства, чтобы объединить художественные, эстетические, практичные и коммерческие интересы.

Инновационная школа, основанная в Германии в 1919 году Вальтером Гропиусом – 100-летний юбилей которого отмечался в апреле этого года, – представляла собой идеальное сочетание всех искусств, творческую кузницу, ставшую ориентиром для так называемого современного движения. Учителя, в том числе некоторые из величайших художников того времени, такие как Пол Клее, Василий Кандинский, Йозеф Альберс, Ласло Мохоли-Надь, приехали со всей Европы. Сильное влияние русского конструктивизма – родившегося в 1913 году и развившегося в последующие годы – на художественный опыт Веймарской республики и на Баухаус очевидно.

После роспуска школы и преследований нацистского режима в 1933 году многие деятели искусства привезли идеи, разработанные движением Баухауз, в Соединенные Штаты.

Стилистическое влияние школы продолжает оказывать влияние и на современное искусство, настолько, что в 2007 году китайский художник Ай Вейвей воздал должное конструктивизму, предложив переосмысление проекта «Башня Татлин» 1920-х годов, вдохновлённого Вавилонской башней: Скульптура Ай Вейвэя «Фонтан света» теперь хранится в новом Лувре в Абу-Даби.

В 1932 году в нью-йоркском MoMA открывается первый отдел музея архитектуры и дизайна.

Через несколько лет, в 1977 году, в Париже создаётся Центр Помпиду – многопрофильный культурный центр, который собирает произведения современного искусства, дизайна, архитектуры, фотографии, музыкальной деятельности, кинематографии и мультимедиа.

Всего неделю назад в Милане, в Триеннале открылся Музей дизайна, специализирующийся на итальянском дизайне с более чем 1600 экземплярами.

Как мы уже видели, хотя некоторые дизайнерские иконы проникли в дома тысяч людей, этого нельзя сказать об эксклюзивных и знаменитых монохромных столах, разработанных французским художником Ивом Кляйном в 1961 году, прозрачных плексигласовых структурах, содержащих любимое художником трио цветов – пурпурный розовый, золотой и синий, который носит его имя.

Пикассо распространил свою обширную художественную практику на керамику, которая, благодаря ему, стала в те годы признаваться настоящим искусством, а не просто ремеслом.

Другим примером художника, посвятившего себя этому материалу, является Лусио Фонтана, который сделал свои первые шаги в мастерской своего отца-декоратора-керамиста, посвятив себя разработке и изготовлению определённых компонентов мебели: его изумительные керамические камины до сих пор достигают очень высоких котировок на аукционе, даже если они относятся к периоду намного раньше, чем его исследования пространства.

Смесь различных дисциплин привлекала многих художников с разными методами и техниками: на пример, Ле Корбюзье, архитектора, художника, скульптора и дизайнера, которому в 2015 году была посвящена главная ретроспектива в Центре Помпиду по случаю 50-летия его кончины. Выставка также ознаменовала приверженность швейцарского архитектора к области классического искусства, и в музейных пространствах была подчёркнута полнота и обширность его художественного выражения известной мебелью, картинами, фотографиями, рисунками и архитектурными проектами.

Пит Мондриан, с другой стороны, черпал вдохновение из нью-йоркской архитектуры для создания своих знаменитых линейных композиций, которые для непосвящённых представляют собой настоящие карты Нью-Йорка и его небоскрёбов.

Взаимопроникновение функциональности и красоты, дизайна и вдохновения подпитывают и влияют друг на друга также в случае Memphis Group, итальянского коллектива дизайна и архитектуры, родившегося в Милане и действующего в период с 1981 по 1987 год, основанного Этторе Соттсасс.

Использованием ярких цветов и геометрических форм в гармонии с поп-культурой того времени создаются предметы, которые прославляют массовую культуру. Яркие цвета и вкус типографской техники рекламы и комиксов с восстановлением типичного пунтинато – основа их легко узнаваемого стилистического знака в паре с поп-артом.

В последние годы появилось много дизайнеров, которые сделали границу между современным искусством, дизайном и архитектурой ещё более хрупкой: один из них Рон Арад. Более 25 лет он перемещался между различными дисциплинами, создавая объекты на грани между дизайном и скульптурой. Его литейные работы, выпущенные ограниченным тиражом, такие как кресло Big Easy или кресло-качалка Voido, стали манифестом его поэтики, направленной на преодоление простой функциональности.

Другим примером дизайна, который становится искусством, является студия Les Lalanne,  основанная французской парой Клодом Лаланном (которого не стало в эти дни) и Франсуа-Ксавье Лаланн, которые часто черпают из цветочных форм ар-нуво и сказочного аспекта сюрреализма для своих творений.

Они показали нам волшебную сторону природы и животного мира поэтическим и ироничным языком, способным общаться со всеми, преодолевая иерархию между искусством, скульптурой и функциональностью.

Среди их коллекционеров выделяются Ив Сен-Лоран, Карл Лагерфельд, Марк Джейкобс и Том Форд; Лаланны были предметом многих ретроспектив, и их работы можно найти в музейных коллекциях по всему миру.

Часто случалось обратное, а именно художники, которые сотрудничали с коммерческими компаниями, создавали ограниченные издания от коллекционеров. Одним из них является Джефф Кунс, который создал ограниченный тираж – всего 650 экземпляров – для знаменитой марки шампанского Dom Pérignon, которая повторяет работу Balloon Venus.

Даже «нормальный» ресторан может стать художественным опытом, в данном случае лондонский ресторан разработан Дэмиеном Херстом и называется «Аптека», как и собрание некоторых его работ.

Однако в отеле Palms Casino Resort в Лас-Вегасе поклонники молодых британских художников могут отдохнуть среди самых известных работ Херста в номере «Empathy Suite» отеля.

Что касается более экономичного решения для желающих приобрести работу великого имени в современном искусстве, могут обратиться к домашней линии, разработанной Маурицио Каттеланом для туалетной бумаги в сотрудничестве с Seletti.

Тем не менее, Миланская неделя дизайна с её тысячами инсталляций и предложений способствует переосмыслению отношений между искусством и дизайном, которые больше не рассматриваются как отдельные категории, а как объект непрерывной эволюции.

О том, чего не видно

Фонд Николая Труссарди представляет — монументальное вмешательство «Друг» художника Ибрагима Махамы на таможенных башнях Венецианских ворот — инсталляцию для конкретного места, под кураторством Массимилиано Джиони, которую можно увидеть со 2–14 апреля 2019 года.

Ганский художник, как это произошло и по случаю других важных событий, в том числе на 56-й Венецианской биеннале в 2015 году и «Документа 14» в 2017 году, обернул миланские бастионы джутовыми мешками из африканских рынков, которые использовались для различных видов товаров, поставляемых в международном масштабе.

Чтобы полностью покрыть 5000 квадратных метров двух конструкций, было использовано до 10 000 джутовых мешков, установленных 8 альпийскими гидами с помощью специальных зажимов, чтобы избежать использования гвоздей, которые навсегда изменили бы памятники.

Выбранное место символично для памяти и символики города как вход, который на протяжении веков обозначал границу с сельской местностью и определял отношения между Миланом и внешним миром.

Венецианские ворота, как многоэтнический район с сильным присутствием других культур, помогает понять работу Ибрагима Махамы как в контексте Милана, так и сегодняшней Италии: отражение концепции порога, отношений между собой и другим, внешняя/внутренняя дихотомия чрезвычайно актуальны в исторический момент, полный напряжённости по отношению ко всему, что можно определить как «чужое».

Пункты взимания платы, места, тесно связанные с внешним миром, также вызывают все сложности этических и политических аспектов, связанных с движением товаров, предназначенных для перемещения по всему миру, в явном контрасте с отчуждением рабочей силы, которая их создаёт.

Инсталляция Ибрагима адресована всему обществу, обращая внимание всех и вызывая интересные публичные дебаты в контексте, связанном с вмешательствами Кристо в 1970-х годах. Если «упаковка» болгарского художника была критикой растущего потребительства, то сегодня вмешательство Махамы говорит о тревожной глобальной напряжённости, осуждая её.

Изношенные и помятые джутовые мешки, которые в работе Ибрагима являются синонимами повязочной марли, закрывающей раны, также относятся к исследованию, проведённому Альберто Бурри.

Задача названия «Друг» — заставить нам помнить о людях, которые работали и до сих пор работают в производстве мешков и торговле товаром, людей, забытых и стёртых из коллективной памяти, несмотря на то, что каждый из нас ежедневно имеет дело с этими товарами и продуктами.

Для Ибрагима Махамы эта работа – способ напоминания нам, что за каждым предметом, за каждым из этих мешков, находятся сотни миллионов историй и возможных друзей, голосов и мыслей.

 

Оттенки радуги искусства бесконечны: выберите свой любимый !