У тебя есть чувство юмора?
Часть I
Чувство юмора является признаком интеллекта. Это искусство тех, кто моделирует то, что они видят, с элегантной сатирой, чтобы заставить нас задуматься о глубоких концепциях и экзистенциальных темах, предлагая оригинальную и менее жёсткую реальность.
Использование чувства юмора утончённым и креативным способом, безусловно, является искусством, а сочетание искусства и юмора делает нашу жизнь более весёлой и приятной.
Все началось с Марселя Дюшана и Пьеро Мандзони, выдающихся предшественников иронической мысли и революционных идей, которые вдохновляли последующие поколения современных художников.
Инициатор дадаизма, ведущая фигура сюрреализма и предшественник концептуального искусства, Марсель Дюшан (Франция, 1887 — 1968) бросил вызов социальным соглашениям и изменил концепцию искусства, повысил предметы общего пользования в реальные произведения. Его непочтительные провокации оказали влияние на авангардное искусство и предвосхитили многие художественные движения второго послевоенного периода.
«Колесо велосипеда», первое готовое изделие, использованное в искусстве, восходит к 1913 году, которому было суждено навсегда изменить ход истории искусства. Деконтекстуализация рядовых элементов вызывает отчуждающий эффект и концептуальное искажение: велосипедное колесо утратило свою функцию, а стул, на котором он установлен, непригоден для использования.
Самым известным вмешательством останется «Фонтан» (1917), мужской писсуар с подписью художника, скандальная работа, которая в то время вызвала ажиотаж и придала названию всю иронию гения прошлого века.
Марсель Дюшан, «Фонтан», 1917
Мужской писсуар
Что касается провокаций, то после знаменитого писсуара есть “Дерьмо́ художника” (итал. “Merda d’artista”) (1961) Пьеро Мандзони (Сончино 1933 — Милан 1963), который является самым классическим примером художественного скандала, работа, которая даже вызвала парламентский вопрос.
Помимо чисто «тематического» совпадения, две упомянутые работы являются криком протеста, признаком сильной реакции против правил и господствующей системы времени.
Искусство, которое до этого было носителем смыслов, но главным образом декоративным и с сильной эстетической функцией, теперь больше не заботится об удовлетворении взгляда, но передаёт концепции и идеи, даже оспаривания.
Мандзони переопределяет сами границы произведения искусства с абсолютно инновационной творческой свободой для времени, утверждая, что является одним из главных героев международного авангарда и одним из предшественников концептуального искусства. Он является частью неформального ядерного движения с 1957 по 1959 год и основал журнал Азимут с Энрико Кастеллани (1959-60), с которым он также открыл галерею Азимут в Милане.
В «Merda d’artista», в дополнение к иронии надписи, которая представляет формулировку любого консервированного продукта, концептуальная провокация продолжается в цене, назначаемой за произведение, эквивалентной цене золота за грамм: таким образом Мандзони связывает два материала, которые полностью противоположны друг другу, но оба полны смыслов.
Противоречие также относится к арт-рынку и произвольной эстетической ценности, придаваемой тому, что считается произведением искусства, а также затрагивает вопрос между содержанием и формой.
Также как эта, и другие его работы предполагают сокрытие произведения искусства, как в случае с работой “Линии” (итал. «Linee»), выполненной между 1959 и 1961 годами, которая состоят из линии, нарисованной на листе бумаги, и их существование и длина удостоверяется только внешней этикеткой цилиндра, которая их содержит.
Его постановка всегда характеризовалась сильной иронией и позицией, и его творчество охватило несколько формы искусства: он столкнулся с хэппенингом и перформансом, когда заклеймил варёные яйца, чтобы предложить зрителям свои отпечатки пальцев в хэппенинге «Употребление динамического искусства обществом пожирающем искусство» (итал. «Consumazione dell’arte dinamica del pubblico divorare l’arte»).
Он подписал тела моделей — «Живые скульптуры» (итал. “Sculture viventi”) (1961) — с обычным сертификатом и накладной, предвидя боди-арт, а также создал самую большую скульптуру в мире — непревзойденное первенство — размещая своего рода постамент с обратной надписью: «Socle du monde» (Постамент мира) (1961).
В настоящее время серия «Ахром», начатая в 1957 году, на самом деле является его наиболее цитируемым произведением. С его монохромами Мандзони превосходит живопись и ограничивает своё личное вмешательство: пропитанную каолином ткань оставлена сохнуть, позволяя материалу изменяться со временем.
Сегодня легко догадаться о революционном значении гения, который рано ушёл из жизни, но в 1950-х и 1960-х годах было, возможно, слишком рано, чтобы получить должное ему признание.
Галерея Hauser & Wirth посвятила ретроспективу его работе «Пьеро Мандзони: Линии», которая продлится до 26 июля в нью-йоркском офисе, где выставлены 70 работ «Achrome» и 12 «Linee».
Пьеро Мандзони, «Merda d’artista», 1961
Консервная банка, отпечатанная бумага, человеческие фекалии или мел?
Не менее провокационным и одарённым чувством юмора является Сальвадор Дали (Испания 1904 — 1989), величайший образец сюрреализма, известный также эксцентричной и причудливой личностью, которая вылилась в сказочные произведения, населённые деформированными и беспокоящими животными и предметами, плодом подсознания художника.
Его ранние работы находятся под влиянием работ кубизма, футуризма и де Кирико, к которым он добавит сильные ссылки на фрейдистский психоанализ. Эклектичный и гениальный, Дали проявил себя в различных областях, включая кино, фотографию и скульптуру.
«Постоянство памяти» (1931) — сюрреалистическая работа, которая в присутствии знаменитых мягких часов исследует и ставит под сомнение утверждение об измерении времени объективным и абсолютным способом.
Вместе с режиссёром Луисом Бунюэлем он создаёт зарубежные и авангардные короткометражные фильмы, такие как «Андалузская собака» (1927), перед серией отличных кинематографических и театральных работ: он будет сотрудничать с Альфредом Хитчкоком, Лучино Висконти и Уолтом Диснеем.
Его нетрадиционный стиль, страсть к роскоши и крайностям сделали его всемирной знаменитостью, между незабываемыми вечеринками и дикими кошками, которых он держал в качестве домашних животных.
Его экстравагантность часто увековечивалась Мэн Рэем, но лёгкость и ирония испанского гения суммированы на фотографии, сделанной Филиппом Хальсманом в 1948 году: «Dalì Atomicus» — название, относящееся к ядерному взрыву в Хиросиме и Нагасаки из 1945 год — это настоящий взрыв, который увековечивает летающих кошек, ведра воды и художника, подвешенного в воздухе, намеревающегося рисовать.
На Форуме Гримальди в Монте-Карло проходит выставка, которую можно посетить до 8 сентября, которая объединяет около 100 работ, охватывающих всю его творческую деятельность с 1910 по 1983 год.
Филипп Хальсман, «Дали Атомикус», 1948
Серебряный желатиновый принт
Реальная тенденция юмора в мире искусства развивается позже с движением поп-арта, родившимся в Англии и США между концом 1950-х и началом 1960-х годов. Сама концепция искусства обновляется, сделать его более лёгким и ироничным благодаря появлению плоских и ярких цветов, упоминанию об иконах кино и комиксов. Поп-арт — проницательный и непосредственный — лучше всего выражает коллективное воображение и американское общество того времени, заимствуя язык средств массовой информации и рекламы.
Таким образом, реплика исходит из повседневной жизни, и, следовательно, даже продукты массового производства становятся настоящими иконами.
Невозможно не думать о банках супа Кэмпбелла или бутылках Кока-Колы, воспроизведенных в сериграфах Энди Уорхола (США 1928 — 1987), согласно которому искусство также потребляется, как и любой другой продукт.
Таким образом, воспроизводимость и навязчивое повторение характеризуют его работы, которые, подобно массовым продуктам, связанным с потреблением, отражают американское общество. Ведущий образец поп-арта и эксцентричная личность, Уорхол также прославил своё имя нетрадиционным образом жизни.
Энди Уорхол, «Суп Кэмпбелла II», 1969
Шелкография на бумаге
Тема воспроизводимости произведения искусства была также в центре исследований Роя Лихтенштейна (США, 1923 — 1997), другого великого представителя движения: источник вдохновения — комиксы — также вызывает интерес к механическим процессам. Лихтенштейн реализует обратный процесс в своих работах, который начинается с оригинальной копии (печатной страницы), создаёт оригинал, революционизирующий выразительный язык эпохи. За свою карьеру Лихтенштейн исследовал различные темы, некоторые из которых типично американские: от Дальнего Запада до художественного выражения индейцев, от экономического бума до восточных пейзажей.
Рой Лихтенштейн, «В машине», 1963
Холст, масло
Другой великий исполнитель поп-арта — Том Вессельманн (США, 1931 — 2004), известный своими «Великими американскими ню» («Great American Nudes«). Его стилизованные и соблазнительные женские фигуры привносят эротизм в движение в то время, когда обнажённая женщина начинает превращаться в рекламный продукт, который больше не производит сенсацию.
В 1970 году Вессельманн выставил «Шкатулку для спальни», коробку, в которой были собраны расписные деревянные предметы. Что поразительно, так это наличие груди между пепельницей и флаконом духов: начиная с этого натюрморта художник начнёт изображать детали женских тел.
В интервью он сказал: «Живопись, секс и юмор — самые важные вещи в моей жизни».
Том Вессельманн, «Курильщица № 3 (Рот № 17)», 1968
Холст, масло
Джефф Кунс — эксцентричная личность и «ужасное детище» современного искусства — о нем часто говорили из-за его неоднозначных предпочтений.
Его самые ранние работы датируются концом 1970-х годов, но в 1980 году Джефф Кунс дебютировал в мире искусства: он выставил в Новом музее инсталляцию «Новое», в которой он поставил несколько пылесосов, продуктов потребительских товаров, в которых влияние Энди Уорхола очень заметно.
Тема потребительства и выполнения чувств включает сексуальную сферу, и его порнографические скульптуры, безусловно, требуют открытого ума и сильное чувства юмора, даже чтобы только понять идею.
Некоторые из них в настоящее время экспонируются в Музее Jumex в Мехико до 29 сентября на выставке под кураторством Массимилиано Джиони «Aparencia Desnuda», вместе с работами Дюшана образуя уникальное событие подчёркивающее концептуальную близость между двумя художественными гигантами. Они подвергли сомнению функцию объектов, и в обоих из них часто присутствует сильный эротизм, также обнаруживаемый в предметах обихода: очевидная тема в вуайеристской работе «Невеста, раздетая своими холостяками, одна в двух лицах, Большой бокал» (1915) — 23) Дюшана, который считал желание источником творчества, о чём свидетельствует также его альтер эго Роза Селави. Эротичность повторяется также в работах Кунса, который вызвал скандал со серией работ «Сделано на небесах» в 1991 году, произведённой со своей женой и порнозвездой Илоной Сталлер.
Это первая крупная антологическая выставка, представленная в Южной Америке для обоих художников, и 80 экспонатов демонстрируют точки соприкосновения как в вызове всему конвенциональному, так и в искажении функций общих объектов.
Джефф Кунс — выдающийся художник, который принял и превратил увлечение и детское желание игр в фетиш для взрослых, который отражает крайнюю индивидуальность современного общества, скрытую за тривиальной игрушкой.
Вероятно, он все ещё празднует новейший рекорд на аукционе в том, что он — снова — коронован самым высокооплачиваемым живым художником в мире. «Кролик», скульптура из нержавеющей стали 1986 года, была продана в мае прошлого года за 91,1 миллион долларов на аукционе Christie’s в Нью-Йорке.
Джефф Кунс, «Баллон Дог (оранжевый)», 1994-2000
Зеркальная полированная нержавеющая сталь с прозрачным цветным покрытием
Дэмиен Херст (Бристоль, 1965), один из основателей галереи Frieze, является ещё одним «ужасным детищем» современного искусства: одна из его целей — удивлять и шокировать зрителей и публику.
Херст больше не ищет ручного мастерства автора произведения искусства, но пытается передать идеи и создать почти бренд, как это делал Энди Уорхол до него. Он использует готовые предметы повседневного обихода, и как Дюшан – готовые изделия, но моделирует и трансформирует их, преобразуя их в живые существа.
Лидер молодых британских художников всегда фокусировался на размышлениях вокруг темы смерти и был особенно замечен работами, в которых видны животные в формальдегиде, и стал знаменитым покрытым алмазами черепом «Во имя любви к Богу». Идеальное сочетание иронии и жуткости, объекта желания и отталкивания.
Экзорцизм смерти через медицину сформировался в работах, воспроизводящими зеркала медицины с таблетками, как будто они были драгоценными камнями, что означает почти священное восхищение средствами против смерти, а также размышления о сегодняшних пристрастиях.
Среди них курение занимает видное место, в том числе из-за его тесной связи со смертью, и неслучайно Херст посвятил ему более одной работы: среди них «Party time» («Время веселиться») (1995) — гигантская пепельница, заполненная окурками и пустые пакеты, почти бассейн, в котором броситься.
Дэмиен Херст, «Колыбельная Лето», деталь, 2002
Стекло, нержавеющая сталь, алюминий, никель, висмут и литая смола, цветная штукатурка и окрашенные таблетки с сухим переносом
Яёи Кусама (Япония, 1929) всегда двигалась в тесном симбиозе между искусством и жизнью, добровольно проживая в психиатрической больнице в Токио около 40 лет.
Её работы находятся между безумием, весельем и гением благодаря их огромной силе взаимодействия со зрителем.
С юных лет она страдала от галлюцинаций, видений, которые она переносила в свои произведения, давая зрителям своё видение мира, полное предложений. Не только одержимо повторяющиеся тыквы и горошек, но и захватывающие инсталляции, такие как «Зеркала Бесконечности» — комнаты, покрытые зеркалами, которые играют с тысячами перекрёстных ссылок между тыквами, горошками и отражённым изображением зрителей.
Одержимо повторяющийся, горошек покрывает обстановку целых комнат или украшает щупальца, прорастающие от пола и потолка в установках, которые всем нравятся.
Яёи Кусама, «Зеркальная комната бесконечности — вся моя вечная любовь к тыквам», 2016
Дерево, зеркала, пластик, акрил и светодиоды
Другой художник, который увлекает нас, играя с чувством ориентации, — Карстен Хеллер (Брюссель, 1961), художник, который часто создаёт игривые работы, цель которых состоит в том, чтобы активировать все 5 чувств в зрителях, вызывая адреналин и эмоции, связанные с играми детства, как в случае с горками.
Художник играет с дезориентацией и исследует противоречия внутри нас, как в случае с работой «Вверх ногами гриб» в Fondazione Prada в Милане, которая воплощает противоположность реальности.
Carsten Höller, «Upside Down Mushroom Room», 2000
Fondazione Prada, Milan, Italy
Даже Пол Маккарти (США, 1945) играет с чувствами и подсознанием зрителя с провокационными, тревожными, политически преданными произведениями, которые направлены на критику потребительства и обнажают наши страхи и неврозы, разоблачая обманы, которые скрываются за обещанием американской мечты.
Известный своим обширным и разнообразным производством, которое включает перформанс, фотографию, скульптуру, кино, мультимедийные инсталляции, рисунок и живопись; в начале своей художественной карьеры он пытается выйти за пределы живописи, используя необычные «материалы», такие как биологические жидкости и еда.
Маккарти присваивает иконы популярной и детской культуры, такие как гномы, Хайди, Санта-Клаус, Барби, переформулируя их в насильственной версии и играя с подсознанием зрителя.
Жестокие, явные и часто повторяющиеся образы вызывают сенсорную перегрузку, вызывая чувство дискомфорта и отвращения: художник преодолевает любые табу и нарушает все социальные правила.
С начала 1980-х Маккарти разработал серию совместных работ с Майком Келли, другим художником, связанным с контркультурой: синергия между ними, приводит к созданию «Хайди», видео 1992 года, которое отображает возмущающие намёки известной детской истории.
Пол Маккарти, «Белый снежный гном, застенчивый», 2016
Силикон, стеклопластик, сталь
Как и Маккарти, Майк Келли (Детройт 1954 — Лос-Анджелес 2012) всегда интересовался американской массовой культурой, тщательно исследуя её, чтобы выявить скрытые противоречия.
Он исследовал различные темы, такие как отношения между различными социальными классами, сексуальность, религию, репрессированные воспоминания и политику, делая резкую критику и большой самоуничижительный юмор по этим темам.
Особенно известный своей работой с предметами, которые вызывают воспоминания, связанные с детством и юностью, такими как мягкие игрушки, куклы и школьные фотографии, на протяжении всей своей карьеры он изучал любые виды средств: рисунок, скульптура, музыка, видео, шоу, фотография и живопись.
В проекте «Образовательный комплекс» (1995) художник анализирует травмы подростков и критикует жёсткие правила общества и образовательные навязывания, которым мы вынуждены подчиняться.
Среди его самых известных работ «Дезодорированная центральная месса со спутниками» (1991-99), очень красочные мягкие игрушки, сшитые вместе, чтобы сформировать радужные скульптуры, которые на первый взгляд вызывают волшебство детства.
Майк Келли, «Дезодорированная центральная масса со спутниками», 1991-1999
Монтаж смешанной среды: упаковочный материал из пенопласта, стекловолокно, автомобильный лак, металлическая фурнитура, нейлоновый канат, шкивы
Клас Олденбург (Стокгольм 1929) сосредоточился на теме потребления и сегодняшних предпочтений в еде и известен во всём мире монументальными и забавными работами, которые отражают типично американские образы: от волана для бадминтона до кегельбанов, от гигантского гамбургера к огромному мороженому, упавшему на небоскрёб в Кельне.
Его работы часто тесно связаны с территорией, на которой они размещены, о чём свидетельствует «Ago, filo e nodo» (2000), созданный в сотрудничестве с Куше ван Брюггеном на Пьяццале Кадорна в Милане, дань миру моды и чёткая ссылка на линии андеграунда в цветах, используемых для нити.
Клас Олденбург, «Уроненный конус», Neumarkt Galerie Кельн, Германия, 2001
Нержавеющая и оцинкованная сталь, пластик, бальза, окрашенная полиэфирно-гелевым покрытием
Оттенки радуги искусства бесконечны: выберите свой любимый
Поделиться:
