Истоки дизайна можно найти в промышленной революции и рождении механизированного производства, которое происходило с середины 18-го века до середины 19-го века.
Качественное и эстетическое различие между предметами, созданными промышленностью, и предметами ремесла почти сразу поставило проблему квалификации новых продуктов, основанных на новой эстетике, оставляя позади традиционные каноны.
Художником-архитектором был Антони Гауди, который смог уловить влияние искусства и воплотить его в архитектуру в очень личном стиле, включая стиль модерн в дизайн зданий.
После Первой мировой войны именно Баухауз положил начало более систематической теории дизайна и связал его с другими дисциплинами, такими как искусство, архитектура и технология производства, чтобы объединить художественные, эстетические, практичные и коммерческие интересы.
Инновационная школа, основанная в Германии в 1919 году Вальтером Гропиусом – 100-летний юбилей которого отмечался в апреле этого года, – представляла собой идеальное сочетание всех искусств, творческую кузницу, ставшую ориентиром для так называемого современного движения. Учителя, в том числе некоторые из величайших художников того времени, такие как Пол Клее, Василий Кандинский, Йозеф Альберс, Ласло Мохоли-Надь, приехали со всей Европы. Сильное влияние русского конструктивизма – родившегося в 1913 году и развившегося в последующие годы – на художественный опыт Веймарской республики и на Баухаус очевидно.
После роспуска школы и преследований нацистского режима в 1933 году многие деятели искусства привезли идеи, разработанные движением Баухауз, в Соединенные Штаты.
Стилистическое влияние школы продолжает оказывать влияние и на современное искусство, настолько, что в 2007 году китайский художник Ай Вейвей воздал должное конструктивизму, предложив переосмысление проекта «Башня Татлин» 1920-х годов, вдохновлённого Вавилонской башней: Скульптура Ай Вейвэя «Фонтан света» теперь хранится в новом Лувре в Абу-Даби.
В 1932 году в нью-йоркском MoMA открывается первый отдел музея архитектуры и дизайна.
Через несколько лет, в 1977 году, в Париже создаётся Центр Помпиду – многопрофильный культурный центр, который собирает произведения современного искусства, дизайна, архитектуры, фотографии, музыкальной деятельности, кинематографии и мультимедиа.
Всего неделю назад в Милане, в Триеннале открылся Музей дизайна, специализирующийся на итальянском дизайне с более чем 1600 экземплярами.
Как мы уже видели, хотя некоторые дизайнерские иконы проникли в дома тысяч людей, этого нельзя сказать об эксклюзивных и знаменитых монохромных столах, разработанных французским художником Ивом Кляйном в 1961 году, прозрачных плексигласовых структурах, содержащих любимое художником трио цветов – пурпурный розовый, золотой и синий, который носит его имя.
Пикассо распространил свою обширную художественную практику на керамику, которая, благодаря ему, стала в те годы признаваться настоящим искусством, а не просто ремеслом.
Другим примером художника, посвятившего себя этому материалу, является Лусио Фонтана, который сделал свои первые шаги в мастерской своего отца-декоратора-керамиста, посвятив себя разработке и изготовлению определённых компонентов мебели: его изумительные керамические камины до сих пор достигают очень высоких котировок на аукционе, даже если они относятся к периоду намного раньше, чем его исследования пространства.
Смесь различных дисциплин привлекала многих художников с разными методами и техниками: на пример, Ле Корбюзье, архитектора, художника, скульптора и дизайнера, которому в 2015 году была посвящена главная ретроспектива в Центре Помпиду по случаю 50-летия его кончины. Выставка также ознаменовала приверженность швейцарского архитектора к области классического искусства, и в музейных пространствах была подчёркнута полнота и обширность его художественного выражения известной мебелью, картинами, фотографиями, рисунками и архитектурными проектами.
Пит Мондриан, с другой стороны, черпал вдохновение из нью-йоркской архитектуры для создания своих знаменитых линейных композиций, которые для непосвящённых представляют собой настоящие карты Нью-Йорка и его небоскрёбов.
Взаимопроникновение функциональности и красоты, дизайна и вдохновения подпитывают и влияют друг на друга также в случае Memphis Group, итальянского коллектива дизайна и архитектуры, родившегося в Милане и действующего в период с 1981 по 1987 год, основанного Этторе Соттсасс.
Использованием ярких цветов и геометрических форм в гармонии с поп-культурой того времени создаются предметы, которые прославляют массовую культуру. Яркие цвета и вкус типографской техники рекламы и комиксов с восстановлением типичного пунтинато – основа их легко узнаваемого стилистического знака в паре с поп-артом.
В последние годы появилось много дизайнеров, которые сделали границу между современным искусством, дизайном и архитектурой ещё более хрупкой: один из них Рон Арад. Более 25 лет он перемещался между различными дисциплинами, создавая объекты на грани между дизайном и скульптурой. Его литейные работы, выпущенные ограниченным тиражом, такие как кресло Big Easy или кресло-качалка Voido, стали манифестом его поэтики, направленной на преодоление простой функциональности.
Другим примером дизайна, который становится искусством, является студия Les Lalanne, основанная французской парой Клодом Лаланном (которого не стало в эти дни) и Франсуа-Ксавье Лаланн, которые часто черпают из цветочных форм ар-нуво и сказочного аспекта сюрреализма для своих творений.
Они показали нам волшебную сторону природы и животного мира поэтическим и ироничным языком, способным общаться со всеми, преодолевая иерархию между искусством, скульптурой и функциональностью.
Среди их коллекционеров выделяются Ив Сен-Лоран, Карл Лагерфельд, Марк Джейкобс и Том Форд; Лаланны были предметом многих ретроспектив, и их работы можно найти в музейных коллекциях по всему миру.
Часто случалось обратное, а именно художники, которые сотрудничали с коммерческими компаниями, создавали ограниченные издания от коллекционеров. Одним из них является Джефф Кунс, который создал ограниченный тираж – всего 650 экземпляров – для знаменитой марки шампанского Dom Pérignon, которая повторяет работу Balloon Venus.
Даже «нормальный» ресторан может стать художественным опытом, в данном случае лондонский ресторан разработан Дэмиеном Херстом и называется «Аптека», как и собрание некоторых его работ.
Однако в отеле Palms Casino Resort в Лас-Вегасе поклонники молодых британских художников могут отдохнуть среди самых известных работ Херста в номере «Empathy Suite» отеля.
Что касается более экономичного решения для желающих приобрести работу великого имени в современном искусстве, могут обратиться к домашней линии, разработанной Маурицио Каттеланом для туалетной бумаги в сотрудничестве с Seletti.
Тем не менее, Миланская неделя дизайна с её тысячами инсталляций и предложений способствует переосмыслению отношений между искусством и дизайном, которые больше не рассматриваются как отдельные категории, а как объект непрерывной эволюции.
